5 песен о природе и композиторов русским: Чайковский, Римский-Корсаков, Рахманинов, Стравинский и другие.

12.03.1977| alexxlab| 0 Comment

5 песен о природе и композиторов русским: Чайковский, Римский-Корсаков, Рахманинов, Стравинский и другие.

Содержание

Чайковский, Римский-Корсаков, Рахманинов, Стравинский и другие.

Мы сегодня рано встали.
Нам сегодня не до сна!
Говорят, скворцы вернулись!
Говорят, пришла весна!

Весна вдохновляла многих талантливых людей. Поэты воспевали ее красоту словами, художники пытались запечатлеть буйство ее красок с помощью кисти, а передать ее нежное звучание не раз пробовали музыканты. «Культура.РФ» вспоминает русских композиторов, посвятивших свои произведения весне.

Петр Чайковский, «Времена года. Весна»

Константин Юон. Мартовское солнце. 1915. Государственная Третьяковская галерея, Москва

Весна в исполнении выдающегося русского композитора раскрывается в трех из двенадцати картин фортепианного цикла «Времена года».

Идея создания музыкальных сезонов была не новой. Задолго до Петра Чайковского подобные зарисовки создавали итальянский маэстро Антонио Вивальди и австрийский композитор Йозеф Гайдн. Но если европейские мастера создавали сезонную картину природы, то Чайковский посвятил отдельную тему каждому месяцу.

Трогательные музыкальные зарисовки изначально не были спонтанным проявлением Чайковского любви к природе. Идея цикла принадлежала Николаю Бернарду, редактору журнала «Нувеллист». Именно он заказал его композитору для сборника, в котором музыкальные произведения сопровождались стихотворениями — в том числе Аполлона Майкова и Афанасия Фета. Весенние месяцы были представлены картинами «Март. Песня жаворонка», «Апрель. Подснежник» и «Май. Белые ночи».

Весна Чайковского получилась лиричной и одновременно яркой по звучанию. Именно такой, как когда-то о ней автор писал в письме Надежде фон Мекк: «Люблю я нашу зиму, долгую, упорную. Ждешь не дождешься, когда наступит пост, а с ним и первые признаки весны. Но зато какое волшебство наша весна своей внезапностью, своей роскошной силой!».

Николай Римский-Корсаков, «Снегурочка»

Исаак Левитан. Март. 1895. Государственная Третьяковская галерея, Москва

Знакомый многим с детства сюжет весенней сказки обрел музыкальную форму благодаря интересному стечению обстоятельств. Николай Римский-Корсаков познакомился со сказкой Александра Островского в 1874 году, но она произвела на композитора «странное» впечатление.

Только спустя пять лет, как вспоминал сам автор в своих мемуарах «Летописи к моей музыкальной жизни», он «прозрел на ее удивительную красоту». Получив разрешение Островского воспользоваться сюжетом его пьесы, композитор написал свою знаменитую оперу за три летних месяца.

В 1882 году на сцене Мариинского театра состоялась премьера оперы «Снегурочка» в четырех действиях. Островский высоко оценил труд Римского-Корсакова, отметив, что не мог никогда представить «более подходящей и живо выражающей всю поэзию языческого культа» музыки к своему сочинению. Образы юной дочери Мороза и Весны, пастуха Леля и царя Берендея получились настолько живыми, что сам композитор назвал «Снегурочку» «лучшим своим произведением».

Чтобы понять, какой видел весну Римский-Корсаков, стоит послушать начало «Пролога» и «Четвертое действие» его оперы.

Сергей Рахманинов, «Весенние воды»

Архип Куинджи. Ранняя весна. 1890–1895. Харьковский художественный музей.

Еще в полях белеет снег,
А воды
уж весной шумят —
Бегут
и будят сонный брег,
Бегут
и блещут и гласят…
Они
гласят во все концы:
«Весна
идет, весна идет!
Мы молодой
весны гонцы,
Она
нас выслала вперед!

Именно эти строки Федора Тютчева легли в основу одноименного романса Сергея Рахманинова «Весенние воды». Написанный в 1896 году, романс завершал ранний период творчества композитора, еще наполненный романтическими традициями и легкостью содержания.

Стремительное и бурлящее звучание весны Рахманинова соответствовало настроению эпохи: к концу XIX века, после господства критического реализма и цензуры второй половины столетия, общество пробуждалось, в нем нарастало революционное движение, а в общественном сознании присутствовала тревога, связанная со скорым вступлением в новую эпоху.

Александр Глазунов, «Времена года: весна»

Борис Кустодиев. Весна. 1921. Художественная галерея Фонда поколений. Ханты-Мансийск.

В феврале 1900 года на сцене Мариинского театра состоялась премьера аллегорического балета «Времена года», в котором разворачивалась вечная история жизни Природы — от пробуждения после долгого зимнего сна до затухания в осеннем вальсе из листьев и снега.

Музыкальным сопровождением задумки Ивана Всеволожского стало сочинение Александра Глазунова, который на тот момент был известным и авторитетным музыкантом. Совместно со своим учителем Николаем Римским-Корсаковым он восстановил и закончил оперу Александра Бородина «Князь Игорь», дебютировал на Всемирной выставке в Париже и написал музыку к балету «Раймонда».

Игорь Стравинский, «Весна священная»

Николай Рерих. Эскиз декорации к балету «Весна священная». 1910. Музей Николая Рериха, Нью-Йорк, США

Другой «весенний» балет принадлежит еще одному ученику Римского-Корсакова — Игорю Стравинскому. Как записал композитор в своих воспоминаниях «Хроника моей жизни», однажды в его воображении совершенно неожиданно возникла картина языческих ритуалов и девушки, пожертвовавшей своей красотой и жизнью во имя пробуждения священной весны.

Своей задумкой он поделился с художником-сценографом Николаем Рерихом, который был так же увлечен славянскими традициями, и антрепренером Сергеем Дягилевым.

Именно в рамках Русских сезонов Дягилева в Париже в мае 1913 года состоялась премьера балета. Публика языческих плясок не приняла и осудила «варварскую музыку». Постановка провалилась.

Главную идею балета композитор позже описал в статье «Что я хотел выразить в «Весне священной»: «Светлое Воскресение природы, которая возрождается к новой жизни, воскрешение полное, стихийное воскрешение зачатия всемирного». И эта необузданность действительно чувствуется в магической экспрессии музыки Стравинского, полной первозданных человеческих чувств и природных ритмов.

100 лет спустя, в том же театре на Елисейских Полях, где «Весна священная» была освистана, выступали с этой оперой труппа и оркестр Мариинского театра — на этот раз уже с аншлагом.

Часть первая «Поцелуй Земли». «Вешние хороводы»

Дмитрий Кабалевский, «Весна»

Игорь Грабарь. Мартовский снег. 1904. Государственная Третьяковская галерея, Москва

В творчестве Дмитрия Кабалевского, классика советской музыкальной школы, общественного деятеля и педагога, мотивы весны встречались не раз. Например, весенние ноты звучат на протяжении всей оперетты «Весна поет», поставленной впервые в ноябре 1957 года на сцене Московского театра оперетты. Лихо закрученный сюжет сочинения в трех действиях был посвящен советской весне, символом которой была Октябрьская революция. Ария главной героини «Опять весна» подытоживала основную идею композитора: счастье заслуживается только борьбой.

Спустя три года Дмитрий Кабалевский посвятил еще одно произведение этому времени года — симфоническую поэму «Весна», которая сосредоточена вокруг звуков просыпающейся природы.

Симфоническая поэма «Весна», соч. 65 (1960)

Георгий Свиридов, «Весенняя кантата»

Василий Бакшеев. Голубая весна. 1930. Государственная Третьяковская галерея, Москва

Творчество Георгия Свиридова — один из главных символов советской музыкальной эпохи. Его сюита «Время вперед» и иллюстрации к пушкинской «Метели» давно стали классикой мировой культуры.

К теме весны композитор обратился в 1972 году: он сочинил вдохновленную поэмой Николая Некрасова «Кому на Руси жить хорошо» «Весеннюю кантату». Это произведение было своеобразным размышлением о выборе духовного пути России, однако Свиридов не лишил его присущего Некрасову поэтического восхищения красотой русской природы. Например, композитор сохранил в «Кантате» такие строки:

Весна уж начиналась,
Березка распускалася,
Как мы домой пошли…
Хорошо, светло
В мире Божием!
Хорошо, легко,
Ясно на сердце.

Особым настроением обладает инструментальная часть кантаты «Колокола и рожки»:

Урок музыки “Природа в музыке русских композиторов”

Тема четверти: “В чем сила музыки”.

Тема урока: “Природа в музыке русских композиторов”.

Цель: показать особенности восприятия человеком произведений искусства, наличие у него “внутреннего зрения”.

Задачи:

раскрыть красоту русской природы в произведениях музыкального искусства;
продолжить знакомство с творчеством М. П. Мусоргского;
развивать ассоциативное мышление через выявление звуковых и зрительных ассоциаций.

Ход урока

1.
Организационный момент

(Музыкальное приветствие.)

Знакомство с темой урока и главной задачей: постараться увидеть красоту природы в той музыке, что прозвучит на уроке.

Здесь мало увидеть,
Здесь надо всмотреться,
Чтоб ясной любовью
Наполнилось сердце.
Здесь мало услышать,
Здесь вслушаться нужно,
Чтоб в душу созвучья
Нахлынули дружно.
Чтоб вдруг отразили
Прозрачные воды
Всю прелесть застенчивой
Русской природы.
(Н.И. Рыленков)

– Пусть строчки этого стихотворения будут своеобразным рефреном нашего урока.

II.

Звучит мелодия песни Локтева “Русские края”.

– Знакома ли вам эта мелодия?

Исполнение 1-го куплета песни, работа над чистотой интонирования.

– Ребята, о чем эта песня? (О природе, о Родине.)
– А что такое Родина? (Город, страна, земля, где мы родились.)
– Какие чувства передает в своей музыке композитор?

(Любовь к родине, гордость за ее красоту.)
– Есть ли в вашем домашнем задании строчки, созвучные этой песне? (Примеры детей.)
– Попробуем передать эти чувства в исполнении песни.

(Исполнение песни.)

III.

Исполнение учителем р.н.п. “Среди долины ровныя” (3 куплета).

– Какие чувства вызвала песня? Почему?
– Можно ли разглядеть за образом дуба человека? (“Здесь мало услышать…”

Повторное слушание песни в записи полностью.

– А кто из русских художников воспевал русскую природу?

(Репродукции картин И.И. Шишкина “Дождь в дубовом лесу”, “Опушка леса”, “ Дубы, вечер”, “ Ручей в березовом лесу”. )

– Можете ли вы назвать имя художника?
– Есть ли что-то общее в этих картинах? (На всех изображен лес.)

– Зрители привыкли считать И. И. Шишкина “царем леса”, тем неожиданнее оказалась работа художника, которую они увидели на одной из выставок (репродукция картины “Среди долины ровныя”).
– Чем же она была неожиданной? (Зрители увидели обширную русскую равнину.)
– Что, по-вашему, является центральным образом в этой картине? (Могучий дуб-исполин, он одиноко стоит и как будто чего-то ждет.)
– Как вы думаете, что заставило художника написать эту картину? (Может быть он тоже был одинок.)
– Эта картина ничего вам не напомнила, может быть, какие-нибудь музыкальные ассоциации? (Зрительные представления.)

Здесь мало увидеть, здесь надо всмотреться…

(Вспоминаем р. н.п. “Среди долины ровныя”, сл. Алексея Федоровича Мерзлякова.)

– История создания картины тесно связана с судьбой художника.
Очень тяжело переживал Шишкин смерть любимой жены Ольги, которая тоже замечательно рисовала. День тянулся за днем, месяц за месяцем, а боль все не утихала. Но в нем жила могучая творческая сила, которая не дала ему сломаться. Иван Иванович стал снова уходить в свои любимые леса и поля, снова начал рисовать.
В один из дней он шел по долине, раскинувшейся от края и до края. Парило. От зноя поникли травы. Горизонт уже начал синеть, слышались глухие раскаты грома: приближалась гроза. Прямо перед художником, ярко освещенный солнцем, возвышался дуб-исполин. Казалось, он замер в ожидании грозы.

Среди долины ровныя,
На гладкой высоте,
Цветет, растет высокий дуб
В могучей красоте –

вдруг вспомнились Ивану Ивановичу слова старинной песни, которые звучали, казалось, в нем сами собой.
В могучем дереве художник узнал собрата по судьбе, увидел самого себя. Ведь и ему Бог определил одиночество, не только на личном пути. Среди художников Иван Иванович был таким же одиноким, так как его любви к русскому пейзажу. Верности живописной традиции не понимал никто.

IV. Мусоргский М.П. Увертюра к опере “Хованщира”
– А теперь мы отправляемся в театр. Прозвенел последний звонок.

Занавес еще закрыт. Гаснет свет. Звучит музыкальное вступление к опере.- музыкальная картина.
(“Здесь мало услышать,
Здесь вслушаться надо”).
– Что удалось увидеть? (Ответы детей.)
– Русская музыка или зарубежная? Почему? (Интонации русской песенности, изобразительные интонации – рожок.)

– Знакома ли музыка? (5 класс.)
В 60-е годы 19 века в музыкальном творчестве России ведущее место заняли П.И. Чайковский и группа композиторов, получившая название “Могучая кучка”. Сюда вошли композиторы Балакирев, Кюи, Мусоргский, Бородин, Римский-Корсаков. Они называли себя наследниками М.И. Глинки и свою цель видели в продолжении его заветов, в развитии русской национальной музыки.

V. Итог урока

– Что же помогает человеку увидеть музыку?
Каждый человек обладает внутренним зрением, и если он научится пользоваться этим своим богатством, то перед ним откроется красота окружающего мира так, как сегодня открылась перед нами красота русской природы.

VI. Домашнее задание

“Возьмите в руки краски,
Возьмите в руки кисти…”

Выразите в красках настроение запомнившейся сегодня музыки.
Произведения русских композиторов о природе 3. Путешествие в мир красоты природы, поэзии и музыки
«Образы природы в музыке»
(исследовательская работа)
ВВЕДЕНИЕ………………………………………………………………. ……….2
ГЛАВА 1. Теоретическое обоснование проблемы « природа и музыка»
1.1. Определение основных понятий исследования: «музыка»,
«природа»……………………………………………………………………….4
1.2. Образы природы в литературе и живописи………………………………6
1.3. Образы природы в музыке………………………………………………..10
1.4. Образы природы в музыке для релаксации………………………………14
ГЛАВА 2. Практическое обоснование проблемы
2.1. Проблемы экологии в современном искусстве………………………….18
2.2 Музыкальные образы природы в работах школьников………………….23
ЗАКЛЮЧЕНИЕ ………………………………………………………………..35
БИБЛИОГРАФИЯ …………………………………………………………….36
ПРИЛОЖЕНИЕ

ВВЕДЕНИЕ
Мы живем в 21 веке. Это век сумасшедших скоростей, всеобщей механизации и индустриализации. На каждом шагу нас поджидают стрессовые ситуации. Наверное, человечество еще никогда не было так далеко от единства с природой, которую человек постоянно “покоряет” и “подгоняет” под себя.
Тема природы в данное время очень актуальна. В последнее десятилетие экология переживает небывалый расцвет, становится все более значимой наукой, вплотную взаимодействуя с биологией, природоведением, географией. Сейчас слово “экология” встречается во всех средствах массовой информации. И не одно десятилетие проблемы взаимодействия природы и человеческого общества волнуют не только ученых, но и писателей, художников, композиторов.
Неповторимая красота родной природы во все времена побуждала людей искусства на новые творческие поиски.
В своих произведениях они не только восхищаются, но и заставляют задуматься, предупреждают о том, к чему может привести неразумное потребительское отношение к природе.

Природа в произведениях композиторов – отражение ее реального звучания, выражение конкретных образов. В то же время, сами звуки природы создают определенное звучание и влияют тем или иным образом. Изучение музыкальных произведений разных эпох позволит проследить, как менялось сознание человека, его отношение к вечному миру природы. В наш век индустриализации и урбанизации вопросы сохранения окружающей среды, взаимодействия человека и природы стоят особенно остро. Человек, на мой взгляд, никак не может определить свое место в мире: кто же он – царь природы или только маленькая часть великого целого?
Цель – доказать, что музыка может донести до слушателя образы природы, повлиять на сознание человека в отношении экологии. А проблемы экологии – это важная часть жизни общества и каждого его члена в отдельности.

Задачи:
1. Изучить музыкальные произведения разных эпох.
2. Рассмотреть образы природы в произведениях живописи, литературы, музыки.
3. Доказать влияние музыки природы на человеческое сознание.
4. Создать мультимедийную презентацию на тему «Природа и музыка».
Объект исследования – образы природы в музыке.
Методы исследования использовались как теоретические, так и эмпирические:
изучение, анализ и обобщение литературы,
наблюдение,
эксперимент.
Моя работа состоит из теоретической части и практической.
ГЛАВА 1 Теоретическое обоснование проблемы «природа и музыка»
Определение основных понятий исследования: «музыка», «природа»
А что такое музыка? На это можно дать много определений. Музыка – это вид искусства, художественным материалом которого является звук, особым образом организованный во времени (
).
Музыка – это вид искусства, объединяющий тоны в благозвучные группы звуков. Музыка – это разновидность искусства, воплощающая идейно-эмоциональное содержание в звуковых художественных образах. Музыка – это искусство, предметом которого является звук, меняющийся со временем ().
Но можно дать одно общее расширенное понятие, музыка – вид искусства. Средством передачи настроения и чувства в музыке служат специально организованные звуки. Основными элементами и выразительными средствами музыки являются: мелодия, ритм, метр, темп, динамика, тембр, гармония, инструментовка и другие. Музыка является очень хорошим средством воспитания художественного вкуса у ребенка, она способна влиять на настроение, в психиатрии есть даже специальная музыкотерапия. С помощью музыки можно даже воздействовать на здоровье человека: когда человек слышит быструю музыку, у него учащается пульс, повышается давление, он начинает двигаться и думать быстрее. Музыку принято разделять по жанрам и видам. Музыкальные произведения каждого жанра и вида, как правило, легко отличить друг от друга из-за специфических музыкальных свойств каждого ().
Что такое природа? Интересный и увлекательный вопрос. В школе в младших классах мы когда-то изучали такой предмет – природоведение. Природа – это живой организм, который рождается, развивается, творит и создает, а затем умирает, а то, что она создала за миллионы лет либо процветает дальше в других условиях или погибает вместе с ней (http://dinosys.narod.ru/chto-takoe-priroda-.html ).
Природа – это внешний мир, в котором мы живем; этот мир подчиняется неизменным на протяжении миллионов лет законам. Природа первична, она не может быть создана человеком и мы должны воспринимать ее как данность. В более узком смысле слово природа означает сущность чего-либо – природачувств, например (http://www.drive2.ru/ ).
Экология – наука об отношениях живых организмов и их сообществ между собой и с окружающей средой (http://ru.wikipedia.org/wiki/ ).
2.Образы природы в литературе и живописи
Велико наследие русской литературы. В сочинениях классиков отражены характерные черты взаимодействия природы и человека, присущие прошедшей эпохе. Трудно представить поэзию Пушкина, Лермонтова, Некрасова, повести и рассказы Тургенева, Гоголя, Толстого, Чехова без описания картин русской природы. Произведения этих и других авторов раскрывают многообразие природы родного края, помогают находить в ней прекрасные стороны человеческой души.
Так, в творчестве самого Ивана Сергеевича Тургенева природа является душой России. В произведениях этого писателя прослеживается единство человека и мира природы, будь то зверь, лес, река или степь.
Природа у Тютчева многообразна, многолика, насыщена звуками, красками, запахами. Лирика Тютчева проникнута восторгом перед величием и красотой природы:
Люблю грозу в начале мая,
Когда весенний, первый гром,
Как бы резвяся и играя,
Грохочет в небе голубом.
Гремят раскаты молодые,
Вот дождик брызнул, пыль летит,
Повисли перлы дождевые.
И солнце нити золотит.
Каждому русскому человеку знакомо имя поэта Сергея Александровича Есенина. Всю жизнь Есенин поклоняется природе родного края. “Моя лирика жива одной большой любовью, любовью к родине. Чувство родины – основное в моем творчестве”, – говорил Есенин. Все люди, животные и растения у Есенина – дети одной матери – природы. Человек – часть природы, но и природа наделена человеческими чертами. Примером может служить стихотворение “Зеленая прическа…”. В нем человек уподоблен березке, а она – человеку. Это настолько взаимопроникновенно, что читатель так и не узнает, о ком это стихотворение – о дереве или о девушке.
Не зря Михаила Пришвина называют “певцом природы”. Этот мастер художественного слова был тонким знатоком природы, прекрасно понимал и высоко ценил ее красоту и богатства. В своих произведениях он учит любить и понимать природу, нести ответственность перед ней за ее использование, причем не всегда разумное. С разных сторон освещена проблема отношений между человеком и природой.
Здесь сказано далеко не о всех произведениях, затрагивающих вопрос взаимоотношений человека и природы. Природа для писателей – не просто среда обитания, она – источник доброты и красоты. В их представлениях природа связывается с истинной человечностью (которая неотделима от сознания своей связи с природой). Остановить научно-технический прогресс невозможно, но очень важно задуматься над ценностями человечности.
Все писатели, как убежденные ценители подлинной красоты, доказывают, что влияние человека на природу не должно быть губительно для нее, ведь каждая встреча с природой – это встреча с прекрасным, прикосновение к тайне. Любить природу – значит, не только наслаждаться ею, но и бережно к ней относиться.
До наших времён дошли изображения животных и людей, сделанные ещё в эпоху первобытного общества на стенах пещер. С тех пор прошли многие тысячелетия, но живопись всегда оставалась неизменным спутником духовной жизни человека. В последние века она, бесспорно, самый популярный из всех видов изобразительного искусства.
Русская природа всегда оказывала огромное влияние на художников России. Можно даже сказать, что именно природа нашей страны, ее ландшафт, климатические условия, краски, сформировали национальный характер, а следовательно, и породили все особенности русской национальной культуры, в том числе живописи.
Однако собственно пейзажная живопись в России начала развиваться только в XVIII в. вместе с развитием светской живописи. Когда стали возводить великолепные дворцы, разбивать роскошные сады, когда, как по волшебству, начали расти новые города, появилась потребность все это увековечить. При Петре I появились уже первые виды Петербурга, сделанные русскими художниками.
Первые русские художники-пейзажисты черпали вдохновение за границей. Федор Матвеев – видный представитель классицизма в русской пейзажной живописи. «Вид в окрестностях Берна» – изображение современного художнику города, но реальный пейзаж представлен художником идеально-возвышенным.
Итальянская природа отражена на холстах Щедрина. В его картинах природа раскрылась во всей своей естественной красе. Он показал не только внешнее обличье природы, но ее дыхание, движение, жизнь. Однако уже в работах Венецианова мы видим обращение к картинам родной природы. Бенуа писал о творчестве Венецианова: «Кому в целой русской живописи удалось передать такое истинно летнее настроение, как то, которое вложено в его картину «Лето»! Такая же удивительная вещь – парная ей картина «Весна», где «в пейзаже выражена вся тихая, скромная прелесть русской весны».
Современники считали, что творчество Шишкина отзывается фотографичностью, и именно в этом заслуга мастера.
В 1871 г. на выставке появилась знаменитая картина Саврасова «Грачи прилетели». Эта работа стала откровением, настолько неожиданным и странным, что тогда, несмотря на успех, не нашлось ей ни одного подражателя.
Говоря о русских пейзажистах, нельзя не упомянуть В.Д. Поленова, его трогательные пейзажи «Бабушкин сад», «Первый снег», «Московский дворик».
Саврасов был учителем, а Поленов – другом знаменитого русского художника-пейзажиста Левитана. Картины Левитана – новое слово в русской пейзажной живописи. Это не виды местностей, не справочные документы, но сама русская природа с ее неизъяснимо тонким очарованием. Левитана называют открывателем красот нашей русской земли, тех красот, что лежат рядом с нами и каждый день и час доступны нашему восприятию. Его картины дают не только наслаждение глазу, они помогают понять и изучить нашу Землю, ее природу.
В русской живописи прошлого столетия раскрываются две стороны пейзажа как вида живописи: объективная-то есть изображение, вид определенных местностей и городов, и субъективная – выражение в образах природы человеческих чувств и переживаний. Пейзаж является отображением находящейся вне человека и преобразуемой им действительности. С другой стороны, он отражает и рост личного и общественного самосознания.
1.3. Образы природы в музыке
Звуки природы послужили основой для создания многих музыкальных произведений. Природа мощно звучит в музыке. Музыка была уже у древних людей. Первобытные люди стремились изучать звуки окружающего мира, они помогали им ориентироваться, узнавать об опасности, охотится. Наблюдая за предметами и явлениями природы, они создали первые музыкальные инструменты – барабан, арфу, флейту. Музыканты всегда учились у природы. Даже звуки колокола, которые раздаются в церковные праздники, звучат благодаря тому, что колокол создали по подобию цветка колокольчика.
Учились у природы и великие музыканты: Чайковский не выходил из леса, когда писал детские песенки о природе и цикл “Времена года”. Лес подсказывал ему настроение и мотивы музыкального произведения.
Список музыкальных произведений о природе велик и многообразен. Приведу лишь некоторые произведения на весеннюю тему:
И. Гайдн. Времена Года, ч.1
Ф.Шуберт. Весенний Сон
Ж. Бизе. Пастораль
Г. Свиридов. Весенняя кантата
А. Вивальди “Весна” из цикла “Времена года”
В. А. Моцарт “Приход весны” (песня)
Р. Шуман “Весенняя” симфония
Э. Григ “Весной” (фортепианная пьеса)
Н. А. Римский-Корсаков “Снегурочка” (весенняя сказка)
П. И. Чайковский “То было раннею весной”
С. В. Рахманинов “Весенние воды”
И. О. Дунаевский “Журчат ручьи”
Астор Пьяццолла. “Весна” (из “Времена года в Буэнос-Айресе”)
И. Штраус. Весна (Frühling)
И. Стравинский “Весна священная”
Г. Свиридов “Весна и колдун”
Д. Кабалевский. Симфоническая поэма “Весна”.
С. В. Рахманинов. “Весна” – кантата для баритона, хора и оркестра.
И так можно продолжать еще долго.
Нужно отметить, что композиторы воспринимали и отражали образы природы в своих произведениях по-разному:
б) Пантеистическое восприятие природы – Н. А. Римский-Корсаков, Г. Малер;
в) Романтическое восприятие природы как отражение внутреннего мира человека;
Рассмотрим «весенние» пьесы из цикла «Времена года» П. И. Чайковского.
“Времена года” Чайковского – это своеобразный музыкальный дневник композитора, запечатлевший дорогие его сердцу эпизоды жизни, встречи и картины природы. Энциклопедией русской усадебной жизни XIX века, петербургского городского пейзажа можно назвать этот цикл из 12 характеристических картин для фортепиано. В его образах запечатлены Чайковским и бескрайние русские просторы, и деревенский быт, и картины петербургских городских пейзажей, и сценки из домашнего музыкального быта русских людей того времени.
“Песня жаворонка”. Март (см. Приложение). Жаворонок – полевая птица, которую в России чтут как весеннюю певчую птичку. Ее пение традиционно связывается с приходом весны, пробуждением от зимней спячки всей природы, началом новой жизни. Картина весеннего русского пейзажа нарисована очень простыми, но выразительными средствами. В основе всей музыки лежат две темы: напевная лирическая мелодия со скромным аккордовым сопровождением и вторая, родственная ей, но с большими взлетами и широким дыханием. В органичном переплетении этих двух тем и различных оттенков настроений – мечтательно-грустного и светлого – заключается покоряющая прелесть всей пьесы. Обе темы имеют элементы, которые напоминают трели весенней песни жаворонка. Первая тема создает своеобразное обрамление более развернутой второй теме. Заключают пьесу затихающие трели жаворонка.
“Подснежник” Апрель (см. Приложение). Подснежник – так называются растения, которые появляются сразу после схода зимнего снега. Трогательно после зимней стужи, мертвой, безжизненной поры выглядят небольшие голубые или белые цветочки, появляющиеся сразу после таяния зимнего снега. Подснежник очень любим в России. Он почитается как символ новой нарождающейся жизни. Ему посвящены стихи многих русских поэтов. Пьеса “Подснежник” построена на вальсообразном ритме, вся проникнута порывом, взлетом эмоций. В ней проникновенно передано то волнение, которое возникает при созерцании весенней природы, и радостное, скрытое в глубинах души, чувство надежды на будущее и затаенного ожидания. В пьесе три раздела. Первый и третий повторяют друг друга. Но в среднем разделе нет яркого образного контраста, скорее, здесь некоторая смена настроений, оттенков одного и того же чувства. Эмоциональный порыв в заключительном разделе сохраняется до самого конца.
“Белые ночи”. Май (см. Приложение).
Белые ночи – так называются ночи в мае на севере России, когда ночью так же светло, как и днем. Белые ночи в Петербурге, столице России, всегда отмечались романтическими ночными гуляниями и пением. Образ белых ночей Петербурга запечатлен в полотнах русских художников и стихах русских поэтов. Именно так – “Белые ночи” – называется повесть великого русского писателя Ф. Достоевского.
Музыка пьесы передает смену противоречивых настроений: горестные раздумья сменяются сладостными замираниями переполненной восторгами души на фоне романтического и совершенно неординарного пейзажа периода белых ночей. Пьеса состоит из двух больших разделов, вступления и заключения, которые неизменны и создают обрамление всей пьесы. Вступление и заключение – это музыкальный пейзаж, образ белых ночей. Первый раздел строится на коротких мелодиях – вздохах. Они словно напоминают о тишине белой ночи на петербургских улицах, об одиночестве, о мечтах о счастье. Второй раздел по настроению порывистый и даже страстный. Волнение души настолько возрастает, что приобретает восторженно-радостный характер. После него идет постепенный переход к заключению (обрамлению) всей пьесы. Все успокаивается, и вновь перед слушателем картина северной, белой, светлой ночи в величественном и строгом в своей неизменной красоте Петербурге.
Также мы послушали несколько музыкальных произведений на тему весны: П. И. Чайковский «Апрель. Подснежник», Г. Свиридов «Весна», А. Вивальди «Весна». Мы выяснили, что все пьесы имеют схожие черты. В каждой пьесе нежный, мечтательный, ласковый, мягкий, приветливый характер. Объединяют все эти произведения общие средства музыкальной выразительности. Преобладающий лад – мажорный; регистр – высокий, средний; мелодия – кантиленная, темп – умеренный; динамика – mf. У Свиридова и вивальди используются звукоизобразительные моменты: подражание пению птиц имитируют флейта и скрипка в высоком регистре.
1.4. Образы природы в музыке для релаксации
Натуральные звуки природы, как известно, помогают человеку достичь состояния гармонии с окружающей действительностью, прийти к согласию со своим внутренним миром, избавиться от тревог и напряжения, и на какое-то время отрешиться от повседневных забот.
Музыкотерапия – одно из древнейших средств групповой психотерапии, использующее специфические особенности эмоционально-психологического воздействия музыки (музицирования) на человека ()
Корифеи античной цивилизации Пифагор, Аристотель, Платон обращали внимание современников на целебную силу воздействия музыки, которая, по их мнению, устанавливает пропорциональный порядок и гармонию во всей Вселенной, в том числе и нарушенную гармонию в человеческом теле. Выдающийся врач всех времен и народов Авиценна еще тысячу лет назад лечил музыкой больных нервными и психическими заболеваниями. В Европе упоминание об этом относится к началу XIX века, когда французский психиатр Эскироль стал вводить музыкотерапию в психиатрические учреждения. Характерно, что применение музыки в медицине носило преимущественно эмпирический характер. В XX веке, особенно во второй его половине, музыкальная терапия как независимая дисциплина стала широко практиковаться в различных странах Европы. Современные исследования в области музыкотерапии развиваются по нескольким направлениям. Изучение художественно-эстетических закономерностей музыкального восприятия осуществляются в эстетических и музыкально-теоретических работах.
В первую очередь прослушивание музыки влияет на наше эмоциональное и чувственное восприятие, что дает мощный импульс всем остальным действующим системам человека. В более спокойном состоянии человек уже трезво размышляет, тоньше понимает события вокруг, неосознанно включает интуицию. Все это существенно влияет на качественные характеристики физического тела. Каким-то невероятным образом человеку становиться лучше, он становится бодрее, умнее и веселее, что сейчас необходимо каждому из нас.
Сейчас люди все больше занимаются самопознанием и самосовершенствованием. Каждый из нас нацелен на внутреннюю работу, с помощью которой узнаются новые грани личности. Целебнаямузыка древних шаманов и тибетских монахов эффективно влияют на открытие внутренних ресурсов, с помощью чего мы становимся более здоровыми, проницательными и уравновешенными.
Релаксация – самый лучший способ расслабиться, именно музыка для релаксации способна правильно воздействовать на организм и способствовать максимальному расслаблению всех мышц. Иногда не только мелодия, но и звуки природы способны благотворно влиять на душевное и физическое состояние истощенного стрессами организма.
Что же именно можно назвать музыкой релаксации? Специалисты относят к данному направлению мелодичные треки с этнической музыкой, Ньюэйдж, нойз, иногда некоторую современную электронную музыка, звуки природы, восточные медитативные песни, традиционные китайские песнопения и многое, многое другое. Что же тогда относится к звукам природы? Как правило, при записи подобных песен используются пение птиц, шум волн, шелест листьев… В городе невозможно услышать грохот падающей воды водопада или мерный шум прибоя. С этой целью наиболее известные звуки были записаны на носители, аранжированы, и позднее получили название «музыка природы». Как ни странно к такой же «музыке» относятся и пение голубых китов, раскаты грома, стрекотание цикад и сверчков, вой волка. Звуки природы – те звуки, которые вы, возможно, никогда в живой природе и не встретите, но которые помогают создать нужную атмосферу пребывания в горах или на берегу моря.
Основная цель музыки релаксации – правильное гармоничное воздействие на человека с целью полнейшего расслабления всех напряженных мышц и в последствие снятия стресса. Как ни странно, музыка для отдыха может применяться и для работы. Она может служить приятным фоном при напряженной интеллектуальной работе при этом, совершенно не отвлекая человека от важного дела, но создавая приятную и непринужденную атмосферу.
Для создания нужного эффекта исполнители музыки релаксации иногда используют повторение одного и тоже тона по нескольку раз, своеобразное сосредоточение композиции вокруг одного или нескольких тонов, что помогает вызвать состояние легкого транса и расслабления. Подобный прием применяется в Гоа-трансе, но в музыке природы нет такой четкой ритмичности. Для исполнения музыки релаксации не существует какого-то определенного наборы музыкальных инструментов. Если говорить о релаксирующих восточных мелодиях, то основными инструментами являются традиционные китайские или вьетнамские карильоны и каменные пластины, горизонтальные арфы, цитры (многострунные инструменты), бамбуковые флейты, шэн и юй (сделанные из тыквы), сюнь, чжэн, гуцинь, сяо и ди, пипа и т.д. Традиционная китайская музыка является одним из наиболее популярных направлений музыки для отдыха. Она часто применяется для релаксации по системе У-Шу. Для создания нужной атмосферы и правильного настроя необходимо слушать музыку определенной мелодики. Если музыка гармонично сочетает в себе и звуки природы, и плавные переходы из одной тональности в другую – то это определенно музыка релаксации (этнические музыкальные инструменты см. в ПРИЛОЖЕНИИ).
Наиболее интересным направлением, активно развивающимся на Западе, является индейская этническая музыка для релаксации. Традиционные индейские мотивы и образы с каждым днем становятся все более и более популярными не только в Америке, но и в Европе. Песни исполняются при помощи пимака (флейты североамериканских индейцев), барабанов. Также повышается интерес к традиционной африканской музыке. Инструменты – барабаны Уду, шейкере и калабаш. В России музыка релаксации представлена звуками Байкала, бурятскими песнопениями, традиционной музыкой малых народов севера.
ГЛАВА «Практическое обоснование проблемы»
2.1. Проблемы экологии в современном искусстве
Музыка волн, музыка ветра… Музыка природы. Человек, созерцая красоты окружающего мира, понимает – это искусство, ни с чем не сравнимое. Поэтому, только зародившись как понятие, экология стала неразрывно связанной с творчеством. Море, леса, скалы, цветы, птицы – все это становится источником вдохновения. Так сформировались жанры экологического арта. И экологическая песня заняла одну из самых значимых ниш.
Экологическое движение современности – это сильная и влиятельная организация. Результат потребительного отношения человека к планете виден сегодня невооруженным глазом. Воздух загрязнен, вырублены леса, отравлены реки, убиты животные. От этого не убежать, где бы мы не жили. Последствия нашего варварского отношения к родному дому, Земле, можно ощутить в любом ее уголке. Поэтому сегодня «зеленое» движение актуально, как никогда.
Чтобы привлечь внимание общественности к проблемам экологии, защитники природы используют то, что она им дала – таланты. Появилось такое направление в эко-искусстве, как экологическая художественная фотография. Фотоэкспозиции проходят в самых крупных городах мира, собирают толпы людей. На снимках люди видят, что сделал человек с окружающей средой, а также чудом сохранившиеся красоты природы, которые необычайно важно защитить. Есть также и экологическое кино, и экологическая живопись. Экология ворвалась даже в моду. Очень популярен флористический дизайн одежды из натуральных тканей.
Однако самым душевным аспектом эко-арта является музыка. Сегодня многие звезды шоу-бизнеса по всему миру пропагандируют «зеленый» образ жизни. Они создают многомиллионные фонды для спасения планеты. Артисты собирают целые стадионы. Они пытаются победить равнодушие людей, пробудить в них любовь к природе и желание сохранить ее неповторимую красоту.
Появились и первые «зеленые» люди. Далеко не всегда это были ученые и экологи. Для человека, любящего природу, не важна профессия. Так говорят и о бардах.
Экологическое направление стихов бардовских песен неоспоримо. Строки говорят нам не только о прекрасном природы, но и о том, что мы с ней сотворили. Когда сидишь в мерцающем свете затихающих древесных угольков, замечаешь, как ухает в темноте филин, ветер шуршит листвой, течет река, а человек, обняв гитару, поет тебе о душе леса, всем сердцем желаешь оградить ее от козней, от топоров и пожарищ. Ведь это наш дом:
«Я приглашаю вас в леса»
Я по тропе вас поведу,
Она усталость вашу снимет,
И станем снова молодыми
Мы у нее на поводу,
Под вечер сосны запоют,
Над головой качнутся ветки.
И нам покажется некрепким
Наш крепкий городской уют.
(А. Якушева)
Конечно, нельзя назвать бардовские песни пропагандой защиты природы. Многие авторы не ставили себе эту цель. Они просто пели о лесах, морях, горах. Глубокое уважение – вот, к чему призывают бардовские песенные стихи. В каждом человеке изначально заложено бережное отношение к дарам планеты, а суета и жесткость нынешней цивилизации заставляет забыть о тяге к гармонии с природой. Бардовская песнь же естественным образом пробуждает это. Творчество бардов сегодня уже справедливо приравнивается к экологическому воспитанию. И его начинатели – советские барды. Песни уже стали фольклором – природоохранным. К сожалению, на большую сцену авторская песня так и не вышла. Но прелесть и актуальность от этого не потеряла. И будущее у нее есть.
Бардовская музыка, увы, понятна не всем. Ведь для того, чтобы почувствовать ее, нужно отречься от суеты мира на несколько минут, иначе мы увидим что-то несовременное и скучное.
Но есть и более массовая экологическая музыка, популярная, эстрадная. Главным образом, зарубежная. Например, экологический гимн Майкла Джексона “Eath Song” («Песня Земли»). Несмотря на то, что это поп, песня на редкость глубокая, осмысленная, чувственная. Она способна разбудить многие сердца, а глаза – открыть. Мы живем в умирающем мире (текст песни см. в ПРИЛОЖЕНИИ).
Приведу отрывок текста из этой песни:
Небеса падают вниз, я даже не могу дышать.
Что с истекающей кровью Землей, чувствуем ли мы ее раны?
Что с самой природой, это лоно нашей планеты.
Что с животными? Мы превратили царства в пыль.
Что со слонами, мы потеряли их доверие?
Что с кричащими китами? Мы опустошили моря.
Что с тропическими лесами, сожженными вопреки нашим мольбам?
Что со святой землей, раздираемой на части разными вероучениями?
В России появился так называемый экологический рок . Был создан проект «Рок чистой воды». Лидером и автором идеи является никто иной, как сам Шахрин из «Чайфа». В эту организацию входит около 30 рок-групп. Русские рокеры тоже хотят изменить мир к лучшему, спасти планету.
Сама идея создания проекта «Рок Чистой Воды» зародилась в Свердловске в 90-е годы 20 века. Инициаторами ее выступили музыканты рок-клуба во главе с лидером группы «Чайф» Владимиром Шахриным. Зародилась идея грандиозного проекта – «Волга-90». «Рок Чистой Воды» взял курс на Волгу… Не доводилось еще легендарному теплоходу «Капитан Рачков», немало повидавшему за свою тридцатилетнюю службу, стать на 18 дней приютом для столь разномастной публики.
Кроме многочисленных музыкантов, вдохновленных возможностью донести для молодежи боль за гибнущую реку, в совместную работу включились более семидесяти ученых-экологов, социологов, активистов Комитета Спасения Волги и журналистов. На протяжении всего маршрута (Горький – Казань – Тольятти – Саратов – Астрахань – Волгоград – Куйбышев – Ульяновск – Чебоксары – Ярославль – Москва) стал зарождаться уникальный симбиоз ученых-экологов и рок-музыкантов. Экологи исследовали состояние Волги, брали пробы воды и анализировали их в специальной теплоходной лаборатории, а музыканты наслаждались гармонией между небом, рекой, коллегами и зрителями.
Более двадцати рок-групп поддержали благотворительную акцию: Телевизор, Аукцион и Петля Нестерова из Ленинграда, Чайф, Настя, Апрельский марш и Отражение из Свердловска, СВ из Москвы, Те из Иркутска, ХРОНОП из театр Пилигримов, парк Горького, Иуда Головлев из Саратова, Миссия антициклон из Магадана, туземцы WEEKEND ET WAIKIKI и Эрнст Лангхаут из Голландии…
Участники акции «Рок Чистой Воды» призывали всех, кому не безразлична судьба великой русской реки, к борьбе против строительства в бассейне Волги экологически-опасных объектов, захоронения радиоактивных отходов и ядохимикатов, строительства канала Волго-Дон-2…
Немало музыкантов в роке становятся веганами. Есть сотни веган-рок-групп. Они не хотят вредить животным, экологии. Хотят жить в мире и согласии с окружающей средой. Быть частью природы, а не ее хозяином, могущим брать у нее все, что только можно и ничего не давать взамен. Конечно, многие относят веганов к экстремальным сообществам. Не все считают нормой отказ даже от шерстяной одежды, так как она – животного происхождения.
Есть композиторы экологической песни, которые предпочитают по-особенному делать аранжировку к своим творениям. Они активно используют звуки природы: плеск волн, пение птиц, голос дельфина, шуршание лесной листы, ветер и т.д. Они прекрасно помогают передать музыкальный образ и особое мироощущение – гармонию с матушкой-природой.
Среди этих музыкантов – американец Пол Уинтер – эко-джазмен. Он лауреат премии «Grammy». Его музыку критики называют «воистину живой», «экологическим джазом», «пограничной текстурой звуков». В джазе Уинтера есть все: фолк, классика, этно и др. Но что делает его живым, экологическим и уникальным – крики горных орлов, вой северных волков и т.д.
Рок, рэп, джаз, фолк, ска и др. Практически во всех направлениях музыки отразилась тема экологии. Каждый раз, когда в мире случалась общая беда, она всегда оседала в творениях искусства. Вот и сейчас, когда мы стоим на пороге страшных экологических катастроф, музыка подхватывает наши тревоги, волнения и – НАДЕЖДУ. Одно то, что появилось понятие экологической музыки, говорит о том, что есть небезразличные люди. А значит – шанс.
2.2. Музыкальные образы природы в работах школьников
Познакомившись с циклом А. Вивальди «Времена года» мы решили узнать, как образы природы в музыкальных произведениях школьники могут отобразить в своем творчестве.
В нашем исследовании участвовали 3 группы второклассников (фрагменты работы см. в ПРИЛОЖЕНИИ). Каждая группа слушала и рисовала определенное музыкальное произведение: «Лето. Шторм», «Зима», «Осень» (творческие работы детей см. в ПРИЛОЖЕНИИ).
Вот какие результаты мы получили.
Все работы полны положительных и радостных эмоций. Ребята используют, в основном, теплые, пастельные краски. Преобладают цвета: зеленый, бирюзовый, голубой, бежевый, желтый.
Коротко опишу сюжеты работ. В своей работе Настя нарисовала домик, цветы, берёзу и солнце, которое всем улыбается. Арина нарисовала деревья, яркое солнце, девочку, которая качается на качелях и прилетающих грачей. На другой изображено нарисовано дерево, поляна, по которой течёт ручей. Аня нарисовала цветы, растущие на поляне, ручей, солнце, облака, деревья, на которых сидят птицы. Соня нарисовала облака и берёзы, на которых сидят птицы. Дарина нарисовала дерево, растущее на поляне, солнце и птицу, которая летит в воздухе и поёт.
Лето. Шторм.
Работы по пьесе «Лето» совсем иного содержания. Во всех работах чувствуются стремительные, полетные эмоции. Почти во всех работах мы можем увидеть разноцветный вихрь, кружащийся на море с огромными волнами, а вокруг дует сильный ветер. Многие ребята используют синие и все яркие и тёмные цвета.
Коротко опишу сюжеты работ.
В своей работе Дарина и Соня нарисовали большие волны, которые, закручиваясь, обрушиваются на маленький остров в океане, идёт дождь, вспыхивает молния.
На другой работе нарисованы два разноцветных вихря, тучи и дождь. Эта работа полна внушительных, стремительных и грозных эмоций.
В своей работе Аня нарисовала сильный ветер, бушующее море и кораблик, затерявшийся в волнах.
В своей работе Арина нарисовала поляну, на которой растёт дерево и домик, уносимый ураганом. Её рисунок вызывает смешанные чувства. Этот неожиданный ураган посреди прекрасной поляны… Арина нарисовала всю картину светлыми красками, только ураган нарисован в тёмных тонах.
На другой работе всё смешанно. Ураган почти сливается со всем остальным: ветром, морем, где-то виднеющимся пароходом, что помогает передавать настоящую атмосферу грозы и шторма. В этой работе использовано больше всего красок.
Обратимся к рисункам по пьесе «Зима». Во всех рисунках ребята используют мягкие, пастельные краски. Преобладают голубой, розовый, сиреневый, фиолетовый цвета.
В своей работе Варя нарисовала снежные сугробы. В её работе чувствуется радость и одновременно холодная погода. Диана нарисовала снежные сугробы, по которым катится мальчик на санках. Её работа вызывает радостные эмоции. Дима нарисовал дерево, снег, который падает с неба и домик.
В работе Саши нарисован снег, который падает с неба и одинокий домик. Его работа вызывает тоску и одиночество.
Как мы видим, общее во всех этих работах – это настроение и эмоции рисунков на какую – то определённую тему, но каждый рисует сюжет по – разному.
ЗАКЛЮЧЕНИЕ
Все писатели, композиторы, художники, как убежденные ценители подлинной красоты, доказывают, что влияние человека на природу не должно быть губительно для нее, ведь каждая встреча с природой – это встреча с прекрасным, прикосновение к тайне.
Любить природу – значит, не только наслаждаться ею, но и бережно к ней относиться. Человек – это единое целое с природой. Он не сможет без неё существовать. Главная задача человека – сохранить и приумножить её богатства. А на данный момент природа очень нуждается в заботе, поэтому проблемы экологии очень важны в наше время. Они относятся к каждому из нас. Олицетворяя природу, музыка способна заставить человека задуматься об её судьбе. Слушая такую музыку, мы задумываемся о природе и об её экологии.
Композиторы и музыканты – исполнители в своих произведениях не только восхищаются, но и заставляют задуматься, предупреждают о том, к чему может привести неразумное потребительское отношение к природе.
Природа в произведениях композиторов – отражение ее реального звучания, выражение конкретных образов. В наше время вопросы сохранения окружающей среды, взаимодействия человека и природы стоят особенно остро.
В своей работе я доказала, что проблемы экологии волнуют современного человека. Также было доказано, что звуки природы благотворно влияют на человека. Музыка может помочь нам лучше воспринимать глобальные изменения в природе.
Таким образом, раскрытая мною тема очень актуальна в наше время.
БИБЛИОГРАФИЯ
http://www.eco.nw.ru/lib/data/04/9/010904.htm
http://ecovoice.ru/blog/eco/1539. html
http://ru.wikipedia.org/wiki/%D0%9C%D1%83%D0%B7%D1%8B%D0%BA%D0%B0
http://pda.privet.ru/post/72530922
http://narodznaet.ru/articles/chto-takoe-muzika.html
http://ru.wikipedia.org/wiki/%D0%96%D0%B8%D0%B2%D0%BE%D0%BF%D0%B8%D1%81%D1%8C
http://internetgalery71.ru/articles/2-2010-01-22-10-56-55/4-jivopis.html
http://slovari.yandex.ru/~книги/Клиническая%20психология/Музыкотерапия/
http://autist.narod.ru/musikter.htm
http://moikompas.ru/compas/muzikoterapiya
http://www.new-vision.org/index/muzyka_dlja_relaksacii_i_meditacii/0-69
Светлана Лукьяненко
Консультация «Природа в музыке, музыка в природе»
Консультация “Природа в музыке, музыка в природе”
А что же такое музыка? Музыка – вид искусства. Средством передачи настроения и чувства в музыке служат специально организованные звуки. Основными элементами и выразительными средствами музыки являются: мелодия, ритм, метр, темп, динамика, тембр, гармония, инструментовка и другие.
Музыка является очень хорошим средством воспитания художественного вкуса у ребенка, она способна влиять на настроение, в психиатрии есть даже специальная музыкотерапия. С помощью музыки можно даже воздействовать на здоровье человека: когда человек слышит быструю музыку, у него учащается пульс, повышается давление, он начинает двигаться и думать быстрее.
Музыку принято разделять по жанрам и видам. Музыкальные произведения каждого жанра и вида, как правило, легко отличить друг от друга из-за специфических музыкальных свойств каждого
А что же такое природа? Интересный и увлекательный вопрос. В школе в младших классах мы когда-то изучали такой предмет – природоведение. Природа – это живой организм, который рождается, развивается, творит и создает, а затем умирает, а то, что она создала за миллионы лет либо процветает дальше в других условиях или погибает вместе с ней.
Природа – это внешний мир, в котором мы живем; этот мир подчиняется неизменным на протяжении миллионов лет законам. Природа первична, она не может быть создана человеком и мы должны воспринимать ее как данность.
В более узком смысле слово природа означает сущность чего-либо – природа чувств, например.
Звуки природы послужили основой для создания многих музыкальных произведений. Природа мощно звучит в музыке.
Музыка была уже у древних людей. Первобытные люди стремились изучать звуки окружающего мира, они помогали им ориентироваться, узнавать об опасности, охотится. Наблюдая за предметами и явлениями природы, они создали первые музыкальные инструменты – барабан, арфу, флейту.
Музыканты всегда учились у природы. Даже звуки колокола, которые раздаются в церковные праздники, звучат благодаря тому, что колокол создали по подобию цветка колокольчика.
Учились у природы и великие музыканты: Чайковский не выходил из леса, когда писал детские песенки о природе и цикл “Времена года”. Лес подсказывал ему настроение и мотивы музыкального произведения.
Список музыкальных произведений о природе велик и многообразен. Приведу лишь некоторые произведения на весеннюю тему:
И. Гайдн. Времена Года, ч. 1
Ф. Шуберт. Весенний Сон
Ж. Бизе. Пастораль
Г. Свиридов. Весенняя кантата
А. Вивальди “Весна” из цикла “Времена года”
В. А. Моцарт “Приход весны” (песня)
Р. Шуман “Весенняя” симфония
Э. Григ “Весной” (фортепианная пьеса)
Н. А. Римский-Корсаков “Снегурочка” (весенняя сказка)
П. И. Чайковский “То было раннею весной”
С. В. Рахманинов “Весенние воды”
И. О. Дунаевский “Журчат ручьи”
Астор Пьяццолла. “Весна” (из “Времена года в Буэнос-Айресе”)
И. Штраус. Весна (Frhling)
И. Стравинский “Весна священная”
Г. Свиридов “Весна и колдун”
Д. Кабалевский. Симфоническая поэма “Весна”.
С. В. Рахманинов. “Весна” – кантата для баритона, хора и оркестра.
И так можно продолжать еще долго.
Нужно отметить, что композиторы воспринимали и отражали образы природы в своих произведениях по-разному:
б) Пантеистическое восприятие природы – Н. А. Римский-Корсаков, Г. Малер;
в) Романтическое восприятие природы как отражение внутреннего мира человека;
Рассмотрим «весенние» пьесы из цикла «Времена года» П. И. Чайковского.
“Времена года” Чайковского – это своеобразный музыкальный дневник композитора, запечатлевший дорогие его сердцу эпизоды жизни, встречи и картины природы. Энциклопедией русской усадебной жизни XIX века, петербургского городского пейзажа можно назвать этот цикл из 12 характеристических картин для фортепиано. В его образах запечатлены Чайковским и бескрайние русские просторы, и деревенский быт, и картины петербургских городских пейзажей, и сценки из домашнего музыкального быта русских людей того времени.
«ВРЕМЕНА ГОДА» П. И. ЧАЙКОВСКОГО
Композитор Пётр Ильич Чайковский избрал для своих двенадцати месяцев жанр фортепианных миниатюр. Но и одно лишь фортепиано способно передать краски природы не хуже хора и оркестра. Здесь и весеннее ликование жаворонка, и радостное пробуждение подснежника, и мечтательная романтика белых ночей, и песнь лодочника, покачивающегося на речных волнах, и полевые работы крестьян, и псовая охота, и тревожно-печальное осеннее замирание природы.
12 пьес -12 картинок из русской жизни Чайковского получили при издании эпиграфы из стихов русских поэтов:
“У камелька”. Январь:
“И мирной неги уголок
Ночь сумраком одела.
В камине гаснет огонек,
И свечка нагорела. “
А. С. Пушкин
“Масленица”. Февраль:
“Скоро масленицы бойкой
Закипит широкий пир. “
П. А. Вяземский.
“Песня жаворонка”. Март:
“Поле зыблется цветами,
В небе льются света волны.
Вешних жаворонков пенья
Голубые бездны полны”
А. Н. Майков
“Подснежник”. Апрель:
“Голубенький чистый
Подснежник: цветок,
А подле сквозистый
Последний снежок.
Последние слезы
О горе былом
И первые грезы
О счастьи ином. “
А. Н. Майков
“Белые ночи”. Май:
“Какая ночь! На всем какая нега!
Благодарю, родной полночный край!
Из царства льдов, из царства вьюг и снега
Как свеж и чист твой вылетает май!”
“Баркарола”. Июнь:
“Выйдем на берег, там волны
Ноги нам будут лобзать,
Звезды с таинственной грустью
Будут над нами сиять”
А. Н. Плещеев
“Песнь косаря”. Июль:
“Раззудись, плечо Размахнись рука!
Ты пахни в лицо, Ветер с полудня!”
А. В. Кольцов
“Жатва”. Август:
“Люди семьями
Принялися жать,
Косить под корень
Рожь высокую!
В копны частые
Снопы сложены.
От возов всю ночь
Скрыпит музыка. “
А. В. Кольцов
“Охота”. Сентябрь:
“Пора, пора! Рога трубят:
Псари в охотничьих уборах
Чем свет уж на конях сидят;
Борзые прыгают на сворах. “
А. С. Пушкин
“Осенняя песнь”. Октябрь:
Осень, осыпается весь наш бедный сад,
Листья желтые по ветру летят. “
А. К. Толстой
“На тройке”. Ноябрь:
“Не гляди же с тоской на дорогу
И за тройкой вослед не спеши
И тоскливую в сердце тревогу
Поскорей навсегда затуши. “
Н. А. Некрасов
“Святки”. Декабрь:
Раз в крещенский вечерок
Девушки гадали,
За ворота башмачок
Сняв с ноги бросали. “
В. А. Жуковский
“Песня жаворонка”. Март.
(аудио и видео приложение)
Жаворонок – полевая птица, которую в России чтут как весеннюю певчую птичку. Ее пение традиционно связывается с приходом весны, пробуждением от зимней спячки всей природы, началом новой жизни. Картина весеннего русского пейзажа нарисована очень простыми, но выразительными средствами. В основе всей музыки лежат две темы: напевная лирическая мелодия со скромным аккордовым сопровождением и вторая, родственная ей, но с большими взлетами и широким дыханием. В органичном переплетении этих двух тем и различных оттенков настроений – мечтательно-грустного и светлого – заключается покоряющая прелесть всей пьесы. Обе темы имеют элементы, которые напоминают трели весенней песни жаворонка. Первая тема создает своеобразное обрамление более развернутой второй теме. Заключают пьесу затихающие трели жаворонка.
Апрель. «Подснежник»
(аудио и видео приложение)
«КАРНАВАЛ ЖИВОТНЫХ» К. СЕН-САНСА
Камиль Сен-Санс Среди музыкальных произведений о природе особняком стоит «большая зоологическая фантазия» Сен-Санса для камерного ансамбля.
В цикле 13 частей, описывающих разных животных, и финальная часть, объединяющая все номера в цельное произведение. Забавно, что к числу животных композитор отнёс и начинающих пианистов, усердно разыгрывающих гаммы.
№ 1, «Интродукция и королевский марш льва», состоит из двух разделов. Первый сразу же настраивает на комический лад, во втором разделе собраны самые тривиальные маршевые обороты, ритмические и мелодические
№ 2, «Курицы и петухи», строится на звукоподражании, излюбленном еще французскими клавесинистами конца XVII – первой половины XVIII веков. У Сен- Санса перекликаются фортепиано (пианист играет одной правой рукой) и две скрипки, к которым позднее присоединяются альт и кларнет.
В № 3 предстают «Куланы – животные быстрые
№ 4, «Черепахи», контрастен предыдущему
№ 5, «Слон», использует сходный пародийный прием. Здесь фортепиано сопровождает соло контрабаса: самый низкий инструмент оркестра, тяжеловесный и малоподвижный.
“Слон” (Аудио и видео приложение)
В № 6, «Кенгуру», прыжки экзотических австралийских животных переданы аккордами стаккато.
№ 7, «Аквариум», рисует безмолвный подводный мир. Плавно струятся переливающиеся пассажи.
№ 8, «Персонаж с длинными ушами», Теперь вместо двух фортепиано звучат две скрипки, и их скачки на огромные интервалы в свободном темпе подражают крику осла.
№ 9, «Кукушка в глубине леса», вновь основан на звукоподражании, но совершенно иного склада.
В № 10, «Птичнике», солирует другой деревянный инструмент – флейта, словно исполняющая виртуозный концерт в сопровождении струнных. Ее грациозный щебет сливается с звонкими трелями двух фортепиано.
№ 11, «Пианисты»,
№ 12, «Ископаемые», еще одна музыкальная пародия
№ 13, «Лебедь», единственный серьезный номер в этой комической сюите рисует светлый идеал. В удивительной по красоте певучей мелодии виолончели, поддержанной плавным покачивающимся аккомпанементом двух фортепиано, сосредоточены характернейшие черты стиля композитора.
№ 14, Развернутый Финал, использует все инструменты, вплоть до молчавшей до сих пор флейты-пикколо, и некоторые темы предшествующих номеров, что придает пестрому чередованию разнохарактерных образов известную цельность. Обрамлением служит начальная тема Интродукции, которой открывается Финал. Подобно рефрену звучит еще один бойкий канкан, а между его повторениями возвращаются уже знакомые персонажи: проносятся куланы, кудахчут курицы, прыгают кенгуру, кричит осел.
“Лебедь” (аудио и видео приложение)
На протяжении ста лет «Лебедь» остается популярнейшей пьесой Сен-Санса. Сделаны его переложения чуть ли не для всех существующих инструментов, вокальные обработки «Лебедь – над водой», «Озеро грез» и даже «Мать Кабрини, святая XX века». Наиболее известен балетный номер «Умирающий лебедь», сочиненный на эту музыку знаменитым русским хореографом Михаилом Фокиным для Анны Павловой, одной из лучших балерин начала XX столетия.
И в заключении, хотелось бы отметить, что все писатели, композиторы, художники, как убежденные ценители подлинной красоты, доказывают, что влияние человека на природу не должно быть губительно для нее, ведь каждая встреча с природой – это встреча с прекрасным, прикосновение к тайне.
Любить природу – значит, не только наслаждаться ею, но и бережно к ней относиться.
Человек – это единое целое с природой. Он не сможет без неё существовать. Главная задача человека – сохранить и приумножить её богатства. А на данный момент природа очень нуждается в заботе.
Олицетворяя природу, музыка способна заставить человека задуматься о её судьбе.
Произведения о природе – элемент, без которого сложно представить себе музыку и литературу. Уникальные красоты планеты испокон веков служили источником вдохновения для выдающихся писателей и композиторов, воспевались ими в бессмертных творениях. Существуют рассказы, стихотворения, музыкальные композиции, которые позволяют зарядиться энергией живой природы, буквально не покидая собственного дома. Примеры лучших из них приводятся в этой статье.
Пришвин и его произведения о природе
Русская литература богата рассказами, повестями, стихотворениями, представляющими собой оду родному краю. Ярким примером человека, которому особенно удаются произведения о природе, можно назвать Михаила Пришвина. Неудивительно, что он заслужил репутацию ее певца. Писатель в своих произведениях призывает читателей наладить взаимосвязь с природой, беречь ее и относиться к ней с любовью.
Примером его произведения о природе может служить «Кладовая солнца» – рассказ, входящий в число лучших творений автора. Писатель в нем показывает, насколько глубока связь между людьми и миром, который их окружает. Описания настолько хороши, что читатель будто бы собственными глазами видит стонущие деревья, мрачноватое болото, спелую клюкву.
Творчество Тютчева
Тютчев – великий русский поэт, в чьем творчестве огромное место уделено красотам окружающего мира. Его произведения о природе подчеркивают ее разнообразие, динамичность, многоликость. С помощью описания различных явлений автор передает процесс течения жизни. Конечно же, присутствует у него и призыв взять на себя ответственность перед планетой, обращенный ко всем читателям.
Особенно любима Тютчевым тема ночи – времени, когда мир погружается во тьму. В качестве примера можно привести стихотворение «На мир дневной спустилась завеса». Ночь поэт в своих произведениях может называть святой или подчеркивать ее хаотичный характер – зависит от настроения. Прекрасно и описание солнечного луча, который «взгромоздился на ложе», в его творении «Вчера».
Лирика Пушкина
Перечисляя произведения о природе русских писателей, нельзя не упомянуть творчество великого Пушкина, для которого она в течение всей жизни оставалась источником вдохновения. Достаточно вспомнить его стихотворение «Зимнее утро», чтобы вызвать в своем воображении черты этого времени года. Автор, видимо, находясь в превосходном настроении, рассказывает о том, как красив рассвет в это время года.
Совсем другое настроение передает его «Зимний вечер», входящий в обязательную школьную программу. В нем Пушкин немного мрачновато и пугающе описывает снежную бурю, сравнивая ее с неистовым зверем, и гнетущие ощущения, которые она у него вызывает.
Многие произведения о природе русских писателей посвящены осени. Пушкин, превыше всего ценящий это время года, не является исключением, несмотря на то что в своем знаменитом произведении «Осень» поэт называет его «унылой порой», впрочем, тут же опровергая эту характеристику фразой «очей очарованье».
Произведения Бунина
Детство Ивана Бунина, как известно из его биографии, прошло в небольшой деревне, расположенной в Орловской губернии. Неудивительно, что еще ребенком писатель научился ценить прелести природы. Его творение «Листопад» считается одним из лучших описаний осеннего леса. Автор позволяет читателям ощутить запах деревьев (сосны, дуба), увидеть раскрашенный яркими красками «терем расписной», услышать звуки листвы. Бунин великолепно показывает характерную осеннюю ностальгию по ушедшему лету.
Произведения о русской природе Бунина – просто кладезь красочных зарисовок. Самое популярное из них – «Антоновские яблоки». Читатель сможет почувствовать фруктовый аромат, проникнуться атмосферой августа с его теплыми дождями, вдохнуть утреннюю свежесть. Любовью к русской природе пронизаны и многие другие его творения: «Речка», «Вечер», «Закат». И практически в каждом из них наблюдается призыв к читателям ценить то, что у них есть.
Восторженное отношение к природе характерно для Фета, у которого есть произведения для любого настроения. Погрустить удастся, наслаждаясь чтением его успокаивающей «Чудной картины». Романтичный настрой создает его «Шепот, робкое дыхание», отправляющий читателей в тишину летней ночи, наполненную соловьиными трелями и журчанием ручья.
Если говорить о предпочтениях поэта, то больше всего он восхищается весной, в отличие от Пушкина, любившего в первую очередь осень. Фет в своих стихотворениях приветствует обновление, которое приносит это время года, вместе с тем выражая свое ощущение легкой тоски.
Творчество Чайковского
Не только литературные произведения о природе способны заставить людей ощутить шевеление листвы, услышать шум прибоя или птичьи голоса. Музыка, созданная талантливым композитором, также блестяще справляется с этой непростой задачей. Доказательством тому служит творчество Чайковского, к примеру его волшебные «Времена года». Остановившись на жанре фортепьянных миниатюр, композитор рассказывает слушателям о 12 месяцах.
«Времена года» – это щебетание жаворонка, прелесть белых ночей, пробуждение подснежника, покачивание лодки на волнах и многое другое. Чайковский сумел талантливо подметить и отобразить уникальные черты, свойственные каждому месяцу.
Кстати, произведение, имеющее аналогичное название, присутствует и среди композиций, созданных Вивальди. Автор приковывает внимание слушателей раскатами грома, пленяет их шумом дождевых капель, буйством ветров и ночной тишиной.
Композиции Римского-Корсакова
Ни для кого не является секретом то, что превыше всего великий композитор любил море. Неудивительно, ведь ему доводилось служить на клипере «Алмаз», участвовать в длительных морских путешествиях. Его музыкальные произведения о природе часто наполнены различными образами моря.
Примером такого сочинения может выступать опера «Садко», где четко прослеживается тема океана-моря. Композитору достаточно нескольких звуков для того, чтобы подчеркнуть непобедимую силу, которую таят в себе волны. Эта мощь сохраняется в течение всего произведения.
Конечно же, это далеко не все выдающиеся музыкальные и литературные произведения, посвященные природным красотам.
Картины природы в музыке
Звуки природы, как источник вдохновения творчества композиторов (на примере прелюдий «Паруса», «Ветер на равнине» К. Дебюсси).
Знакомство с жанром прелюдии.
Музыкальный материал:
К. Дебюсси. Прелюдии «Ветер на равнине», «Паруса»
Звуки природы: «Дождь в лесу», «Концерт рано утром», «Плеск воды».
Характеристика деятельности:
Наблюдать за звучанием природы; различать настроения и чувства, выраженные в музыке.
Выражать эмоциональное отношение к музыкальному образу в пластическом движении.
Трудно назвать композитора, который не отразил бы в музыке своё восхищение образами природы. Шум дождя, птичье пение, переливы искрящихся на солнце водных струй… Все эти звуки природы вдохновляли композиторов к созданию музыкальных произведений.
Послушай, музыка вокруг…
Она во всём – в самой природе.
И для бесчисленных мелодий
Она сама рождает звук.
Ей служат ветер, плеск волны,
Раскаты грома, звук капели,
Птиц несмолкаемые трели
Среди зелёной тишины.
И дятла дробь, и поездов гудки,
Чуть слышные в дремоте,
И ливень – песенкой без слов
Всё на одной весёлой ноте…
(М. Ивенсен)
Музыка часто вызывает в нашем воображении разные картины природы. Природа и искусство неразделимы одно от другого, потому что природа с детства и навсегда входит в жизнь каждого человека.
Если вчитываясь в книги, вглядываясь в картины, вслушиваясь в музыку, мы будем обращать внимание в них на всё, что связано с природой, мы, может быть, даже удивимся тому, как часто и глубоко проникает природа в искусство, как тесно они связаны друг с другом. Вот почему у любого человека любовь к искусству и любовь к природе – очень близкие и родственные чувства.
У Э. Успенского есть стихотворение, которое поможет разобраться в жанрах живописи.
Если видишь на картине нарисована река,
Или ель и белый иней, или сад и облака,
Или снежная лавина, или поле и шалаш,
Обязательно картина называется – ПЕЙЗАЖ.
Если видишь на картине чашку кофе на столе,
Или морс в большом графине, или розу в хрустале,
Или бронзовую воду, или грушу, или торт,
Или все предметы сразу, знай, что это – НАТЮРМОРТ.
Если видишь, что с картины смотрит кто-нибудь на нас,
Или принц в плаще старинном,
Или Колька, твой сосед,
Обязательно картина называется – ПОРТРЕТ.
Музыканты, художники и поэты всегда стремились передать удивительную красоту мира в своих произведениях. На полотнах художников природа никогда не выглядит мёртвой и молчаливой. Вглядываясь в живописный пейзаж, мы обязательно услышим навеянные живой природой звуки.
Творчество Клода Дебюсси – великого французского композитора, дирижёра, пианиста – одно из самых ярких страниц истории французской музыки. Клод Дебюсси был выдающимся мастером звуковой живописи. Глубокое воздействие на композитора оказывала не только музыка, но и живопись, поэзия.
В поисках новых средств музыкальной выразительности Клод Дебюсси сделал много открытий в области гармонии. С помощью новых необычных приёмов композитор передаёт тонкие состояния природы – игру света и тени, солнечные блики, плеск водяных струй.
Слушание прелюдии К. Дебюсси «Ветер на равнине».
Слово «прелюдия» на латинском языке означает «вступление». Прелюдиями иногда называют небольшие инструментальные произведения. Например, прелюдия для фортепиано.
Используя музыкальную палитру, композиторы передают игру света и тени, сверкание солнечных бликов, радужное сиянье водяных струй и чистую прозрачность голубого неба. Каждый человек в душе – художник. Красота жизни, дотронувшись до человеческой души, рождает в ней мелодию.
Слушание прелюдии К. Дебюсси «Паруса».
Вопросы и задания:
Послушайте прелюдию К. Дебюсси «Ветер на равнине». Выберите из словосочетаний те, которые наиболее точно передают характер музыки:
злой ветер – лёгкий ветерок;
шелест ветра – свист ветра;
ветер ревёт – ветер играет.
Какие впечатления вызывают у вас после прослушивания прелюдии К. Дебюсси «Паруса» Каким предстаёт образ моря? В ответе можно использовать слова композитора, встречающиеся в нотах: «очень нежно», «очень мягко», «очень легко».
Презентация
В комплекте:
1. Презентация, ppsx;
2. Звуки музыки:
Дебюсси. Прелюдия Ветер на равнине, mp3;
Дебюсси. Прелюдия Паруса, mp3;
Концерт рано утром, mp3;
Плеск воды, mp3;
Дождь в лесу, mp3;
3. Сопровождающая статья, docx.
Картины смены времён года, шелест листвы, птичьи голоса, плеск волн, журчание ручья, грозовые раскаты – всё это можно передать в музыке. Многие знаменитые умели делать это блестяще: их музыкальные произведения о природе стали классикой музыкального пейзажа.
Природные явления, музыкальные зарисовки растительного и животного мира предстают в инструментальных и фортепианных произведениях, вокальных и хоровых сочинениях, а иногда даже в виде программных циклов.
«Времена года» А. Вивальди
Антонио Вивальди
Четыре трёхчастных скрипичных концерта Вивальди, посвящённые временам года, – без сомнения, самые известные музыкальные произведения о природе эпохи барокко. Стихотворные сонеты к концертам написаны, как считается, самим композитором и выражают музыкальный смысл каждой части.
Вивальди передаёт своей музыкой и громовые раскаты, и шум дождя, и шелест листьев, и птичьи трели, и собачий лай, и завывание ветра, и даже тишину осенней ночи. Многие ремарки композитора в партитуре прямо указывают на то или иное явление природы, которое должно быть изображено.
Вивальди “Времена года” – “Зима”
«Времена года» Й. Гайдна
Йозеф Гайдн
Монументальная оратория «Времена года» явилась своеобразным итогом творческой деятельности композитора и стала подлинным шедевром классицизма в музыке.
Четыре сезона последовательно предстают перед слушателем в 44-х картинах. Герои оратории – сельские жители (крестьяне, охотники). Они умеют и работать, и веселиться, им некогда предаваться унынию. Люди здесь – часть природы, они вовлечены в её годичный цикл.
Гайдн, как и его предшественник, широко использует возможности разных инструментов для передачи звуков природы, например летней грозы, стрекотания кузнечиков и лягушачьего хора.
У Гайдна музыкальные произведения о природе связываются с жизнью людей – они почти всегда присутствуют на его «картинах». Так, например, в финале 103-ей симфонии мы словно находимся в лесу и слышим сигналы охотников, для изображения которых композитор прибегает к известному средству – . Послушайте:
Гайдн Симфония № 103 – финал
************************************************************************
«Времена года» П. И. Чайковского
Композитор избрал для своих двенадцати месяцев жанр фортепианных миниатюр. Но и одно лишь фортепиано способно передать краски природы не хуже хора и оркестра.
Здесь и весеннее ликование жаворонка, и радостное пробуждение подснежника, и мечтательная романтика белых ночей, и песнь лодочника, покачивающегося на речных волнах, и полевые работы крестьян, и псовая охота, и тревожно-печальное осеннее замирание природы.
Чайковский “Времена года” – Март – “Песнь жаворонка”
************************************************************************
«Карнавал животных» К. Сен-Санса
Среди музыкальных произведений о природе особняком стоит «большая зоологическая фантазия» Сен-Санса для камерного ансамбля. Несерьёзность замысла определила судьбу произведения: «Карнавал», партитуру которого Сен-Санс даже запретил публиковать при жизни, полностью исполнялся только в кругу друзей композитора.
Оригинален инструментальный состав: помимо струнных и нескольких духовых сюда входят два фортепиано, челеста и такой редкий в наше время инструмент, как стеклянная гармоника.
В цикле 13 частей, описывающих разных животных, и финальная часть, объединяющая все номера в цельное произведение. Забавно, что к числу животных композитор отнёс и начинающих пианистов, усердно разыгрывающих гаммы.
Комичность «Карнавала» подчёркивают многочисленные музыкальные аллюзии и цитаты. Например, «Черепахи» исполняют оффенбаховский канкан, только в несколько раз замедленный, а контрабас в «Слоне» развивает тему берлиозовского «Балета сильфов».
Сен-Санс “Карнавал животных” – Лебедь
************************************************************************
Морская стихия Н. А. Римского-Корсакова
Русский композитор знал о море не понаслышке. Гардемарином, а потом мичманом на клипере «Алмаз» он проделал далёкий путь к североамериканскому побережью. Любимые им морские образы возникают во многих его творениях.
Такова, например, тема «океана-моря синего» в опере «Садко». Буквально в нескольких звуках автор передаёт скрытую мощь океана, и этот мотив пронизывает всю оперу.
Море царствует и в симфонической музыкальной картине «Садко», и в первой части сюиты «Шехеразада» – «Море и Синдбадов корабль», в которой штиль сменяется бурей.
Римский-Корсаков “Садко” – вступение “Океан-море синее”
************************************************************************
«Румяной зарёю покрылся восток…»
Ещё одна любимая тема музыкальных произведений о природе – восход солнца. Тут сразу приходят на ум две самые известные утренние темы, чем-то перекликающиеся между собой. Каждая по-своему точно передаёт пробуждение природы. Это романтическое «Утро» Э. Грига и торжественный «Рассвет на Москве-реке» М. П. Мусоргского.
У Грига имитация пастушьего рожка подхватывается струнными инструментами, а затем и всем оркестром: солнце восходит над суровыми фьордами, и явственно слышится в музыке журчание ручья и пение птиц.
Рассвет Мусоргского тоже начинается с пастушьей мелодии, в крепнущее оркестровое звучание словно вплетается звон колоколов, и над рекой всё выше поднимается солнце, покрывая воду золотой рябью.
Мусоргский – “Хованщина” – вступление “Рассвет на Москве-реке”
************************************************************************
Перечислить все , в которых развивается тема природы, практически невозможно – слишком длинным получится этот список. Сюда можно включить концерты Вивальди («Соловей», «Кукушка», «Ночь»), «птичье трио» из шестой симфонии Бетховена, «Полёт шмеля» Римского-Корсакова, «Золотых рыбок» Дебюсси, «Весну и осень» и «Зимнюю дорогу» Свиридова и многие другие музыкальные картины природы.
Песни русской природы. Про трех китов и про многое другое
Песни русской природы
Трудно сказать, кто больше и лучше воспел родную нашу русскую природу — поэты или писатели, композиторы или художники. В стихах, в прозе, в музыке и в живописи бесконечное число раз встречаем мы нежную березку и могучую ель, бескрайние поля и дремучие леса, тихие речки и застывшую гладь озер, суровые скалы холодного Севера и солнечную красоту южных гор…
Природа вошла в русское искусство так же, как входит она в нашу жизнь. Без природы искусство задохнулось бы, как мы сами задыхаемся, когда надолго бываем от природы оторваны.
Для поэта, композитора, художника, как и для каждого из нас, нет природы без человека. Еще с давних пор, когда складывалось народное искусство, в единый музыкально-поэтический образ связывали народные творцы картины природы с чувствами и мыслями человека.
Вот как это бывало в песнях лирического склада:
Снежки белые, пушисты
Покрывали все поля,
А одно лишь не покрыли:
Горя люта моего.
Есть кусточек среди поля —
Одинешенек стоит,
Он не клонит к земле ветки,

Нет листочков, нет на нем.
Одна горькая, несчастная,
Все горюю по милом.
День горюю, ночь тоскую,
Понапрасну слезы лью…
А вот в песне солдатской:
Ночи темны, тучи грозны,
Из-под неба дождик льет,
Наши храбрые солдаты
Со учения идут…
И, уж конечно, именно так сочинялись да и сегодня часто сочиняются частушки:
Много звездочек на небе,
Но одна яснее всех.
Много девушек на свете,
Но одна милее всех…
Вот видите, как народные поэты и композиторы слышали природу. Именно слышали, а не только видели — потому-то и в песню так часто вводили ее.
Точно так же услышали родную природу и русские художники. Я не сомневаюсь в том, что вы не раз встретите в своей жизни такие выражения: «живописная музыка» и «музыкальная живопись». Так обычно мы называем музыку, которая настолько ярко и убедительно передает впечатления композитора от картин природы, что мы начинаем словно бы сами видеть эти картины. Так называем мы живопись, напоенную столь тонким поэтическим чувством, что его трудно словами передать, а только такой же поэтичной мелодией можно выразить.
Пожалуй, самым музыкальным русским художником, необыкновенно глубоко постигшим красоту русской природы, сумевшим передать в своих картинах «песенность русской природы», был знаменитый пейзажист Исаак Ильич Левитан.
Учителем Левитана был хорошо вам, вероятно, известный по картине «Грачи прилетели» Алексей Кондратьевич Саврасов, первый из русских художников-пейзажистов, тонко ощутивший музыкальность родной природы.
Как-то прославленный учитель сказал своему талантливейшему ученику, помогая ему вникнуть в богатство и красоту русской природы: «Слушай, жаворонок!.. Вот и писать надо так, чтобы на картине не было видно жаворонка, а слышно было, как поют птицы, дуют ветры, звенят ручьи…»
Слова эти пали на благодатную почву. Левитан взрастил в себе счастливый дар: все, что рождалось на холсте под его кистью, начинало звучать, петь…
Присмотримся хоть к нескольким его картинам. И вслушаемся в них. Вот «Вечерний звон». Уже само название говорит о том, что Левитан не только видел этот поэтический пейзаж, но и слышал его. Кажется, все на этой картине погружено в полнейшую тишину: безмолвна река, безмолвен лес, безмолвен человек, сидящий в лодке у безмолвного берега… Особое спокойствие и тишину вносят в эту картину, окрашенную какою-то непередаваемой вечерней грустью, мягкие, нежные лучи заходящего солнца. И все-таки эта тишина только кажущаяся.
За деревьями видны купола монастырских церквей. И художник заставляет нас, прислушавшись к его картине, вместе с ним услышать, как над лесом, над прозрачной водой, над лодками, теряясь в бескрайности вечерних сумерек, плывут тихие, размеренные звуки старого церковного колокола. И только в той поразительной тишине, которая царит над всем пейзажем, можем мы услышать эти звуки, словно одухотворяющие, очеловечивающие неподвижную природу…
Теперь посмотрите на одну из самых лучших картин Левитана, на его знаменитую «Владимирку». К бесконечно далекому горизонту тянется темно-серая, словно ржавчиной покрытая дорога, чуть не в камень утоптанная тяжелым шагом тысяч и тысяч арестантов, совершавших по ней свой скорбный путь в Сибирь, в ссылку, на каторгу. Шли по этой дороге не только преступники — убийцы и грабители. Шли по ней и люди с чистой совестью, добрым сердцем и светлым сознанием — борцы за счастье и свободу русского народа, смелые, далеко смотревшие вперед революционеры…
И когда долго стоишь перед этой окрашенной в трагические тона картиной, всматриваешься и вслушиваешься в нее, начинаешь вдруг внутренним слухом улавливать какие-то звуки, обрывки каких-то давно знакомых суровых, мужественных и немножко печальных мелодий:
Спускается солнце за степи,
Вдали золотится ковыль.
Колодников звонкие цепи
Взметают дорожную пыль.
Динь-бом, динь-бом,
Слышен звон кандальный.
Динь-бом, динь-бом,
Путь сибирский дальний.
Динь-бом, динь-бом,
Слышно там и тут, —
Нашего товарища на каторгу ведут…
Столько раз звучали эти горестные звуки над старой «Владимиркой», что сейчас кажется — сами поля по обе стороны дороги и тяжелые серые тучи над ней повторяют их, словно говоря: вы слышите, мы тоже с вами, вся русская земля вас поддерживает… И снова неслышные, но чувствуемые нами звуки песни одухотворяют, очеловечивают этот сумрачный, трагический пейзаж…
И еще одна картина Левитана — «Весна. Большая вода». В «Вечернем звоне» одинокая, безмолвная человеческая фигура в лодке, а на «Владимирке» такая же одинокая и такая же безмолвная фигура богомолки, склонившая голову у придорожной иконы, лишь подчеркивают безмолвие самого пейзажа. А вот в «Большой воде» хоть и нет ни одной человеческой фигуры, но все, что на картине изображено, — все хоть и не очень еще громко, но радостно поет о весне!
О весне поют стройные девушки-березки, о весне поют и сосна, и ель, и талая вода, поют и облака. Эту удивительную песенность левитановского пейзажа тонко подметил прекрасный знаток и ценитель русской живописи Михаил Владимирович Алпатов. Вот как хорошо он написал об этом:
«Тонкие, как свечки, по-девичьи стройные березки выглядят, как те самые березы, которые искони воспевались в русских песнях. Отражение березок в прозрачной воде как бы составляет их продолжение, их отголосок, мелодическое эхо; они растворяются в воде своими корнями, их розовые ветки сливаются с голубизною неба. Контуры этих гнутых березок звучат подобно нежной и грустно-жалобной свирели; из этого хора вырываются отдельные сильные голоса более могучих стволов, всем им противопоставлен высокий ствол сосны и густая зелень ели».
Читая эти слова, можно подумать, что не о картине рассказывает нам Алпатов, а о лирической песне, расцвеченной тонкими красками народного хорового многоголосья…
Перечитал я только что написанную фразу и заметил: описывая картину Левитана, критик пользовался сравнениями смузыкой — «отголосок», «мелодическое эхо», говорил о «звучании свирели», о «сильных голосах хора», а я, вспомнив о лирической песне, невольно сказал о «красках», которыми она «расцвечена»…
Что ж, это вполне естественно. Мы просто привыкли больше замечать различия между музыкой и живописью, чем все то, что их роднит. А о том, как многое их роднит, хорошо говорили сами художники и сами композиторы.
«Прогулка летом по России в деревне, по полям, по степи, бывало, приводила меня в такое состояние, что я ложился на землю в каком-то изнеможении от наплыва любви к природе, тех неизъяснимо сладких ощущений, которые навевали на меня лес, степь, речка, деревья вдали, скромная церквушка — словом, все, что составляет убогий, русский, родимый пейзаж».

Эти слова принадлежат великому «пейзажисту в музыке» Петру Ильичу Чайковскому.
А вот слова Ильи Ефимовича Репина: «Я всегда любил музыку. Если мне подолгу не приходилось слушать ее, я тосковал». Репин признавался, что музыка часто оказывала самое сильное воздействие на его живописное творчество. Так, под непосредственным влиянием музыки Римского-Корсакова он писал свою картину «Иван Грозный и сын его Иван»:
«…я слышал новую вещь Римского-Корсакова «Месть». Она произвела на меня неотразимое впечатление. Эти звуки завладели мною, и я подумал, нельзя ли воплотить в живописи то настроение, которое создавалось у меня под влиянием этой музыки. Я вспомнил о царе Иване».
Так и в жизни и в творчестве музыка постоянно сливается с живописью…

Проект урока музыки в 5 классе по теме: “Картины природы в музыке”
Проект урока музыки в 5 классе по теме: “Картины природы в музыке”
Интегрированный урок с мультимедийным приложением для 5 класса.
Погорелая Татьяна Ивановна, учитель музыки МОУ Детгородковская общеобразовательная школа с. Теряево Волоколамский район Московская область. Опубликовано 15. 03. 2017г
Проект урока музыки в 5 классе по теме: «Картины природы в музыке»
Цель урока: Через погружение в мир художественных образов природы обозначить связь музыки и изобразительного искусства.
Задачи:
Обучающие –
Познакомить с творчеством русского композитора – М. П. Мусоргского; Г. Струве,
расширить и углубить представления об изобразительных и выразительных возможностях музыкального языка.
Развивающая –
Развить эмоционально – осознанное восприятие музыки.
Воспитательная –
Возбудить интерес к родной природе, чувству патриотизма.
Тип урока: интегрированный – музыка, литература и живопись.
Музыкальный материал:
ГЭ.Григ «Утро», М. П. Мусоргский Вступление «Рассвет на Москве – реке» к опере: «Хованщина», Г. Струве «Далеко ли, близко».
Дополнительный материал: Стихотворение А. Болутенко «Чудесная краса», компьютерная презентация,
Ход урока: Организационный момент
Приветствие
С какими видами искусства связана музыка?
Изменить состоянье души может лес,
Над рекой красота небосвода,
Дивный мир совершает так много чудес,
Всегда радует сердце природа.
(А. Болутенко)
слайд
– Как вы думаете, ребята, о чем пойдет речь сегодня на уроке?
-Сегодня мы посвятим урок музыке, рисующей картины природы.
Работа по теме урока
– Искусство и природа вообще не отделимы друг от друга. Художники, поэты, композиторы часто воспевают природу, видя в ней прекрасный образец для своего творчества. Если, вчитываясь в книги, вглядываясь в картины, вслушиваясь в музыку, отмечать в своей памяти все, что там оказывается связанным с природой, вполне можно даже удивиться тому, как часто и глубоко проникает природа в искусство, как тесно они связаны друг с другом. Вот почему любовь к искусству и природе – такие близкие, родственные чувства.
– Посмотрите на эти картины известных русских художников И. Шишкина, И. Левитана, В.Васнецова.
слайд
Что мы видим в них? (природу).
– А можем ли мы увидеть музыку? Как?
– А каких известных композиторов вы можете назвать, посвятивших свои произведения природе?
– Я помогу дополнить вам этот музыкальный материал, и наиграю знакомую для вас интонацию.
Тема «Утра» Грига
– Что это, откуда, кто композитор?
слайд
– Давайте пропоем эту мелодию на звук –а-. Какой характер этой темы?
– Чтобы ярче разукрасить свое произведение, композиторы пользуются изобразительными подробностями музыкального языка. А что можно изобразить в музыке?
Пение птиц, стук колес, топот конницы, раскаты грома, журчание ручья, звон колокола и др.
слайд
– Послушайте фрагмент музыки Э.Грига «Утро» и обратите внимание на изобразительные подробности.
– Что вы услышали, какие изобразительный подробности помогли вам ярче представить картину просыпающейся природы?
– Многие композиторы обращались к теме природы. И русский композитор М. П. Мусоргский – один из них
Слайд
Сообщение ученика: М. П. Мусоргском.
Родился М. П. Мусоргский в имении своего отца, небогатого помещика Петра Алексеевича, на Псковщине. Детство будущий композитор провел среди лесов и озер. Он был самым младшим четвертым сыном в семье. И был любимцем матери. Она первая стала учить его играть на фортепиано. Когда ему было 10 лет, он переехал вместе со старшим братом в Петербург и поступил в военное училище – школу гвардейских подпрапорщиков. В семнадцатилетнем возрасте по окончании школы Мусоргский был определен в Преображенский гвардейский полк. Будущее сулило удачу и счастливую жизнь. Но неожиданно для всех Мусоргский подает в отставку и отказывается от судьбы военного, потому что музыка занимала первое место в его жизни. Началась новая жизнь молодого музыканта, в которой главное место заняли Балакирев и кружок «Могучая кучка».
Слайд
– Сегодня мы обратимся к его позднему творчеству, к опере «Хованщина». Название оперы происходит от фамилии бояр Хованских. Эта опера о начале правления Петра I. Мы послушаем оркестровое вступление к опере «Рассвет на Москве реке».
– Но прежде мы обратимся к главной теме этого вступления.
На доске нотный пример главной мелодии вступления
– Каков характер этой мелодии?
– Песенная, мелодичная и необычайного благородства и чистоты, совсем почти как русская песня, правда?
– Эту мелодию хочется петь (поет учитель на у)
– А теперь вместе попробуем спеть эту мелодию на звук ю, чтобы исполнение получилось легким.
– Какое чувство возникло у вас в душе от этой темы? (Взволнованное, щемящее, лирическое).
-А если бы вы были композиторами, какие изобразительные подробности добавили к этой теме?
Ответы, размышления детей.
слайд
– А теперь приготовьтесь, мы будем слушать целиком все оркестровое вступление «рассвет на Москве-реке». Мы услышим, какая музыка вырастет из этой главной темы, какими изобразительными подробностями обогатит свое произведение сам Мусоргский.
– Сядьте поудобнее, закройте глаза. Так мы будем слушать это произведение, чтобы лучше увидеть уже нашим внутренним зрением всю картину рассвета.
Слушание (релаксация)
– Что услышали, что увидели? Какие изобразительные подробности здесь звучали?
– Как развивалась главная тема?
– Данному оркестровому вступлению Мусоргский придал характер жанровой картины
Слайд
Над Красной площадью занимается рассвет. Кричат петухи. С ними перекликаются трубы пробуждающихся стрельцов. Раздается колокольный звон. В свои права вступает яркое, солнечное утро. Однако. Данное вступление – не просто пейзаж. Его содержание значительно сложнее: о рассвете в жизни всего русского государства в конце 17 века, накануне реформ Петра I.
Домашнее задание
– Все, о чем говорили, все, что представили, слушая это музыкальное произведение, вы передадите в красках и принесете свои творческие работы на следующий урок. (Творческое задание)
Вокально – хоровая работа
– К теме природы обращались не только композиторы прошлого, но и наши современники. Один из таких композиторов, который написал много песен для детей о Родине, о природе был Георгий Александрович Струве. Георгий Александрович Стру́ве ( 1932 — 2004 ) — композитор , хормейстер , дирижёр , педагог и просветитель , общественный деятель. Народный артист РСФСР ( 1991 ), основатель студийного движения в стране, создатель уникальной системы массового обучения музыке и хоровому пению, был Президентом Федерации детских и молодёжных хоров России.
Биография
Сын поэта А. Ф. Струве. В 1950 году окончил школу музыкантских воспитанников СА в Уфе.
В 1952 году начал работу учителем пения в пос. Никольский Балашихинского района Московской области.
В 1953 году стал руководить школьным хором школы-семилетки пос. Вишняки.
В 1958 году закончил дирижёрско-хоровое отделение музыкального училища при МГК имени П. И. Чайковского .
В 1959 году на базе хора школы-семилетки пос. Вишняки создал первую в Советском Союзе детскую хоровую студию «Пионерия» .
В 1964 году завершил учёбу в МГК имени П. И. Чайковского на теоретико-композиторском факультете по классу профессора М. М. Багрянского (дирижирование).
В 1967 году там же окончил класс композиции на правах аспирантуры у профессора Д. Б. Кабалевского .
С 1962 по 1987 год являлся художественным руководителем и главным дирижёром Московской областной хоровой капеллы «Народный учитель», вёл постоянно действующий семинар учителей музыки Московской области.
С 1973 по 1983 год возглавлял правление хорового общества Московской области, был заместителем председателя Всероссийского хорового общества по делам детей и молодёжи, председателем комиссии по творчеству для детей и юношества Советского общества Дружбы с зарубежными странами, позднее был заместителем председателя Всероссийского музыкального общества по работе с детьми и молодёжью.
С 1975 года руководил постоянно действующим клубом «Камертон» при Союзе композиторов России и Всероссийском музыкальном обществе по проблемам музыкального воспитания и образования детей в стране и за рубежом,
Струве — выдающийся педагог, более полувека проработавший с детьми и воспитавший за эти годы более 10 тысяч учеников. Более 400 его учеников стали профессиональными музыкантами, многие из них стали заслуженными артистами, заслуженными работниками образования, культуры, лауреатами международных, всесоюзных и всероссийских конкурсов. Многие из них продолжают дело Струве и работают с детьми.
Струве был учеником и верным продолжателем дела Д. Б. Кабалевского по всеобщему музыкальному воспитанию детей и молодёжи. Он создал уникальную систему музыкального воспитания. Его методика хорового сольфеджио стала настольным пособием для педагогов, работающих в области музыкального воспитания, принята и утверждена Министерством образования для 1-4 классов.
Струве написал более 200 произведений, большей частью для детей и юношества. Его песни пели и продолжают петь дети России и других стран, многие из них («Моя Россия», «Школьный корабль», десятки других) стали уже классикой и входят в программы детских садов, общеобразовательных и музыкальных школ в России и за рубежом.
Со своим хоровым коллективом «Пионерия» им записано около 30 пластинок общим тиражом несколько сот тысяч экземпляров, сделано более 300 записей на ВР , десятки передач по ЦТ , написана музыка к нескольким художественным фильмам и многим телепередачам.
О нём и о его авторской методике сняты научно-популярные фильмы и телепередачи («Улитка в лабиринте», Леннаучфильм, 1978 г.; «Здравствуй, школа», «Музыка для тебя», ряд передач из цикла «Очевидное — невероятное» и др.) В 2010 году снят документальный фильм «Воспитание песней»(«Студия 19»). Его хоровой коллектив «Пионерия» объехал с концертами более 100 городов Советского Союза, представлял страну в Бельгии, Болгарии, Венгрии, Италии, Германии, Голландии, Франции, Финляндии и других странах, а также выступал с лучшими государственными оркестрами страны.
Струве был главным хормейстером на многих фестивалях и крупнейших музыкальных форумах страны: Всесоюзного фестиваля детского творчества ( «Орлёнок» , 1967), Всероссийского слёта детских хоровых студий (“Орлёнок, 1969), Дней молодёжного музыкального искусства СССР в Польше (1969), Сводного детского хора на Большом хоровом Соборе у Храма Христа Спасителя в Москве (1997 и 1999), сводного хора России на Фестивале, посвящённом 200-летию А. С. Пушкина (Псков, 1999), Большого хорового Собора в Краснодаре (2002), певческих полей в Московской области ( Балашиха , Дубна , Железнодорожный , Красногорск ) и многих других.
Им написаны книги по проблеме музыкального воспитания детей и молодёжи, методические и репертуарные сборники, изданные общим тиражом более 1,5 млн экземпляров: «Музыка для всех» (1979), «Школьный хор» (1981), «Музыка для тебя» (1980), «Хоровое сольфеджио» и др.
Струве возглавлял и входил в состав жюри десятков крупнейших национальных и зарубежных конкурсов в Австрии, Германии, Италии, Украине и др. Он провёл более тысячи семинаров, мастер-классов и авторских концертов в сотнях городов и районов России и других странах ( Австрия , Вьетнам , Германия , Индия , Италия , Франция , Южная Корея , Япония и др.).
Именем Струве названы:
ежегодный Международный детский хоровой конкурс-фестиваль «Артековские зори» (« Артек », Республика Крым, Россия)
созданная им детская хоровая студия «Пионерия» (Северное Кучино , Железнодорожный )
ежегодный Московский областной детский фестиваль-конкурс « Юные таланты Московии » ( Железнодорожный )
улица в микрорайоне Центр-2 (Железнодорожный)
Детская музыкально-хоровая школа(город Железногорск Курская область)
Дочь Георгия Струве Мария Струве, пошла по стопам отца и в сентябре 1988 года основала собственный хор, известный впоследствии как «Хоровая Капелла Марии Струве». Будучи победителем конкурса «Педагог года 2000», и лауреатом множества международных наград, Мария активно поддерживала отца, давала совместные концерты с его хором. Продолжая дело отца по популяризации хорового пения в стране, Мария Струве является Президентом Гильдии Дирижёров-хоровиков России.
Сообщение ученика: песни Г. А. Струве
Ниже указаны только те песни Георгия Александровича, которые упоминаются на сайте http://www.dhs-pioneria.ru/ . Но на этом список не завершается.
«Музыка» (сл. И.Исаковой)
«Янтарный вальс» (сл. Н.Соловьевой)
«Школьный корабль» (слова К.Ибряева)
«Матерям погибших героев» (слова Л.Кондрашенко)
«У Моей России» (сл. Н.Соловьевой)
Все эти песни практически сразу после их написания исполняла Детская хоровая студия «Пионерия». Прослушать эти песни в исполнении этого коллектива можно на сайте http://www.dhs-pioneria.ru/
Награды
Струве — лауреат многочисленных российских, всесоюзных и международных премий, в том числе премии комсомола Подмосковья (1978 г.) и премии Ленинского комсомола (1979 г.).
Награждён медалями «За доблестный труд» (1979 г.), «Ветеран труда» (1992 г.), памятной медалью «За укрепление мира» советского общества Дружбы, памятной медалью губернатора Московской области, а также Почётной грамотой Московской Патриархии, Почётными грамотами Совета Федерации и Государственной Думы Федерального Собрания Российской Федерации.
5 ноября 1991 года Струве присвоено звание « Народного артиста РСФСР »
Примечания
Слайд
Мы продолжим работу над одной из его песен «Далеко ли, близко».
– Начните петь эту песню с душой, с чувством проникновения и любви к своей родной природе, к своей Родине.
Исполнение 1 куплета.
Работа над разучиванием всей песни.
Итог
– Что сегодня на уроке было для вас важным? Какие чувства вы испытали на занятии? А как вы думаете, что явилось источником всех этих произведений? Я хочу закончить наш урок строчками стихотворения Анатолия Болутенко.
Красота Земли неповторима,
И в восторге от неё душа.
Не пройти красы чудесной мимо,
Ведь она безмерно хороша!
Каждому полезно человеку
Побывать в лугах, в лесной тиши,
Посмотреть на голубую реку,
Чтобы не ожесточить души.
Композиторы-любители
АНДРЕЕВ Владимир Викторович. Род. в 1950 г. в Вологде. Всерьез обратился к сочинению музыки в 70-х гг. ХХ века. Выпущен диск и три нотных сборника песен. Детские песни В.Андреева звучали в передачах ЦТ «На балу у Золушки», «Утренняя звезда», «Музыкальный клуб». Их охотно поют дети Вологды. Активный участник клуба авторской песни «Откровение», участник авторских встреч с читателями О.А. Фокиной. Читать дальше
АНДРЕЕВА Виктория Юрьевна. Родилась в 1965 г. в поселке Чагода Вологодской области. Окончила Вологодское музыкальное училище, руководила известным детским эстрадным ансамблем «Вот и мы». Первые произведения написала для своих маленьких артистов. Ныне работает хормейстером Русского национального театра, руководимого народным артистом России Е.Максимовым. Выступает как джазовая певица. Сочинения В.Андреевой «Осень. Хохлома», «Кружево. Зима» на слова Е.Огоньковой, «Заговор» на народные слова и ряд других исполняет коллектив театра. В репертуар А.Варум вошли такие песни, как «Баечка» и «Будешь рядом ты» на слова Д.Романенко, «О папе» на слова Л.Васильевой. Читать дальше
АНДОНИЙ Алексей Петрович. Родился в 1972 г. в с. Нюксеница Вологодской области. Самодеятельный автор и исполнитель из поселка Непотягово Вологодского района, по профессии газоэлектросварщик, непременный участник областного музыкально-поэтического праздника «Рубцовская осень», лауреат многих районных и областных конкурсов, лауреат всероссийского конкурса «Звезда полей» (2004), проходившего в Москве, а также российского фестиваля «Играй, гармонь» во Всеволожске и Иваново (2006). Своими лучшими песнями считает «Сыплет черемуха снегом» и «Ночь» на ст. С.Есенина, «В дороге» на ст. Н.Рубцова, «Гармонь» на ст. А.Жарова. Областными премиями были отмечены его песни «Чудный месяц плывет над рекой» и «Прекрасно пробуждение земли» (стихи Н.Рубцова), «Вологда» (стихи А.Шамгина).Читать дальше
БАЯН Анна Андреевна (1929-1996). Род. в деревне Уболоть в Белоруссии. В годы Великой отечественной войны служила в полевом прачечном отряде. Инвалид 1группы. С 1952 года жила в Вологде, постоянно сочиняла песни о войне, о любви, о красоте родной природы… Их исполняли певцы — солисты и самодеятельные коллективы, в частности, хор завода «Северный коммунар п/р Т.Д.Кудрявцевой. Наибольшую известность приобрела «Вологодская зима» — песня А.Баян на стихи Натальи Сидоровой. Читать дальше
БЕЛКОВ Игорь Анатольевич. Родился в 1958 г. в Вологде. Закончил Вологодский педагогический институт. Работает директором ДМШ поселка Куркино Вологодского района. Неоднократный лауреат конкурсов самодеятельных авторов, в частности, всех четырех фестивалей-конкурсов «Перезвоны». Сочиняет произведения для хора, которые исполняют коллективы школьников и студентов. Премиями были отмечены его песни «Вологда» (сл.Н.Панкова) и «Ветеранская память» (сл. Мелешина), фортепианная миниатюра регтайм «Крапива», два хора ни стихи Николая Рубцова: «До конца» и «Привет, Россия»; «В добрый час» (стихи В.Судакова) и «Вологда» («Есть на Севере России») на стихи Т.Мизгиревой. При активном участии Игоря Анатольевича вышли в свет четыре сборника из серии «Самодеятельные композиторы Вологодского района». С 1998 года издано девять сборников произведений этого популярного в нашей области композитора. Читать дальше
БЕРЕСТОВА Надежда Михайловна. Род. в 1949 г. в городе Старый Оскол Курской области. Окончила Восточно-Сибирский государственный институт культуры. В Вологде живет с 1989 года. Руководит детской эстрадной студией «Чудетство». Все годы активно сочиняет песни для детей и взрослых. Первой наградой Надежды Михайловны был Диплом «За лучшую композиторскую работу» (песня «В минуты музыки») на областном конкурсе Н.Рубцова (1996). В дальнейшем самодеятельный автор систематически получает лауреатские звания на всех конкурсах «Перезвоны». В частности, в 2007г. была удостоена награды песня «С днем рождения, Вологда» на стихи Эл. Шевелевой, прозвучавшая в исполнении Елены Никитиной. В этом же году Надежда Берестова стала победителем конкурса лучших педагогических работников Вологодской области. На Российском конкурсе «Детские рубцовские чтения» Дипломом лауреата был отмечен сборник песен «В краю чудес». Совместно с Аленой Федоровой является победителем приоритетного национального проекта «Образование». Н. Берестовой выпущены нотные сборники: «Край чудес», «Планета детей», «Весенний первый дождь», «В минуты музыки», «Да здравствует Вологда!»; аудиокассеты: «Край чудес», «Весенний первый дождь»; CD-диск «Да здравствует Вологда!». Читать далее
БЕЛЯЕВ Юрий. Родился в 1956 г. в Белозерске. Окончил Вологодское музыкальное училище, работал хормейстером и музыкальным руководителем в ряде вологодских дворцов и домов культуры. Писал песни для детских вокальных ансамблей. Автор десятков песен, в том числе — на стихи Николая Рубцова. Самым первым получило широкое признание сочинение 1973 года «Улетели листья с тополей». Ныне его поют ансамбль «Песняры», русский народный хор имени В.Свешникова и Ансамбль песни и пляски Российской армии. Сейчас Ю.Беляев — известный далеко за пределами Вологодчины, автор десятков песен, светских и духовных хоровых произведений. Его творчеству посвящено множество публикаций в вологодской прессе, выпущено четырнадцать дисков, четыре нотных сборника песен и первый том автобиографической книги «Струны души».
БЕЛЯКОВ Вячеслав Сергеевич — заслуженный работник культуры РФ. Родился в 1938 г. в Вологде. Окончил Саратовский педагогический институт. Работал преподавателем Вологодского педагогического училища и ДМШ № 5. Был создателем и руководителем молодежного хора «Кантилена» и ряда других хоровых коллективов. В творчестве В.С.Белякова преобладают хоровые произведения. Большой известностью пользуются «Вологодские кружева» на слова Васильевой, посвященные 850-летию Вологды, исполненные народным хором ДКЖ и удостоенные приза фирмы «Снежинка»; «Не забудьте этих мальчишек» на слова В.Татаринова, написанная к 60-летию Победы (ее исполнял хор «Кантилена»). Читать дальше
БОРТНИК Дина Федоровна. Родилась в 1959 г. в Архангельске. Окончила Петрозаводскую консерваторию. С 1984 года по настоящее время работает заведующей музыкальной частью Областного драматического театра. На счету Дины Федоровны более 50 авторских работ, где она выступает как композитор звучащей в спектакле музыки. Наиболее заметна роль музыкального компонента в спектакле «Диоген» по пьесе Б.Рацера и В.Константинова, «Вечере водевиля» с «живым» оркестром А.Лоскутова, «Старом доме» В.Арро, в который вошли пять романсов Д.Бортник и одной из последних работ театра — пьесе Ф.Саган «Сиреневое платье Валентины», музыку которой, незадолго до своей кончины, консультировал М.Бонфельд.
БУСЛАВСКАЯ Ольга Дмитриевна. Род. в 1949 г. в Вологде. Окончила Вологодский политехнический институт. Серьезно обратилась к сочинению музыки примерно в средине 80-х годов. Уже участие в первом хит-параде, проведенном Областным радио, принесло самодеятельному композитору заслуженный успех: ее песня «Ты давно пытался выпытать» вошла в пятерку лучших. О. Буславская — участница девяти фестивалей «Рубцовская осень». Ее песни исполняют заслуженный артист России Всеволод Чубенко, эстрадная певица Елена Никитина, солистка Любовь Голубева. Они звучат на концертной эстраде многих городов нашей области. Из 49 сочиненных автором песен 25 прозвучало по областному радио. Читать далее
БУРДЫКОВА Надежда — поэт и композитор. Магнитофонные кассеты (с записями песен и романсов в авторском исполнении под собственный аккомпанемент на фортепиано) широко разошлись по стране. Песнями Надежды Бурдыковой озвучен ряд кинофильмов, стихи публиковались в областной вологодской печати, в журнале «Наш современник». Первый сборник произведений «Благодарю, что это был не сон» вышел в 1990 г. Читать дальше
ВАСИЛЬЕВА Лариса Алексеевна. Родилась в 1963 г. в Вологде. Окончила теоретическое отделение Вологодского музыкального училища. Работала концертмейстером детских художественных коллективов. Начала сочинять музыку для эстрадного ансамбля «Вот и мы». В 2004 году была приглашена на должность музыкального руководителя областного театра кукол «Теремок», с 2005 г. совмещает эту работу с аналогичной творческой деятельностью в Театре для детей и молодежи. Наряду с успешным использованием музыкального материала различных эпох и народов, Лариса Алексеевна продолжает активно сочинять музыку. Последними по времени создания художественно выразительными музыкальными номерами стали три ее романса на стихи Игоря Северянина в пьесе «Бег Булгакова».
ВОРОНИН Валентин Александрович (1889-1956). Родился в г. Грязовце Вологодской области. Закончил Петроградское регентское училище. Работал регентом церковных хоров Вологды. Сочиненные им молитвы, в частности «Видехом свет истинный», до сих пор звучат в вологодских храмах. Преподавал в Вологодском музыкальном техникуме-училище. Выступал как певец-солист. Организовал городской хор Вологды.
ГАДАЕВ Станислав Николаевич. Родился в 1927 г. в Ярославле, окончил Ярославское художественное училище, работал в художественном фонде и на студии телевидения. Свою первую песню «Солдатское письмо» на слова Е.Комарова сочинил во время службы в армии. С 1959 года жил и работал в Череповце. Главной темой его песен был труд молодых строителей города: «Череповецкий вальс». «На Шексне весна», «Город рабочий», «Зеленая улица», «Метелица». Песни «Родине — слава», «Северные дали», «Зори ясные», написанные С.Гадаевым в содружестве с В.Калашниковым, вошли в музыкальную композицию «Северные зори», которая исполнялась в Москве, в Кремлевском Дворце съездов. Многие вологодские композиторы обращались к стихам С.Н Гадаева.
ГЕРАСИМОВСКИЙ Александр Альбертович. Родился в 1963 г. в Череповце Вологодской области. Окончил Петрозаводскую консерваторию по классу хорового дирижирования. Преподавал в Петрозаводской консерватории, Череповецком училище искусств, вел симфонический оркестр в Вологодском музыкальном училище, работал артистом государственной филармонии. В настоящее время является художественным руководителем и дирижером Большого концертного хора Детского музыкального театра. Основные сочинения А.Герасимовского предназначены для детского хора: «Се ныне», хоровой концерт; ряд хоровых миниатюр, «Выйду в сад» на слова Игоря Северянина; две части Реквиема: «Вечный покой» и «Слезная».
ГИНЕЦИНСКИЙ Илья Григорьевич (1892-1962). Родился в Петербурге, с 1902 года жил в Вологде. Окончил юридический факультет Петроградского университета, одновременно брал уроки скрипки у профессоров консерватории, в том числе — у легендарного Л.С.Ауэра. Был инициатором открытия первой на Севере России народной музыкальной школы. Много лет возглавлял коллектив школы-училища. Из песен И. Гинецинского наибольшей известностью пользовались «Песня о машинисте Болонине», «Вологодская колхозница», «Череповецкая лирическая». За «Песню о Вологде» («Тебя невзгоды не сломили»), написанную в содружестве с поэтом В.Черниковым к 800-летию старинного северного города, И.Г.Гинецинский был награжден Благодарственной грамотой Вологодского городского Совета депутатов трудящихся. Она до наших дней звучит на всех юбилеях Вологды. В годы Великой отечественной войны Илья Григорьевич был музыкальным руководителем областного драматического театра и писал музыку к некоторым спектаклям (ноты не сохранились). Известен также скрипичный «Романс» И.Гинецинского.
ГРОМОВ Владимир Павлович. Родился в 1940 г. в Вологде. По профессии инженер-электрик. Известный исполнитель песен вологодских самодеятельных композиторов. Автор более семидесяти оригинальных сочинений, в основном, на стихи местных поэтов, таких как «Синенькое платьице» и «Листвой пропавшей» (Н.Рубцов), «Оленька» (В.Коротаев). В кинофильме режиссера Сидельникова «Вологодский романс» прозвучали две песни В.П.Громова на рубцовские стихи («Плыть, плыть» и «Песня» — «Отцветет да поспеет на болоте морошка») в авторском исполнении. Обе они были отмечены Дипломом жюри конкурса патриотических фильмов.
ДРАЧКОВ Николай Петрович (1946 — 2000). Родился в селе Липки Верховажского района. Окончил Ленинградский институт культуры имени Н.К.Крупской. Работал во Дворце культуры поселка Майский, руководил известной в области и за ее пределами программой «Играй, гармонь» (1985-1991), тесно сотрудничал с писательской организацией Вологды, был членом секции самодеятельных композиторов при ОНМЦК и ПК. Лауреат многих всероссийских и всесоюзных фестивалей, смотров и конкурсов народного творчества. Им написано большое количество пьес, обработок и наигрышей для гармони. Песня «Отыщи струну, что всех нежнее» на слова С.Чухина вошла в документальный фильм А.Сидельникова «Вологодский романс». А песня «На своей стороне» на слова В.Кудрявцева звучала в программе Г.Заволокина «Играй, гармонь любимая» и неоднократно передавалась по областному телевидению в передаче «С Ехаловым по Вологодчине». Вся музыка Николая Петровича пронизана трепетной любовью к своему родному краю. Издан сборник песен Н.П.Драчкова, исполнение им собственных оригинальных наигрышей записано и сохраняется в фонотеке Областного радио. Читать дальше
ДУРНОВА Татьяна Борисовна. Родилась в 1958 г. Работает преподавателем Череповецкой детской школы искусств. Автор и исполнитель песен в концертах и спектаклях литературного театра городского Филармонического собрания. Яркий интерпретатор собственных сочинений «Подорожники», «Филя», «В минуты музыки» на стихи Николая Рубцова. В арсенале самодеятельного композитора более восьмидесяти песен. Читать дальше
ДЫКМАН Михаил Семенович. Родился в 1928 г. в Витебске. Окончил музыкальный факультет Московского заочного народного университета искусств. Стажировался при русском академическом хоре имени Пятницкого. Первое музыкальное произведение, песню «Березка», М.Дыкман написал в 1957 году. Ее исполнял ансамбль песни и пляски Приволжского ВО. Являлся автором многих песен, пользовавшихся популярностью среди исполнителей: «В отпуск», «Мой домашний старшина», «Моя Родина», «Моя голубоглазая Россия» и др. М.Дыкман — неоднократный дипломант и лауреат областных, республиканских и всесоюзных смотров художественной самодеятельности. Руководил народным хором Череповецкого Дворца культуры строителей.
ЗАУТОРОВА Эльвира Викторовна. Родилась в 1962г. в Вологде. Окончила Вологодский педагогический университет, кандидат педагогических наук, автор учебника «Курс лекций по пенитецитарной педагогике» и музыкальной программы «В мире гармонии» для детей, отбывающих срок наказания в колониях. Преподаватель Академии права и экономики. Ее композиторские опыты были отмечены на хит-параде областного Радио и фестивалях «Рубцовская осень». Издано восемь нотных сборников песен и один диск. Есть постоянный автор поэтических текстов — Татьяна Мизгирева. Слушателям концертов особенно полюбились «Ромашковое поле» и «Речка» — две проникновенные лирические песни, «Мне бы белой птицей» — монолог-размышление о жизни и «Первый снег» на стихи Николая Рубцова. Широко известна также песня Э.Зауторовой «Сынок» — о русском солдате, погибшем в огне чеченской войны.
ЗУБОВ Михаил Юльевич (1877-1943). Кадниковский дворянин. Пианист, педагог, композитор. Окончил Санкт-Петербургскую консерваторию по классу фортепиано, преподавал в Вологодском музыкальном техникуме-училище. Постоянно сочинял музыку. Больше всего обращал внимание на камерно вокальные и инструментальные жанры. 48 его рукописных романсов и около 50 фортепианных пьес хранятся в Москве у наследницы рода Зубовых Н.В.Лукиной. В предвоенные годы работал музыкальным руководителем вологодских театров юного зрителя и кукольного. Им была написана музыка к спектаклям «Суворов», «Слуга двух господ», «Винзорские кумушки» (ТЮЗ) и «Кот в сапогах», «Веселые куклы», «Полешко» (кукольный театр).Читать дальше
КОВАЛЕВА Лариса Григорьевна. Родилась в г. Ровеньки Луганской области. Окончила Вологодский педагогический институт. Живет и работает в Вологде с 1974 года. Организатор и художественный руководитель Клуба авторской песни «Откровение». Количественно ее творчество невелико, но каждая сочиненная ею песня сразу находит достойную оценку. «Этот город деревянный на реке» на стихи О.Чухонцева завоевала первое место на конкурсе песен о Вологде «Мой древний город». Прозвучали на различных конкурсах авторской песни и обратили на себя внимание ее «Дорожная элегия» на стихи Н.Рубцова и «Солнце горы золотило» на стихи А.Фета.
КОЗЛОВ Константин Васильевич (1909 — 1980), заслуженный работник культуры РФ. Родился в г. Грязовце в семье мастера музыкальных инструментов. Окончил Вологодское музыкальное училище, работал преподавателем класса русских народных инструментов, руководителем оркестра. В годы Великой отечественной войны получил ранение под Старой Руссой, там же написал несколько песен, в частности «Ответную» на стихи Н.Рыленкова и «Сирень» на стихи Е.Долматовского. В период работы в Сыктывкаре, исполняя многочисленные обязанности в музыкальном училище и филармонии, К.Козлов постоянно сочинял музыку. Им, в частности, были написаны фантазия «Асья кыа» («Утренняя звезда») и «Танец лесного духа» для симфонического оркестра. С 1948 года К.Козлов вновь жил и работал в Вологде. Им написано более ста песен, многие из них — на слова поэтов-вологжан А.Романова, С.Викулова, В.Коротаева, В.Белова и других. Целый ряд песен Константина Васильевича были отмечены первыми премиями на областных конкурсах. Мелодия «Вологодской лирической» песни много лет служила позывными местного Радио. К.В.Козлов писал также музыку к спектаклям областного театра кукол «Теремок».
КОКОРИН Анатолий Федорович (1930-1970). Родился в селе Новопышка Свердловской области. Играть на баяне учился самостоятельно. В 1953г. с отличием окончил Вологодское музыкальное училище, был оставлен для преподавательской работы. Был одним из первых участников вологодской секции композиторов-любителей. Его песни неоднократно отмечались на областных конкурсах. Так, премий были удостоены «Песня кружевницы» на слова С.Викулова, «Верная подружка» и «Приходи хороший» на слова С.Гадаева, «Новогодний вальс» на стихи А.Горюнова и др. Одна за другой появляются песни А.Кокорина «Северянка Вологда» на сл. О.Кванина, «Прощальный вальс» на сл. В.Белова, «Где ты» на сл. А.Прокофьева. Особенно плодотворным оказалось содружество композитора с вологодским поэтом С.Викуловым. На его стихи композитор написал целый ряд произведений. Среди них «Любимый край», «Песня возвращения», «Как немного сердцу надо», «Что ты рвешь свою гармонь», «Хожу по берегу одна». Многие песни А.Ф.Кокорина приобрели широкую известность.
КОРОТКОВА Татьяна Георгиевна. Родилась в 1953 г. в Междуречье Вологодской области. По профессии педагог. Лауреат областного конкурса «Играй, гармонь», самодеятельный автор и исполнитель песен о вологодском крае: «Ситец травы», «Привет вам, пятница с субботой», цикл песен на стихи М.Свистунова: «Нежность августа», «Шуйское», «Звездопад», «Песня о Соколе», «Вологжане» и другие. Большую популярность приобрели песни «Катерок» и «Над белыми туманами» с собственными словами самодеятельного композитора и поэта, а также «Колокольчики да ромашки» на стихи Ю.Леднева. «Ах, июль, ворожей» стала лауреатом фестиваля православной патриотической песни Александро-Невской лавры (2005). Там же была отмечена песня «Печальная Вологда дремлет» на стихи Николая Рубцова. Издано два нотных сборника и аудио-альбом песен Т.Г. Коротковой.
КУЗНЕЦОВА Елена Васильевна. Родилась в 1958 г. в Челябинске. Училась в Новосибирской консерватории по классу композиции заслуженного деятеля искусств РФ композитора Георгия Иванова и Уфимском государственном институте искусств по специальности «теория и история музыки». Серьезно занимается композицией с 1976 года. В Челябинске и Новосибирске прошли ее авторские концерты. С 1993 года работает преподавателем Вологодского музыкального колледжа. Из сочинений последнего времени нужно назвать вокально-хоровой цикл «Благословенный свет» на стихи А.Тарковского, несколько хоровых произведений на стихи А.Блока для смешанного хора a cappella и недавно изданный Детский альбом для саксофона-альта и фортепиано.
КУЛАКОВА Марина Борисовна. Родилась в 1964 г. в с. Красное Тотемского района. По профессии дизайнер. Работает оформителем в областной детской библиотеке. С 1997 года является солисткой клуба гитарной песни «Откровение». Успешно выступает на собраниях вологодского землячества в Москве. Как певица участвует в озвучивании телефильмов известного вологодского журналиста А. Ехалова. В исполнении и сочинении музыки более всего склонна к народно-песенной манере. Многие свои произведения поет без сопровождения. Выпущены CD. Наиболее известны песни Ирины Кулаковой: «Последние утки» и «Русское платье» на стихи П.Рожновой; «Уж ты горе мое, горе» на стихи О. Фокиной; «Спасибо, одолень-трава» на стихи В.Кудрявцева; «Лето-яблоко» и «Лирическая» на собственные стихи. Очень близка самодеятельному композитору поэзия никольчанина В.Мишенева. На его стихи написаны песни: «Над ночной Вологдой», «Ничего себе не требуй», «У избы на родине» и другие.
ЛЕЛЮК Борис Петрович. Родился в1946 г. в Харькове. Закончил музыкальное училище и Московский институт культуры, работал преподавателем детской школы искусств в Воронежской области и Самарканде. Постоянно пробовал свои силы в сочинении песен и симфонической музыки. С 1993 года живет в г. Бабаево Вологодской области, работает концертмейстером народного хора РДК. Является руководителем вокальной группы «Колпь». За последние годы написал более восьмидесяти песен на стихи разных авторов: «Не хочу в Америку» на сл. Н.Корнилова, «Здесь дома утопают в зелени» на сл. Г.Васильевой, «На своей стороне» на сл. В.Кудрявцева и многие другие.Читать дальше
ЛИНК Константин Константинович. Род. В 1933г. в Ленинграде, а с 1943 г. живет в Вологде. Он — один из самых опытных и творчески продуктивных композиторов-любителей Вологды. Первую песню сочинил в юности, будучи помощником машиниста. В дальнейшем закончил ЛИИЖТ и работал инженером-технологом локомотивного депо. Именно там и запелись первые песни К.Линка. Помогли солисты В.Громов и В.Каплин. К самым ранним сочинениям композитора-любителя относятся «Северная заветная» на слова Ю.Леднева и «Тонькина рябина» на стихи О.Фокиной. Областной премией была отмечена «Грустная песенка» на стихи О.Фокиной (1981), тогда председателем жюри был Валерий Гаврилин. Он же отметил еще некоторые ранние сочинения К.Линка. Поэтической основой песен самодеятельного композитора не раз становились стихи вологодских поэтов Н.Рубцова, А.Романова, В.Коротаева, Ю.Леднева, А.Яшина, В.Кудрявцева, Н.Груздевой, Н.Сидоровой, М.Сопина, Т.Петуховой и других. Около десяти песен К.Линка прозвучали в фильмах ленинградского режиссера А.Сидельникова. Читать далее
ЛОБАНОВ Юрий Павлович. Родился в 1938г. в г. Данилове Ярославской области. Окончил Ярославское музыкальное училище имени Собинова по классу баяна. Автор песен для смешанного и однородного хоров и вокальных ансамблей. Им написано несколько десятков песен и романсов, три фортепианные пьесы. Среди произведений Ю.Лобанова есть песни торжественно-патриотического и лирического характера. Ю.П.Лобанов жил и работал в Череповце.
ЛЫСКОВА Нина Владимировна. Род. в 1962 г. в Верховажском районе Вологодской области. В 1982 году окончила Культпросветучилище, в настоящее время учится в Северо-Западной академии Госслужбы. Сотрудничает с В.В. Судаковым, О.А. Фокиной, пишет на стихи Н.Рубцова и свои собственные. Песни на стихи Сазонова взяли для спектакля в Белозерске. В Верховажском районе песни Н.В. Лысковой используются на уроках литературы. В 2006 г. прошла презентация диска с ее песнями в Белозерске в РДК. Через друзей они попали в Москву, Санкт-Петербург, США, Польшу, Германию. В Санкт-Петербургской академии культуры преподаватель-балетмейстер З.Д. Ленгольф поставила классический этюд на музыку одной из песен Нины Лысковой. Читать далее
ЛЯПУСТИН Иван Александрович (1908 — 2000). Род в г. Петродворце Ленинградской области. Окончил историко-теоретический факультет Уральской государственной консерватории имени М.П.Мусоргского. Работал в Алапаевске, основал там детскую музыкальную школу, которая располагалась в доме семьи Чайковских. С 1947 года жил в Вологде, работал в областном музыкальном училище. Вел предметы теоретического цикла, возглавлял отделение, был заведующим учебной частью. Его первая песня «Марш ударников» на стихи А.Суркова (1932г.) получила положительный отзыв А.Ф.Гедике. Но особенно успешно композиторское творчество И.А.Ляпустина протекало уже в вологодский период. В 1964г. им была написана песня «Алапаевск родной» для хора с фортепиано на сл. Ю.Долгополова. В 1965 г. в содружестве с поэтом А.Романовым он написал песню «Небо обживают земляки» о полете в космос П.И.Беляева. На стихи С.Есенина сочинил лирическую песню «Береза», на слова В.Коротаева — «Девичью лирическую». Эти произведения были отмечены премиями на областном смотре-конкурсе 1966 года. В марте 1968 года впервые прозвучала песня, посвященная 100-летию Северной железной дороги «Северная магистраль» на сл. В.Белова. По итогам зонального смотра художественной самодеятельности авторы этой песни были награждены Дипломом 1 степени. В 1969г. в Москве, на семинаре композиторов, Г.С.Брук отметил одну из новых песен И.А.Ляпустина «Чем отблагодарить матерей» на сл. О.Шестинского. В 1970г. композитор В.Золотарев назвал песню «Россия моя» на сл. Н.Зеликовой «отличным концертным номером». Из других песен вологодского композитора-любителя нужно назвать «Кружевницу» на стихи А.Кибардиной, романс на слова Ф.Алиевой «Я нахожусь в стране любви» и песню-балладу «Красные всадники» для женского хора на сл. А.Васюткова.
МАКАРОВ Александр Павлович — заслуженный работник культуры РФ. Род в 1946 г. в д. Аннинская Грязовецкого района Вологодской области, закончил Таганрогский педагогический институт. Много лет занимался с коллективами художественной самодеятельности. Там и пригодились его первые авторские песни. В дальнейшем работал преподавателем и директором ДМШ. Ныне — руководитель известного в области ансамбля русских народных инструментов при ГДК. Талантливый аранжировщик и самодеятельный композитор, участник и лауреат многих областных конкурсов любительского творчества. Из множества сочинений последних лет наиболее известны песни «Москва и Вологда» на ст. Н.Панкова, «Что ты рвешь свою гармонь» на стихи С.Викулова, «Васильки полевые» на сл.Н.Сидоровой, «Ветераны таможенной службы» и «Гимн Вологодского района». Читать дальше
МАЛЫШЕВА Ольга Анатольевна. Род в 1957 г. в г. Сокол. Окончила Вологодский педагогический университет, работает преподавателем Детского музыкального театра, активно занимается композицией. Свое творчество начинала с детских песенок на стихи современных поэтов, а вскоре некоторые из них вошли в сборник «В чудной стране» (1997). В этом же году был издан сборник песен и романсов «Как просто все», чуть позже были изданы четыре миниатюры на стихи Лидии Тепловой, 16 песен для детей «Мама потерялась», сборник «Кобра» на стихи В.Татаринова, наконец, сборники «Между делом» — своеобразное методическое и практическое пособие для музыкальных занятий детей; «Рождество». Читать далее
МАЛЮКОВ Александр Васильевич. Родился в 1958 г.. Выпускник Петрозаводской консерватории по классу баяна. Работал артистом Вологодской государственной филармонии, преподавателем Детского музыкального театра. Постоянно сочинял инструментальную музыку — пьесы для баяна, фортепиано. Большую известность получили две его Сюиты для фортепиано в четыре руки. Исполнение Второй сюиты в Японии принесло автору звание Почетного члена Международной ассоциации фортепианных дуэтов. Все его произведения встречали живой интерес слушателей — в них с большой творческой фантазией использовались современные ритмы и черты разных стилей.
МИНАЕВ Леонид Валентинович. Родился в 1958 г. в Вологде, окончил исторический факультет Вологодского педагогического института. Сочинять песни начал в студенческие годы выпустил два авторских альбома. Постоянный участник и неоднократный лауреат фестивалей «Рубцовская осень». Широкую известность приобрели его вальс «Вологодская осень» на собственные стихи и две выразительные мелодии, рожденные глубоким впечатлением от поэзии Н.Рубцова: «Морошка» и «Тихая моя родина».
МОРОЗОВ Олег Анатольевич (1946-1991). Родился в Архангельске, окончил Сокольскую ДМШ по классу баяна. Сочинять начал во время службы в армии. Руководил эстрадным оркестром Дворца культуры Сокольского целлюлозно-бумажного комбината, написал ряд композиций для своего коллектива. Песни О.Морозова всегда входили в репертуар художественной самодеятельности Дворца, отмечались на областных конкурсах творчества композиторов-любителей. Из наиболее известных сочинений, вошедших в сборник «Ясноглазка», нужно назвать «Школьные мои товарищи» на сл. И.Снегина, «Девичья лирическая» на сл. В.Захаровой, «Его зарыли в шар земной» на стихи С.Орлова.
АРХИЕПИСКОП МИХАИЛ (Мудьюгин) (1912-2000) Родился в Санкт-Петербурге, служил управляющим Вологодской епархией с 1982 по 1993 годы. Похоронен в Александро-Невской лавре. Среди его сочинений наиболее известны духовные опусы.
НАУМУШКИН Сергей Викторович. Род в 1964г. Самодеятельный автор и исполнитель из села Устье Кубинское. Вологжане хорошо знакомы с его песнями на стихи Николая Рубцова. Лидер «Вологодского хит-парада — 2005» с песней «Печальная Вологда дремлет» (ст. Н.Рубцова) — автор был отмечен специальным дипломом «за неординарность музыкального языка». В 2007 году представил на конкурс песню «Россия» на собственный текст.
НОСАРЕВ Василий Петрович (1922-1996). Родился в деревне Лаврушино Белозерского района Вологодской области. Окончил Вологодское музыкальное училище по классу виолончели и русских народных инструментов. Работал преподавателем в педагогических училищах Вологды, Белозерска и ДМШ Череповца. Автор песен на стихи вологодских поэтов, музыки для оркестра русских народных инструментов. Его произведения нередко звучали на местном телевидении и в концертах художественной самодеятельности в исполнении ансамблей и певцов-солистов Оркестровую пьесу «Белорусский танец» исполнял академический оркестр РНИ имени В.Андреева и оркестр Ленинградского радио. Любимыми авторами стихов были поэты-вологжане С.Орлов и С.Викулов, О.Фокина и Н.Сидорова, В.Коротаев и А.Романов. Композитор всегда слышал глубинную лирическую интонацию поэтического текста и мог выразить ее в задушевной оригинальной мелодии.
ОГАНЯН Тигран Робертович. Родился в 1977 г. в Вологде. Окончил композиторское отделение и аспирантуру Петрозаводской консерватории. Его концерт для виолончели с оркестром прозвучал в исполнении Дмитрия Оганяна и симфонического оркестра Карельского радио (Петрозаводск). В Вологде он исполнялся в четырехручном переложении автора. Среди прочих сочинений композитора нужно назвать вокальный цикл на стихи Роберта Бернса в переводе С.Маршака, Вариации для фортепиано, многочисленные джазовые композиции.
ОСОЛИХИНА Нина Евдокимовна — автор и исполнитель песен на стихи вологодских авторов, в том числе В.Кудрявцева. В конкурсе «Перезвоны — 2001» Дипломом была отмечена песня «Тростиночка» на собственный поэтический текст самодеятельного композитора.
ПАРУШЕВ Николай Павлович (1948-2007). Род. в д. Марковское Вытегорского района Вологодской области. Окончил Вологодское музыкальное училище по классу баяна и Ленинградский институт культуры имени Крупской. В 1967 году стал организатором и директором ДМШ Кичменгского Городка. Постоянно сочинял музыку. Был участником секции самодеятельных композиторов при Доме народного творчества. Его «Балладу о Вологде» на слова Ю.Леднева отметил В.А.Гаврилин. «Солдатская дорожная» на слова Малкова осталась как память о службе в Группе Советских войск в Германии. В основном сочинения Парушева звучат для земляков: «Край родной» на стихи Д. Рябова — песня о Кичменгском Городке; «Тверже шаг», «Падающие звезды», «Подругам», «Вытегорские березы», фантазия на темы вологодских композиторов (для баяна) и фантазия на тему песни М.Фрадкина «Течет Волга», посвященной педагогу И.Г. Писанко; пьесы для оркестра русских народных инструментов, домры, баяна. Песня «Упрямая» на стихи Ольги Фокиной получила диплом Второго всесоюзного фестиваля народного творчества. Другие произведения Н.П. Парушева: «Звезда полей» (Н.Рубцов), «Песня о сержанте и песне» (Я.Шведов), «Лодка любви» (М. Рыбин), «В Загорске» (В. Кудрявцев). Читать далее
ПИРОЖКОВ Константин Валентинович. Род в 1950 г. в д. Огибалово Вологодского района. Лауреат целого ряда Всероссийских и международных конкурсов, Всероссийского телевизионного проекта «Играй, гармонь». Входит в десятку лучших гармонистов России. Директор Парка ветеранов, инициатор и участник всех мероприятий парка, в частности «Поляны гармонистов». Автор множества оригинальных гармошечных наигрышей, а также песен на стихи Н.Рубцова: «Пальмы юга», «Видение на холме», «С моста идет дорога в гору». С песней «Ива» К.Пирожков стал лауреатом рубцовского фестиваля.
ПОПОВ Валерий (1954-1998). Активный участник Клуба авторской песни «Откровение», по профессии — инженер «Вологдагражданпроекта». Популярность его творчества у исполнителей и слушателей не угасает со временем. В.Попов сочинял песни на стихи С.Чухина (напр., «Люблю ночной порой»), Л.Ямайкиной («Остановись, подумай»), Н.Старшинова, Э.Рязанова, В.Гальской. В последнем своем цикле самодеятельный автор обратился к творчеству М.Сопина.
ПРОТОИЕРЕЙ ВАСИЛИЙ (Павлов) (1946-2001). Родился в Ульяновске. Окончил Московскую консерваторию по классу фортепиано. Работал преподавателем Астраханской консерватории. С 1982 года служил регентом Кафедрального собора Вологды. Последние годы жизни был настоятелем храма Покрова-на-Торгу и ректором Вологодского православного духовного училища. Сочинял духовную музыку.
САВЕЛЬЕВ Константин Александрович (1951-2003). Родился в Петрозаводске, учился в Петрозаводском музыкальном училище и Ленинградском институте культуры имени Н.Крупской. Работал регентом в храмах Вологды. Сочинял духовную музыку.
СЕРГЕЕВ Владимир Александрович. Род в г. Сорочки Горьковской области, окончил инженерно-строительный институт. С 1985 г. работает архитектором в Вологде. Примерно с этих лет стал сочинять музыку, но петь собственные сочинения начал несколько позже. Им выпущен диск с записью 15 песен. Из лучших своих опусов самодеятельный автор и исполнитель называет песни «Цыганочка» на ст. В.Шаламова, «Иванов» на ст. Дм. Кедрина и «Плыть, плыть» на стихи Н.Рубцова.
СУББОТИН Игорь Анатольевич (1970-2006). Член Союза композиторов России. Родился в г. Череповце Вологодской области. Закончил Петрозаводскую консерваторию и ассистентуру по специальности «композиция». Работал преподавателем Петрозаводской государственной консерватории имени А.К.Глазунова. Среди основных произведений: симфония, симфонический цикл «Петровские заводы», кантата на текст «Песни песней». В 2004 году в Вологде, в исполнении певицы Марины Алексеевой прозвучал вокальный диптих И.Субботина на стихи А.Ахматовой и А.Блока.
СУВОРИНА (БУЗЫКАЕВА) Лариса. Род. 1974 г., музыкальный работник Мосейковского психоневролгического дома-интерната. Выпускница Вологодского педагогического университета. Лауреат фестиваля «Перезвоны — 2007» с песней «Черемушка» на стихи А.Романова, автор и исполнитель песенного диска «Домой»
ТАРАБУХИН Вадим Вадимович (1979-2006). Родился в Вологде. Учился в Вологодском музыкальном училище и училище имени Гнесиных (Москва). Служил певчим храма Покрова-на-Торгу г. Вологды. Сочинял духовную музыку.
ТЕРАЕВИЧ Татьяна Борисовна. Род. в 1950 г. в г. Вологде. Окончила Ленинградскй институт культуры имени Н.Крупской. Систематически, уже в течение сорока лет, сочиняет музыку (песни и инструментальные пьесы). Выпущены два диска и нотный сборник песен для детей. Неоднократный лауреат фестивалей песен вологодских авторов, победитель конкурса на создание Гимна Вологды (2007, Диплом 1 степени, 1 место). Читать дальше
ТРУФАНОВ Николай Николаевич — заслуженный работник культуры РФ. Родился в 1953 г., окончил Ленинградский институт культуры им. Крупской, работает директором детской школы искусств в поселке Тарнога. Сочинил ряд песен на стихи местных авторов, пьесы и этюды для баяна, в дальнейшем подготовил учебное пособие по баяну для ДМШ. Наградами областных конкурсов отмечены песни «Пусть не старится Тарнога наша» на сл. В.Поповой («Перезвоны-2001»), «Пройдусь по Тарноге» на стихи А.Силинского (Перезвоны-2007«), «На родиму сторонушку» (стихи М.Бурцевой).
ХАЗОВ Александр Александрович. Род в 1953г. в Мурманске, окончил Вологодское музыкально-педагогическое училище. Начал сочинять еще в студенческие годы. Его песни исполняли эстрадный ансамбль и учебные хоры муз.пед.училища. С 1975г. работает в Соколе. Руководитель Клуба авторской песни «Доверие», один из подвижников движения авторской песни в родном Сокольском районе и Вологодской области. Участник всех бардовских слетов на реке Петух и в деревне Гора. Победитель многих конкурсов вологодских композиторов. Известный автор песен на стихи Н.Рубцова («Окошко, стол, половики», «Соловьи», «Разлад») и многих других вологодских поэтов. Песня «Элегия» («Стукнул по карману — не звенит») прозвучала в кинофильме Д.Чернецова, посвященном Николаю Рубцову. На фестивале «Перезвоны — 2007» А.Хазов был удостоен лауреатского звания за песню «Вновь осень развела» на слова А.Алексеева. Из своих последних песен называет сочинение на слова Ю.Левитанского «Всего и надо, что вглядеться, Боже мой». Сочинения А.А.Хазова не раз публиковали разнообразные нотные сборники, в т.ч. журнал «Молодежная эстрада». Выпущены диски песен. Читать дальше
ХИНСКИЙ Григорий — череповецкий композитор, руководитель молодежного оркестра русских народных инструментов. Его сочинения постоянно пополняют концертный репертуар коллектива: «На поле русском», сюита «Зоопарк», «Хороводы», «Ярмарка» и многие другие.
ХОРОШИНА Елена Юрьевна. Род в 1962 г. в Вологде. Окончила Ленинградскую консерваторию по специальности «теория и история музыки». Работает преподавателем Вологодского музыкального колледжа и лектором-музыковедом областной государственной филармонии. Сочиняет в самых разных жанрах от детской музыкальной сказки «Дом с волшебными окнами» на собственный сюжет до крупных хоровых произведений, а также песни, романсы фортепианную сонату, прелюдии, отдельные пьесы для фортепиано и т.д.
ЧЕРНЫШОВ Владимир Александрович. Родился в 1936 г. в городе Харовске. С 1953г. работает концертмейстером в районном доме культуры. На протяжении многих лет принимает участие в областных, зональных и районных конкурсах, смотрах и фестивалях. С 1969 г., когда в доме культуры был создан хор русской народной песни, В.Чернышов является не только его аккомпаниатором, но и душой коллектива. В творческом багаже самодеятельного автора около 40 песен на слова вологодских поэтов и свои собственные: «Гармонист» на ст. В.Белова, «Тимониха» на сл. Ю.Леднева, «Вологодская зима» на сл. Н.Сидоровой, «Здесь начиналась Россия», «Песня о Харовске» и многие другие. Все песни В.Чернышова звучат в репертуаре народного хора и находят отклик в сердцах исполнителей и слушателей. Он не раз успешно участвовал в областных конкурсах, в 1981 году получил Диплом за лучшую песню о родном крае. В 1985г., когда в РДК родился хор ветеранов труда, В.Чернышов добился серьезных результатов и с этим коллективом. Он подарил хору свою очередную композиторскую работу — «Балладу о герое-земляке В.Прокатове». В «Перезвонах — 2007» удостоен звания лауреата за песню «Постой, мой миленький» на стихи О.Фокиной.
ШЕВЕЛА Светлана Николаевна. Родился в 1974 г. в д. Пермас Никольского района Вологодской области. Окончила Вологодский педагогический университет. В ДК села Ермаково Вологодского района участвовала в вокальном ансамбле «Россияночка». Свои первые песни сочинила для этого коллектива. Ныне работает преподавателем ДМШ имени В.П.Трифонова. Обладательница дипломов «За лучшую авторскую работу» в двух конкурсах «Память сердца» за песни «Россия в ожидании зари» и «Птицы России» на стихи И.Горячева. В конкурсе «Перезвоны — 2003» участвовала песня С.Шевела «Все вместе» на сл. Л.Рубальской. В 2007 году были сочинены песни «Вологда» на слова Э.Шевелевой и Т.Тераевич, посвященная юбилею города, и выразительная мелодия в народном стиле «Плавал лебедь» на стихи О.Фокиной. Выпущен нотный сборник и два авторских диска. Читать дальше
ШИЛОВ Алексей Сергеевич — самодеятельный автор, вологжанин, по профессии инженер-экономист, создатель самых первых песен на стихи Николая Рубцова. Поэт слышал эти песни, подпевал их бесхитростным мелодиям. «Морошка», «Потонула во тьме отдаленная пристань», «Замерзают мои георгины», «Журавли», «В минуты музыки печальной», «Я вспоминаю, сердцем посветлев», «Добрый Филя»… За тридцать лет активного творчества композитор-любитель сочинил также десятки произведений на стихи В.Коротаева, М.Цветаевой, А.Блока. Читать дальше
ШИРОГЛАЗОВ Андрей — самодеятельный композитор и исполнитель из города металлургов, автор множества гитарных песен.
ЯКУНИЧЕВ Александр Валентинович. Родился в 1950 в д. Дектяри Вологодского района. Закончил музыкально-педагогическое училище. Много лет поет в городской академической капелле Вологды. В 70-х годах начал заниматься творчеством. Сочинял лирические песни, пробовал себя в жанре духовной музыки. Поет в церковном хоре. Наиболее известна его «Девичья лирическая» на слова В.Коротаева.
ЯРКИН Борис Дмитриевич — кандидат педагогических наук, доцент. Родился в 1954 г. в селе Рамонь Воронежской области. Окончил Воронежский государственный институт искусств по классу хорового дирижирования. Работал преподавателем Вологодского педагогического университета. Автор многих произведений для хора. В настоящее время заведует кафедрой пения и хорового дирижирования в Воронежском государственном педагогическом университете.
Материал Эллы Кирилловой

Твитнуть
Поделиться
Поделиться
Класснуть
о природе художественного творчества в авторской песне ⋆
В статье исследована структура феномена русской авторской песни в культуре советского периода в категориях «культура – искусство». Полученный результат может быть полезен для педагогов, занимающихся авторской песней как особым видом искусства в учреждениях образования, культуры и социального обеспечения с детьми и подростками.
Л. П. Беленький,
методист Центра творчества «На Вадковском»,
кандидат культурологии
Введение.
Во все времена средством, оказывающим комплексное воздействие на формирование личности человека, его интеллекта, этики и эстетики, была песня. «Ребенок, прежде чем научится читать и писать, находится в постоянном поле воздействия песни. Это его первичная форма познания мира, осмысления чувств, способ освоения языка и дыхания, – отмечал в своих лекциях теоретик и практик авторской песни Александр Мирзаян. – Словарный запас, интеллектуальное и эстетическое развитие, комплекс психоэмоциональных состояний человека во многом обусловлены песенным массивом, на котором он воспитан» [3, с. 5].
Однако песня – песне рознь, о чём, в своё время, образно поведала Новелла Матвеева: «Властью песни быть людьми могут даже змеи, / Властью песни из людей можно сделать змей!» Постоянное присутствие в обществе определённых песен в сильной степени влияет на каждого индивидуума, а соответственно на народ в целом.
Между тем, вторая половина XX века вызвала к жизни уникальное явление отечественной культуры под названием «авторская песня», которое сегодня по праву считается одним из видов нашего национального достояния. Ведь если сказать кратко и обобщенно, то авторская песня – есть «носитель живого образного русского языка, облечённого в доступную для восприятия музыкально-интонационную форму» [3, с. 7].
Совокупность ценностей, присущих авторской песне, позволяет использовать этот увлекательный и демократичный вид художественного творчества как мощный инструмент для решения таких насущных задач современного общества как гражданско-патриотическое и духовно-нравственное воспитание плюс интеллектуальное развитие детей, подростков и молодёжи. Занятия авторской песней также способствуют созданию благоприятной товарищеской обстановки в коллективе, здесь нет места возрастным конфликтам, равно как – и межнациональным.
Ежегодно в России и в других странах СНГ проходят десятки детско-юношеских и молодежных фестивалей авторской песни, а при учреждениях культуры, образования и социальной защиты действует множество детских клубов, школ, студий и кружков авторской (самодеятельной) песни, взращивающих новую плеяду молодых талантов. По сути, усилиями педагогов-энтузиастов в стране неформально создана система детско-юношеского художественного дополнительного образования для юных создателей и исполнителей авторских песен.
В рамках данной статьи нам предстоит разобраться в природе авторской песни как особого вида художественного творчества, без чего, полагаем, недостаточно ясны его уникальность и самобытность, характеризующие признаки и ценности. На этот факт ещё в 1987 г. обращал внимание литературовед Е. Сергеев: «Жанр не узаконен культурно. В абсолютном большинстве статей о том или ином сочинителе-исполнителе все попытки понять «секрет успеха», как правило, сводятся к разбору личностных качеств автора, его профессиональных достоинств и слабостей, а вот о родовых, жанровых свойствах – речи нет» [15, с. 129]. С тех пор, как замечено ниже, мало что изменилось…
«Гитара, магнитофон и мы». Поводом для написания предшествующей статьи послужил опыт её автора в организации и проведении пяти Международных детско-юношеских фестивалей авторской песни «Зелёная карета» [8] в качестве руководителя-координатора проекта. Данная же редакция пишется в преддверии восьмого по счету фестиваля, который в этом году будет посвящен Году экологии, с акцентом на то, что многие почитатели авторских песен считают их «экологией души». Общаясь в течение ряда лет с педагогами-воспитателями нового пополнения авторов и исполнителей песен, руководитель-координатор часто слышал от них один и тот же вопрос: как отличить песни «авторские» от всех других?
Толчком же, импульсом, заставившим в 2014 году отложить остальные дела и тут же сесть за письменный стол, стала редакционная статья в газете «Московский комсомолец» под названием «Гитара, магнитофон и мы», датированная от 15 декабря 1966 года. [4, с. 4.]. До того, как столь давняя газета не попала автору на глаза, автор и не предполагал, что в середине 60-х годов прошлого столетия интерес к природе «самодеятельных песен» (термин «авторская» тогда еще не вошел в обиход) мог возникнуть у тогдашних школьников. Оказалось – совсем не так. Популярная «молодёжка» намеренно пригласила к участию в дискуссии старшеклассников, предложив им «подумать о современной песне, поспорить о ней, а может быть, и предложить свой путь к неведомым островам». Причём сделать это на равных с такими профессионалами как композиторы Я. Френкель и А. Островский, поэт-песенник М. Танич и авторами самодеятельных песен А. Дуловым и С. Крыловым.
Уровень суждений, высказанных тогдашними мальчиками и девочками, поражает и сегодня. И это в эпоху информационных технологий, в век Интернета, когда любой школьник способен самостоятельно отыскать в сети и послушать, а то и посмотреть в формате видео любую песню, какую пожелает. Возможности же учеников 1960-х, конечно, были гораздо скромнее. Их вкусовые запросы удовлетворялись бытовым катушечным магнитофоном, но зато они горели желанием слушать и петь эти песни, делились своими записями друг с другом. Востребованность для них тех песен подтвердим несколькими цитатами.
Володя Лавинский: «Самодеятельных песен очень много. Но почему они именно сейчас стали так популярны? Мне кажется, что жизнь человека стала богаче, шире, ему есть о чём сказать. А появилась потребность – появляются и средства для ее удовлетворения. Человек берет в руки гитару и говорит то, что другие за него не скажут».
Аня Головина: «В самодеятельной основное – содержание, а музыка… так, больше для складу. Поэт говорит о своих чувствах, переживаниях и как бы в задумчивости перебирает струны гитары. Музыка – лишь фон. И слушатель следит за содержанием, а ненавязчивый аккомпанемент помогает лучше донести смысл текста до слушателя».
Катя Дремина: «Мне кажется, что Аня не совсем права. Дело не в том, что важнее – слова или музыка. Профессиональные песни просто иначе пишут. Их рассчитывают на массу, на много народу сразу. А самодеятельная песня обращается к одному и потому доходит до многих. В этом, по-моему, секрет популярности самодеятельных песен».
Коля Тимофеев: «Я хочу сказать еще об одной стороне дела – об исполнении. Мне кажется, что песни наших «менестрелей» должны исполнять они сами. Потому что это песни содержания. <…> Из того, что я слышал, сильнее всего на меня действовали песни, исполненные авторами. Тогда я забываю о внешнем оформлении песни и для меня существует только её смысл. Может быть, я и не прав».
Катя Древина: «<…> В этом жанре, его особенностях, надо разобраться серьёзно, и этим должны заняться наши искусствоведы».
А что же искусствоведы и культурологи? Сколь они готовы сегодня ответить на вопросы школьников, заданные в середине 1960-х?
Что происходит сегодня. В октябре прошлого года, в течение трех дней, в Государственном институте искусствознания проходила первая, своего рода, научная интерактивная конференция «Авторская песня: вчера, сегодня. Завтра?». С ее результатами можно ознакомиться на сайте www.bards.ru [1]. Откровением явилось выступление искусствоведа и культуролога Л. Левина: «За полвека изучения авторской песни мы, в сущности, так и не знаем, что мы изучаем. Что предмет наших постоянных тревог и исследовательских побуждений. Может мы ищем не там, где следует, а там, где – светлее, веселее, привычнее. Может быть, мы берём не те инструменты для того, чтобы найти то, что мы хотели бы найти. А может быть, вообще, ищем не то» [7].
На конференции в своем докладе «На подступах к теории авторской песни» автор данной статьи выдвинул версию о главной причине сложившейся неопределенности в исследовании этого феномена. Суть ее в следующем. Авторская песня как многогранный и многофункциональный объект до сих пор не структурирован с позиции единого целого, не классифицирован в отношении внутреннего строения. А потому – большинство исследований касательно этих песен, как правило, посвящены анализу готовых произведений, выявлению их характерных признаков как бы «взглядом со стороны» по принципу «что получается». Более того, нередко с раздельной оценкой их компонент, что противоречит природе этих песен, чему, собственно говоря, и посвящена данная статья. Так филологи анализируют совершенство стихов, музыковеды – качество мелодий и аккомпанемента, театроведы – актерское мастерство. Но ведь еще в 1987 году Е. Сергеев в своей статье «Многоборец» о В. Высоцком заострил внимание своих читателей на том, что песни Высоцкого и его многих коллег по песенному творчеству принадлежат устной поэзии, а «оценивать устную поэзию, игнорируя авторскую интонацию, все равно, что оценивать верлибр, не считаясь с авторской системой записи». «В желании поглядеть стих «с листа», проверить «на глаз», – замечает филолог, – есть свой смысл лишь в том случае, когда необходимо выявить самодостаточность поэтического создания. Ну, а если в ней – самодостаточности – нужды нет?» [15, с. 110].
Правда, знакомство с блестящей статьей Е. Сергеева у автора данной работы состоялось намного позже, чем перед ним возник вопрос: «можно ли предложить иную методологию, чем «взгляд со стороны»? Догадка пришла не сразу, а после долгих и обстоятельных размышлений, чтения большого массива разного рода публикаций. Концентрированное приложение усилий привело к парадоксальному и, в то же время, казалось бы, очевидному ответу: «что если сменить традиционный взгляд на… диаметрально противоположный?» На «взгляд изнутри». Не что получается в итоге, а как это делается. Как песня создается. И задуматься, а есть ли у всех отечественных бардов нечто общее в создании авторских песен, независимо от их жанрового, тематического и стилевого разнообразия? Иной подход позволил провести структурно-типологическое исследование рассматриваемого феномена в единстве его внутренних структурных элементов и связей, объективно сложившихся в пространстве категориальных уровней «культура – искусство». Получалось, что почти все внешние признаки авторских или самодеятельных, как их чаще всего называли в 1960-х, песен есть следствие выявленного общего метода их создания.
Результаты проведенного исследования, ввиду ограниченного объема данной статьи, дадим в тезисном изложении с отсылками, по мере необходимости, к нашим предшествующим работам и трудам других исследователей. Описание же раскрытых причинно-следственных связей на заданных иерархических уровнях начнем с построения объективной стартовой модели авторской песни как социокультурного феномена, демонстрирующей возможность отнесения его к отдельному классу объектов в пространстве отечественной песенной культуры.
Стартовая модель объекта исследования. Особенностью авторской (самодеятельной) песни советского периода является известный факт, что почти одновременно с возникновением нового, параллельного песенного направления, в стране стала формироваться его среда бытования в организованных и произвольных формах. Как неформальное сообщество любителей и ценителей этих песен. Такая среда являлась общественно-социальной атмосферой, поддерживающей и защищающей авторскую песню и одновременно ее опорой, выполнявшей многие инфраструктурные функции.
Столь своеобразное единение было характерно именно для нашей страны, когда в ней господствовал тоталитарный режим, но оно, исторически сложившееся в конце прошлого века в условиях идеологической цензуры, сохранилось и поныне при переходе к рыночной экономике в противовес диктату товарно-денежных отношений. В других странах, скажем во Франции, Германии и США, формирование особой среды, способствующей развитию внешне схожего песенного творчества (chanson, country, folk) в условиях свободного общества, видимо, и не требовалось.
Эта среда стала своего рода фильтром – «коллективным худсоветом», который может признать автора своим, а может решительно отвергнуть, даже если он стал лауреатом какого-нибудь конкурса. Так она поступала и по отношению к песням. «Наша песня» или не наша, хорошая или плохая? – но по нашим, пусть и интуитивным критериям. Любителям авторской песни, вооруженным бытовыми магнитофонами, устранившим для «наших песен» официальную цензуру, было невозможно навязать мнение сверху, от кого бы оно ни исходило – доброжелателей или недругов. Разумеется, и здесь существовал принцип: сколько людей, столько мнений. Но мнений по частностям, а не по главным ценностным критериям, на которых ниже остановимся детальнее.
В этой среде проявлялись свои организаторы (по-теперешнему – менеджеры), журналисты, фотографы, архивисты, художники, звукооператоры, фонотетчики, технический персонал и представители других специальностей. Все те, кто необходимы для проведения слетов, конкурсов, фестивалей, выпуска «самиздата», создания и ведения архивов и пр. Стоит отметить, что большинство нотных и текстовых изданий авторских песен, выпущенных в СССР, когда это было невозможно трудно, и в России, когда это стало гораздо доступнее, составлено и подготовлено к изданию представителями активной части этой среды бытования. Вошедшее в этой среде в обиход словосочетание «наша песня» стало для многих синонимом сначала названия самодеятельная песня, а затем термина авторская песня. Их эволюция – от названия к термину – подробно рассмотрена в нашей работе [2, с. 49-52].
Сказанное позволяет выделить аксиоматику: среда бытования авторской песни на некотором временном интервале эволюционно и объективно фиксирует этот феномен и принадлежность к нему тех или иных песен и тех или иных авторов. Представляется, что стартовая модель, в основе которой лежит такая аксиоматика, носит объективный характер, но с учетом следующего требования: никакая признанная авторская песня или признанный автор не должны быть искусственно исключены из рассматриваемого феномена или ограничены в правах к нему, исходя из субъективного мнения исследователя. Критерием принадлежности песен и их авторов к авторской песне является факт общественного признания, в нашем случае, отмеченной средой бытования. Задача же теоретиков – выяснять, почему такое признание произошло.
Базис исследования. Его определяет тезис: «говорим песня, подразумеваем песенная культура», имея в виду проникаемость песни как культурной универсалии во все сферы жизнедеятельности человека на земле: в разные времена и на разных территориях. Скорее всего, песня родилась почти одновременно с появлением человека как биологического вида. Данные науки говорят, что песня на ранних периодах становления человечества опередила музыку и поэзию, отделившихся от нее позднее и ставших самостоятельными видами искусства [9, с. 359-360; 13, с. 293]. Одним из признаков культуры ранних периодов являлась ее «дописьменность», что позволяет обозначить песенную культуру, соответствующую этим временам как устную, передаваемую из уст в уста. Так, в давней литературной энциклопедии понятие «песня» определено как «первичный вид музыкально-словесного высказывания» с добавлением, что «это – фольклорный жанр, который в широком своем значении включает в себя все, что поется, при условии одновременного сочетания слова и напева» [12, с. 587-604].
Впоследствии, по мере появления у разных народов письменности, сначала текста на основе языка, а затем – музыкального с помощью нот (конец IX – начало XVIII века), происходит становление так называемого «композиторского письма» [6, с. 28], заложившего традицию письменного композиторского творчества, доминирующего и поныне. Соответственно формировалась и профессиональная композиторская песня, предполагавшая, как правило, соучастие композитора, поэта, исполнителя и аккомпаниатора, в роли которого часто выступал оркестр. Такая песня «оживает» лишь в исполнении, и потому при множестве в ней авторов, по сути, является не авторской, а соавторской.
Но с изобретением нот не исчезает насовсем устная песенная культура. Оставаясь изначально в фольклоре, она становится востребованной и в других появляющихся или возрождающихся видах и жанрах искусства. Поэтому песенную культуру типологически следует рассматривать в двух возможных формах: устной – фольклор или схожей с ним, и письменной – профессиональной композиторской.
Вот почему за базис исследования нами выбран устный метод песенного творчества, присущий большинству создателей авторских песен [2, с.52]. Рассматривая эти песни в таком аспекте, мы, тем не менее, отделяем друг от друга два взаимосвязанных процесса: создание песни как творческий акт и последующее бытование песни в разных формах как полученного результата. Акцентируя внимание, прежде всего, на собственно появлении песни «на свет». Но нас будет интересовать, не только, как авторская песня создается, но и последствия, вытекающие из метода ее создания.
Общая формула песенного творчества. Обратимся к двум общеизвестным признакам, относящимся к профессиональному искусству и фольклору: преобладающая форма творчества (письменное – устное) и персонализация творчества (авторское – анонимное). И примерим эти признаки к авторским песням. Получим: по первому признаку это – устная форма песенного творчества, а по второму – авторская, что следует из их названия. Суммируя, имеем краткую формулу, характеризующую вид песенного творчества, свойственного всем авторским песням, любого художественного стиля: «устное авторское песенное творчество». Проведем мысленный эксперимент. Если исключим из полученной формулы слово «устное», получим «авторское песенное творчество», что означает – профессиональная песня. Когда же уберём слово «авторское», получим «устное песенное творчество», т.е. – фольклор. Из сказанного следует, что феномен «авторская песня» по совокупности значений признаков, различающих профессиональное искусство и фольклор, может оцениваться исключительно как срединное явление между ними, предполагая, многослойность художественной культуры, а, следовательно, и песенной.
В данном случае мы логическим синтезом, обратившись к «авторской песне», пришли к выводу о существовании между профессиональным искусством и фольклором третьего слоя, обладающего особыми признаками и свойствами. Этому вопросу, задолго до нас, посвятили свои работы музыковед В. Конен [6] и искусствовед по живописи В. Прокофьев [14, с. 6-28]. Впервые же на схожесть теории В. Прокофьева «О трёх уровнях художественной культуры» с характерными особенностями авторской (бардовской) песни обратил внимание А. Дулов, назвав «третий» уровень по Прокофьеву (по-нашему «средний слой» – Л.Б.) вольным как наиболее независимый «от профессиональных, социальных, идеологических, экономических и даже художественных канонов и условностей в обществе», критерием которого является «абсолютное сохранение независимости своей человеческой. И где-то нравственности, совести своей» [5, с. 3].
Выделим такие привычные признаки авторских песен как незаданность и незаказанность, искренность и доверительность. И потому определим конкретную авторскую песню как «художественное высказывание перед самим собой» (выражение сформулировано по аналогии с тезисом из работы В. Прокофьева). Такое выражение представляется показательным на стадии создания авторской песни, но полученный артефакт и далее, в том же качестве – искренности и доверительности – воссоздается на публике и потому оказывается ей не просто интересным, а вызывающим ответное доверие.
Отсюда получаем первый критерий качества авторских песен: степень доверия, вызываемого авторской песней в контакте ее создателя со зрителем (слушателем). Запомним этот критерий и заметим, что он этического свойства. Неслучайно А. Дулов намеренно подчеркивал, что главная заслуга этой песни «не в эстетической и не в социальной области, а – в этическом служении» [5, с. 3].
Однако достижение главной заслуги авторской песни неосуществимо без соответствующих и сопутствующих художественных выразительных средств. Поставленная цель требует от них адекватности высокой миссии этического служения.
Как создаётся авторская песня? Здесь в уточнённой редакции задана аксиоматика, описанная автором настоящей статьи в работе [2, с. 52-54]:
авторская песня создаётся в пении, осуществляемом собственным природным голосом человека;
создатель авторской песни представляет её как артефакт публично, опять же в пении, как целостное личностное произведение, независимо от того, кто в нем автор стихов (слов) или даже мелодии;
музыкальная составляющая авторской песни получается той, какую в состоянии показать (обозначить) ее создатель собственным голосом;
природные певческие особенности выразительно дополняет гитарный аккомпанемент (встречается фортепьянный или аккордеонный), нередко специфичный у разных создателей песен.
Второй пункт описанного действа определяет слово «авторская» в термине «авторская песня» в двух смыслах: песня, созданная и представляемая автором (создателем) и песня, представляемая от лица автора, т.е. личностная, претендующая на ответное доверие зрителя (слушателя). В такой формулировке снимается вопрос о дихотомии создателей авторских песен. На показательную часть, где присутствуют все четыре признака (музыка, стихи, исполнение, аккомпанемент) и ту, в которой что-то из перечисленного может заимствоваться. Чаще это стихи, но случается и музыка, например, в песне Е. Клячкина «Не гляди назад», созданной на тему музыки М. Зива к кинофильму «Баллада о солдате».
В музыкальном аспекте авторская песня допускает бóльшую широту, чем песня эстрадная или традиционный романс. Здесь распространены и мелодичность, и речитатив, и даже мелодекламация. Причем в одной и той же песне возможны их разные сочетания. Поэтому слово «песня» в данном феномене может толковаться расширительно как общение посредством пения. Это наводит на мысль о допустимости обозначения авторской песни также как «искусства доверительного общения» с базовой формулой «искусство без искусственности». Когда создатель песни не прибегает к искусственным приемам воздействия на зрителя, обладая способностью создавать особенную атмосферу доверия выступающего с залом.
Уточним, создатель авторской песни, по сути, не сочиняет музыку на стихи, а рождает песню как художественное произведение в целом. Это действо носит не сиюминутный характер, а обычно сопровождается подготовительной работой, предварительными набросками, заготовками. Но в любом случае, оно есть творческий компромисс автора с самим собой, даже если песня создана не на свои стихи, поскольку их выбор обусловлен волей создателя песни. «Если кому-то нравится термин «композитор», – пишет С.Я. Никитин, – что ж, и это годится. Но лично мне дорога и важна принадлежность цеху авторской, поэтической песни. А здесь, как известно, нотным текстом дело не ограничивается. Здесь во всём – авторский подход. Прежде всего – выбор стихотворения. Затем как бы его “присвоение” ещё в процессе чтения, нахождения смысловых акцентов, своей интонации. Следующий шаг – попытка отразить всё это в сочиняемой мелодии, её ритмике, гармонии…» [10, 5].
Прямым следствием описанного метода создания авторских песен является присущая им вариативность напева и слов, возможность импровизации при выступлении перед публикой. Ведь создатель авторской песни – сам себе и автор, и режиссёр.
Синтез или синкретизм. Общий творческий метод отечественных бардов по своей природе ориентирован на создание целостного музыкально-словесного высказывания. Ни одна из его составляющих – музыкальная, словесная, исполнение – не претендует на художественную самодостаточность. Единица измерения здесь – песня в целом [3, с. 13].
Представим мысленно такую ситуацию: творчески талантливый человек, обладающий комплексом развитых слухов (музыкальным, поэтическим, ритмическим и др.), сочиняет песню под возможности собственного голоса, не акцентируя внимание на ее последующий публичный показ. К чему он будет органично стремиться? Конечно, к целостности готового произведения, не заботясь о художественных достоинствах отдельных компонент. При устном творческом методе такой результат достигается за счет синкретизма – особого творческого состояния, в основе которого – интуиция, а не синтез музыки, слов, исполнения, оркестрового или иного сопровождения, как это происходит в традиционном профессиональном песенном искусстве, которое, как уже говорилось, фактически является не авторским, а – соавторским.
«Лучшие из наших песен те, в которых найдено своеобразное неразложимое целое, – сформулировал ещё в 1966 году Ю. Ким. – Напечатанные в виде стихов, наши песни многое теряют, они непременно должны звучать. <…> Вот почему я говорю о неразложимом целом. Оно и есть наше выразительное средство» [11].
Но ориентация на достижение неразложимого целого как раз и есть синкретизм, а не синтез. Он был свойствен искусству до разделения труда в искусстве, но оказался востребованным на другом общекультурном и интеллектуальном уровне в наши дни. Возможность существования современного синкретического искусства применительно к авторскому песенному творчеству, по-видимому, впервые предположил М. Анчаров [2, с. 54]. Тогда на вопрос: «что за жанр – авторская песня?», следует ответ: «авторская песня есть не жанр, а вид». Она – вид современного синкретического искусства. Утверждая сказанное, мы полагаем, что в этом искусстве могут присутствовать и другие виды, например, древнее искусство фокуса без применения специальных технических средств. Эстетика «авторской песни» как вида синкретического искусства, как раз и состоит в создании и восприятии «неразложимого целого».
Носителями образности в авторских песнях являются напев, слова и авторская интонация, объединяющая напев и слова в это неразложимое целое, что обеспечивает узнаваемость и отличимость песен современного барда. Речь, конечно, идет о бардах, обладающих собственными авторскими интонациями (исполнительскими и личностными), а не заимствованными у коллег. При этом неотделимыми от авторского исполнения элементами этой песни становятся столь трудно формализуемые понятия как вдохновение и энергетика. То, что необъяснимо, но неизбежно воспринимается зрителями и слушателями на эмоциональном и подсознательном уровнях. В сумме это и есть современное синкретическое искусство, творимое на глазах у публики и, более того, совместно с публикой, поскольку и вдохновение, и энергетика существенно зависят от ее реакции.
Тогда еще одним критерием качества выступает возможность целостного восприятия зрителем (слушателем) авторской песни, заложенная ее создателем. Ведь, чтобы песня воспринималась целостно, она именно с таким внутренне-внешним свойством должна быть создана. Это второй критерий качества авторских песен, и он – эстетического свойства.
Оба указанных критерия качества образуют вместе неделимое единство этической и эстетической основ авторской песни, чем ценно это искусство и в чём его отличие от многих схожих других [3, с.14]. Стоит отметить, что по отношению к конкретной песне предлагаемые качественные критерии не являются однозначными определителями, а служат только ориентирами в пространстве устной песенной культуры, охватываемым авторской песней. Оценка же одной и той же песни разными наблюдателями может различаться, так как зависит от многих факторов, но, прежде всего, от способности к восприятию специфики синкретического искусства как неразложимого целого. Такая способность кому-то дана от рождения, кем-то приобретается опытным путем, навыками. Сложнее приходится профессиональным критикам, искусствоведам и филологам, в музыке или в поэзии, у которых слух «заточен» критически «на автопилоте», на том, чтобы сопоставлять качественные характеристики составляющих песни требованиям художественной самодостаточности, сложившихся в их специализациях. Но и для них признание особенностей, достоинств и ценностей авторской песни стало всего лишь вопросом времени, так как весомый вклад современных бардов в отечественную художественную культуру сегодня почти ни у кого не вызывает сомнений.
Статья подготовлена для журнала «Про ДОД» на основе одноименной публикации в журнале «Образование личности», 2014, №3. С. 128-138.
Литература.
Аудиофайлы, тезисы и тексты докладов из конференции «Авторская песня: вчера, сегодня. Завтра?». URL: www.bards.ru/news_show.php?id=423.
Беленький Л.П. Авторская песня и творческий метод её создания // Обсерватория культуры. Журнал-обозрение. 2012, №4.
Беленький Л.П. Авторская песня – явление отечественной культуры // Воспитательный потенциал авторской песни / Сост. Беленькая Н.А., Беленький Л.П., Голованов В.П., Константинов Ю.С. М., 2010.
Гитара, магнитофон и мы. // Московский комсомолец. 1966, 16 декабря.
Дулов А.А. «А музыке нас птицы приучили…». М., 2001.
Конен В.Дж. Третий пласт: Новые массовые жанры в музыке XX века. М., 1994.
Левин Л.И. Проблемы методологии изучения авторской песни. URL: http://www.youtube.com/v/CqPiJAq2Xsg.
Международный детско-юношеский фестиваль авторской песни «Зеленая карета». URL: www.bards.ru/festival.php?id=611&hist=1335.
Музыка // Музыкальный энциклопедический словарь. М., 1990.
Никитин С.Я. Времена не выбирают: сборник песен / сост. В. Романова. – М., 1994. – 304 с.
Песня единая и многоликая: (Беседа за круглым столом с А. Галичем, М. Анчаровым, Ю. Визбором и др.) / Репортаж вели А. Асаркан и Ан. Макаров // Неделя. 1966, янв. (№1).
Песня // Литературная энциклопедия. Т. 8. М., 1934.
Поэзия и проза. // Литературный энциклопедический словарь. М., 1987.
Прокофьев В.Н. О трех уровнях художественной культуры Нового и Новейшего времени (к проблеме примитива в изобразительных искусствах) // Примитив и его место в художественной культуре Нового и Новейшего времени. М., 1983.
Сергеев Е. Многоборец // Вопросы литературы. 1987, № 4.
Лучшие композиторы-романтики – Классическая музыка
Эпоха романтизма была временем, когда композиторы использовали виртуозность и экспрессию. Многие композиторы эпохи романтизма обращались к таким темам, как природа, сверхъестественное и возвышенное, через постоянно расширяющиеся формы, черпая вдохновение из искусства и литературы. Давайте взглянем на 15 лучших композиторов-романтиков и их произведения.
Лучшие композиторы-романтики
1 Клара Шуман
Клара Шуман была одаренным композитором в то время, когда в профессии преобладали мужчины.Ее карьера началась, когда она была вундеркиндом-пианистом, ее обучал ее отец Фридрих Вик, который настаивал на том, чтобы проводить время, обучая ее гармонии и контрапункту, чтобы она могла продолжать исполнять свои собственные произведения.
Благодаря своему таланту она заняла престижное место в Венском обществе друзей музыки. Несомненно, ее брак с Робертом Шуманом повлиял на ее музыку. Пара была известна тем, что делилась музыкальными идеями друг с другом и со своим близким другом Иоганнесом Брамсом.
Лучших работ:
Три романса для скрипки и фортепиано, 1853
Проявление сложных лирических линий и смелой сложности.

Piano Concerto, 1836
Этот концерт был написан, когда ей было всего 16. Смелая первая часть демонстрирует ее оригинальный голос.

2. Франц Шуберт
Шуберт написал в общей сложности более 600 песен и был в авангарде традиции романтических песен. Он также известен своими захватывающими оркестровыми и камерными произведениями. У Шуберта был дар формировать мелодию и создавать красивые темы.
Лучших работ:
Симфония No.8 ‘Unfinished’, 1822:
Первая фраза происходит от виолончелей и басов, играющих в низком регистре и пианиссимо. После нескольких тактов взволнованные мерцающие струны вступают в игру вместе с более лирической партией гобоя и кларнета. Это темное интровертное начало непохоже на другие симфонии того времени, которые часто начинаются смелым заявлением.

Gretchen am Spinnrade, 1814:
Эта песня изображает девушку, Гретхен, прядущую пряжу и волнующуюся о своих чувствах к своему новому возлюбленному Фаусту.Правая рука фортепианного аккомпанемента занята, но течет, захватывая вращающееся колесо, но также и волнение Гретхен. Вверху плывет плавная вокальная мелодия.
3. Рихард Вагнер
Вагнер был революционным оперным композитором. Он работал в соответствии со своей теорией, согласно которой музыка, поэзия и драма неразделимы. В своей музыке он использовал лейтмотивы. Лейтмотивы – это музыкальные фразы, которые представляют конкретных персонажей, чтобы слушатели могли определить физическое действие в музыке.
Лучших работ:
De Ring de Nibelungen (Цикл кольца), 1876:
Эпическая история о волшебном кольце, распространенная в четырех полнометражных операх.

Вагнер, Кольцевой цикл: Поездка валькирий
Тристан и Изольда, 1865:
Основанный на греческой трагедии двух влюбленных, Изольда и Тристан по ошибке пьют эликсир любви вместо смерти. Это вызывает у пары огромные проблемы, поскольку Изольда обручена с королем.

Вагнер Тристан и Изольда, Прелюдия
4. Иоганнес Брамс
Брамс следовал принципам формы и контрапункта, которые были знакомы композиторам классической эпохи.Однако дух его музыки намного романтичнее. Иногда его музыка очень мрачная и, как известно, ее трудно играть.
Лучших работ:
Концерт для скрипки, 1879:
Этот чрезвычайно виртуозный концерт, полный цыганских интонаций, был написан для скрипача Иосифа Иоахима. Иоахим давал советы Брамсу, когда он сочинял концерт, поскольку у Брамса не было опыта игры на скрипке.

Концерт Брамса для скрипки с оркестром, 1 часть
Ein Deutsches Requiem, 1868:
Написанный в ответ на смерть его матери, полный симфонический оркестр играет в этой обстановке отрывков из лютеранской библии.

Brahms Ein Deutches Requiem, часть 1 ‘Selig Sind’
5. Джакомо Пуччини
Итальянский композитор Пуччини оставил свой след в опере. Его музыка без особых усилий лирична, под влиянием Вагнера и Верди и имеет сходство с более современными композиторами, такими как Дебюсси и Стравинский.
Лучших работ:
La Bohème, 1895:
Трагическая опера рассказывает историю молодого поэта, который влюбляется в швею, но препятствия бедности и болезни мешают ему.

Мадам Баттерфляй, 1904:
История безответной любви. Эмоциональная оценка «Мадам Баттерфляй» отражает душераздирающую историю молодой японской девушки Чио-Чио Сан.

Пуччини Мадам Баттерфляй, Un bel di vedremo
6. Гектор Берлиоз
Музыка Берлиоза часто бывает технически сложной. В то время его использование гармонии считалось нетрадиционным. Он рассматривал гармонию как средство выражения, а не функции.Другими стилистическими качествами являются его использование нерегулярных ритмов и длинных мелодий, в то же время явно находящееся под влиянием классического периода.
Лучшие работы:
Symphonie fantastique, 1830:
Считается стихотворением первого тона, основная тема произведения особенно длинна, длится 30 тактов. Тональная поэма – это оркестровая форма, зародившаяся в эпоху романтизма. Это композиция, основанная на рассказе или программе, на которую обычно ссылается название.

Фантастическая симфония Берлиоза, часть 4: «Марш на эшафот»
Les Nuits d’été, 1834-40:
Цикл песен на стихи Готье. Первоначально написанный для баритона и фортепиано, он также был аранжирован для сопрано и оркестра.

Berlioz, Les nuits d’été, “Le Spectre de la Rose”
7. Антонин Дворжак
Чешский композитор Дворжак в своих ранних сочинениях был экспериментатором.Поскольку его основная работа была альтистом, он не полагался на эти произведения для получения дохода. Его стиль стал более классическим, поскольку на него повлияли работы Листа и Брамса. Его музыка середины 1870-х годов имеет более националистический оттенок, что можно услышать в его «Славянских танцах».
Лучшие работы:
Струнный квартет ми минор, 1868-1869:
Этот струнный квартет, находящийся на пике его экспериментальной фазы, доводит романтическую тональность до предела.

Симфония No.9 «Из Нового Света», 1892-95:
Эта симфония содержит ряд запоминающихся тем, пользующихся огромной популярностью у публики. Дворжак написал это после того, как занял должность директора Национальной консерватории в Нью-Йорке в 1892 году. В произведении чувствуется влияние американской музыки и культуры.

Симфония Дворжака № 9, 2-я часть
8. Жан Сибелиус
Изучая литературу, финский композитор открыл для себя «Калевалу», мифологический эпос о Финляндии.Это повлияло на его сочинение, так как многие его тональные стихи вдохновлены им, в том числе Сюита Лемминкяйнен. Музыка Сибелиуса стала очень популярной в Европе, и он получал зарплату от правительства, которая позволяла ему жить комфортно и продолжать сочинять.
Лучших работ:
Концерт для скрипки, 1904:
Это произведение Сибелиус хотел сыграть, так как сам был скрипачом. К сожалению, он не обладал техническими способностями играть в нее.

Концерт Сибелиуса для скрипки, 1 часть
Finlandia, 1899:
Националистическая поэма, призывающая Россию позволить Финляндии оставаться независимой.Сегодня это произведение считается неофициальным государственным гимном страны.

9. Феликс Мендельсон
Феликс Мендельсон был самым талантливым вундеркиндом всех времен. В пятнадцать лет его учитель утверждал, что таланты Мендельсона не уступают талантам Баха, Гайдна и Моцарта. Его музыка сочетает в себе элегантность и баланс классической эпохи, но при этом вызывает фантазию романтика.
Лучшие работы:
Концерт для фортепиано с оркестром № 1, 1831:
Концерт был вдохновлен поездкой Мендельсона в Италию (1830–31).Премьера произведения была триумфальной, Мендельсон сам играл на фортепиано.

Увертюра «Сон в летнюю ночь», 1826:
Музыка была написана для сопровождения пьесы Шекспира , и ее увертюра быстро стала популярной в Европе.

10. Фанни Мендельсон
Фанни Мендельсон была старшей сестрой Феликса Мендельсона. Несмотря на то, что ее часто не замечают, она написала около 500 блестящих работ. Как женщину, ее не поощряли заниматься музыкой в качестве карьеры, как ее брат, поэтому у нее не было таких же возможностей для путешествий и образования.Тем не менее, в ее музыке есть сложная виртуозность, проявленная ее современниками-мужчинами. Ее работы легкие и уравновешенные по характеру.
Лучших работ:
String Quartet, 1834:
Квартет начинается с коротких фраз, которые передаются между исполнителями, создавая эффект эха. Вторая часть наиболее яркая и демонстрирует влияние барокко. Финальное движение – самое трогательное из трех.

Увертюра на C:
Единственное оркестровое произведение Фанни Мендельсон демонстрирует ее характерную грациозность наряду с виртуозными струнными партиями.

11. Густав Малер
Малер наиболее известен своими девятью полными симфониями. Современники не высокого мнения о нем, обвиняя его в болезненном, своенравном и производном. Но на самом деле Малер – синтезатор музыки. Он объединяет народную музыку, военные марши, вальсы, хоралы и Lieder .
Лучшие работы:
Симфония № 2, 1888-94:
Симфония рассказывает историю жизни.Он огромен по масштабу – полтора часа. Он написан для симфонического оркестра, двух вокалистов и хора.

Симфония Малера № 2, 1-я часть
Симфония № 9, 1909:
Это была последняя законченная симфония Малера. Он выражает сложные чувства человека, приближающегося к концу своей жизни, и особенно острый, поскольку сам Малер умер вскоре после того, как сочинил его.

Симфония Малера № 9, 4-я часть
12.Чайковский Петр Ильич
Русский композитор Чайковский известен своей богатой оркестровкой и мелодичными мелодиями. Он был чрезвычайно плодовит, написал 7 симфоний, 11 опер и 3 балета. Он также писал концерты и камерную музыку.
Мы назвали Чайковского одним из лучших композиторов балета
Лучших работ:
Щелкунчик, 1892:
Третий балет Чайковского основан на рассказе немецкого писателя-фантаста ЭТА Гофмана.«Щелкунчик» новаторский с точки зрения звуков, которые Чайковский использует в оркестре. В Танец феи сахарной сливы он использует челесту. Чайковский слышал один в Париже в 1891 году и попросил своего издателя купить его, надеясь сохранить это в секрете, чтобы никто из русских не сочинял музыку для инструмента перед ним.

Чайковский Щелкунчик, «Танец феи сахарной сливы»
Концерт для фортепиано с оркестром № 1, 1874-75:
Начальные аккорды этого концерта – одни из самых известных в истории.Первая часть в высшей степени виртуозна, а вторая больше сосредоточена на взаимодействии фортепиано и оркестра. Финальная часть – мощное рондо.

Чайковский Концерт для фортепиано с оркестром № 1, часть 1-я
13. Роберт Шуман
Немецкий композитор Роберт Шуман был известен своей фортепианной музыкой, песнями и оркестровыми произведениями. До женитьбы Шуман в основном считался композитором-миниатюристом из-за его любви к написанию коротких фортепианных пьес и песен.Большая часть его музыки вдохновлена литературой и стихами.
Лучшие работы:
Фортепианный квинтет ми-бемоль, 1842:
Квинтет Шумана для фортепиано и струнного квартета известен своими инструментами, которые позже стали популярными такими композиторами, как Брамс и Элгар.

Kreisleriana, 1838:
Набор из восьми пьес для фортепиано соло. Шуман посвятил их Шопену и видел в них свои лучшие работы. Они были вдохновлены рассказами писателя-романтика ЭТА Хоффманна.

14. Фредерик Шопен
Польский композитор Фредерик Шопен был пианистом-виртуозом, вундеркиндом и мастером романтической композиции. Большая часть его музыкальных произведений была для фортепиано, он написал 59 мазурок, 27 этюдов, 27 прелюдий, 21 ноктюрн и 20 вальсов.
Лучших работ:
24 прелюдии, соч. 28:
Как и в «Хорошо темперированном клавире» Баха, Шопен последовательно перебирает каждую клавишу. Фигуры очень короткие, но наполненные характером.

Прелюдия Шопена № 15, «Дождевая капля»
Polonaise-Fantaisie, 1846:
Начало этой десятиминутной пьесы дает ощущение импровизации. Средняя часть – это колыбельная, которая затем возвращается к основной теме. Произведение завершается смелым росчерком, который внезапно гаснет, заканчивая парой трелей.

15. Джузеппе Верди
Верди наиболее известен своими 25 знаменитыми операми, в том числе «Травиата» и «Фальстаф».Его карьера по-настоящему пошла вверх после его первой оперы «Оберто», которая была поставлена в оперном театре Ла Скала в Милане в 1839 году. Оперный театр Ла Скала предложил ему контракт на постановку еще трех опер сразу после этого.
Лучших работ:
«Травиата», 1853:
«Травиата» основана на пьесе Александра Дюма «Дама с камелиями» и остается самой популярной оперой Верди.

Верди Травиата, Бриндизи (Застольная песня)
Реквием, 1874:
В Миланском соборе состоялось первое исполнение мессы Реквиема Верди.Он написал его в честь известного романиста и поэта Алессандро Мандзони, умершего в 1873 году. Реквием демонстрирует композиторские способности Верди за пределами оперной области.

Verdi Requiem, Dies Irae e Tuba Mirum
Руководство по стилю Apple Music
Общие
3.1. Точность. Названия должны быть точными и правильно отформатированы. Не используйте общие заголовки, такие как «Дорожка 1», «Дорожка 2» или «Инструментальная», если они не являются фактическими названиями дорожек или мелодий звонка.
3.2. Дополнительная информация. Стандартная оригинальная версия альбома, трека или музыкального видео не должна содержать никакой дополнительной информации в заголовке, если только она не требуется для идентификации содержимого.
Например, заголовки не должны включать Эксклюзив, Ограниченное издание, Версия альбома, Оригинальный микс, Тон, Сигнал предупреждения, Тон текста, Мелодия звонка, Версия мелодии звонка, Электронная версия, Только в цифровом виде, Загрузка в цифровом виде, Цифровой сингл, Электронный альбом, Комплект из 2 компакт-дисков, с текстами песен, клипами из, официальным музыкальным видео, полным видео с песней или полной версией.
Не отправляйте информацию о версии заголовка, которая уже отмечена значками Apple Music или iTunes. Apple Music или iTunes отображают значок или рекламное объявление для следующего, поэтому названия не должны включать:
Чистая версия
явная версия
Apple Digital Masters
I
92 Правильно 95
Неправильно
Причина
New York Eye & Ear Control
New York Eye & Ear Control (1964)
Включает дату выпуска
10 9040ns Клуб (feat.Ricky J)
Dawns Welcome to the Club – Альбом (с участием Рики Дж.)
Включает «Альбом»
Я буду гулять один в толпе
12. ‘ll Be Walking Alone in a Crowd
Включает номер трека
Campus Girl – Сингл
Campus Girl (Продюсер TJ Douglas) – Сингл
альбом Включает дополнительную информацию на уровне
Shadow
Shadow – Rock Top 40 Инди-поп
Включает поисковые запросы
Draw the Line
Aerosmith 904 – Информация об исполнителе
3.3. Одиночный разряд. Альбом должен быть идентифицирован как сингл, если он содержит от одной до трех песен продолжительностью менее 10 минут каждая. «- Сингл» должен стоять в конце названия. Если «- Single» не входит в заголовок, мы добавим его автоматически.
Примечание : видео не считаются песнями.
3.4. EPs. Альбом должен быть идентифицирован как EP, если он содержит:
От одной до трех песен с одной песней продолжительностью не менее 10 минут и общей продолжительностью 30 минут или меньше
От четырех до шести песен с общим количеством продолжительность не более 30 минут
«- EP» должно стоять в конце названия.Если «- EP» не входит в заголовок, мы добавим его автоматически.
Примечание : видео не считаются песнями.
3.5. Продукты One-Track. Продукты с одним треком должны иметь совпадающие названия альбомов и треков, включая скобки или скобки. Единственное исключение – добавление «- Single» в название альбома. Кроме того, вся информация об исполнителе для продуктов с одним треком должна быть единообразной на всех уровнях альбома и трека.
Название альбома
Busy Earnin ‘- Single
Название дорожки
02 9405 908 .6. Информация о версии альбома. Если существует несколько версий альбома, используйте версию названия альбома, чтобы указать правильную версию.
Если альбом предлагает больше контента, чем стандартная версия альбома (например, дополнительные треки или бонусное видео), укажите разницу в заголовке. Если аудиоверсия CD + DVD доставляется в Apple Music или iTunes, название альбома должно включать термин «Аудиоверсия». Альбом, содержащий только музыкальные видеоклипы, должен иметь пометку «Видеоальбом» в названии альбома.
Endless
1010 Версия буклета
27. Ссылки на несколько версий. Контент, который требует нескольких пояснительных ссылок в названии (например, концертные EP, саундтреки, концертные альбомы и т. Д.), Должен иметь первую пояснительную ссылку, заключенную в круглые скобки («()»), а любые дополнительные ссылки должны быть заключены в скобки ( ”[]”). Обратите внимание, что при доставке контента с использованием поля версии заголовка скобки и скобки будут применяться Apple автоматически.
Версия
Пример
Версия бонусного трека
Sade обязательная (версия бонусного трека)
Edition)
Расширенная версия
Tear the Roof Up (Extended Version)
Версия бонусного видео
Mi Quimera (
цифровая версия Bonus Video)
Опавшие листья и мертвые воробьи (дополнительная версия цифрового буклета)
Аудиоверсия
Празднование – живое выступление на SSE Hydro Glasgow (Аудиоверсия)
Б. о. Б. и Йо Готти) [Bonus Track]
Название трека
All of Me (Tiësto’s Birthday Treatment Remix) [Radio Edit]
Название трека
Название трека
(Love Is Like A) Heat Wave [в стиле Марты Ривз]
3.8. Несколько альбомов и попурри. Несколько названий альбомов или треков в поле названия должны быть разделены косой чертой. Обратите внимание, что вы должны поставить пробел до и после косой черты.
Название альбома
The Sunset Sleeps / Hometown Gypsy – Сингл
Название альбома
Blood on the Time
Blood on the Time Разум
3.9. Форматирование. Форматирование заголовков в серии должно быть согласованным. Дескрипторы, такие как Part и Volume, следует сокращать с помощью Pt. и “Vol.” Заголовки должны быть отформатированы как «Заголовок, том. x »и« Заголовок, Pt. x », где x – число.
Название альбома
Dead Presidents, Vol. 1
Название дорожки
The Payback, Pt. 1
3.10. Отслеживайте информацию о версии. Все названия треков, исполняемые одним и тем же исполнителем в альбоме, должны быть уникальными, за исключением разных версий одного и того же трека, которые различаются тегами Parental Advisory. Чтобы различать несколько версий одного и того же названия трека, используйте термины в круглых или квадратных скобках, например:
Альтернативный дубль (например, 1, 2 и т. Д.)
Live
Инструментальная
Одиночная версия
Radio Edit
Mix Special Format (например, 12 “Mix)
Extended
Версия даты сеанса (например, версия 1947)
Не завершено
Репетиция
Разбивка
Мужской версии
Для информации о версии названия трека следует использовать стандартные варианты написания без сокращений.
3.11. Перезаписанные версии. Если трек перезаписывается, название трека должно включать «Rerecorded». Перезаписанный трек может быть скрыт по редакционным причинам, если исходная «хитовая» версия находится в Apple Music или iTunes.
Название альбома
В ночном тишине (перезаписанная версия)
Название дорожки
из
Название альбома
The Legend of the Drifters (перезаписанная версия)
Название трека
Stand by Me (3)12. Обновленные версии и новые миксы ранее выпущенных записей. Год ремастеринга должен быть включен в титульную версию, чтобы правильно указывать версию мастера. Например, версия 2017 Remastered. Альбомы или треки, обозначенные как Remastered в заглавной версии, должны поставляться с первой известной датой выпуска исходной версии записи.
В случаях, когда был создан совершенно новый микс для ранее выпущенного альбома, альбом также должен быть доставлен с первой известной датой выпуска исходной версии альбома.Также следует отметить год выпуска нового микса. Например, 2013 Mix.
3.13. Информация о версии саундтрека. Саундтреки и партитуры должны включать информацию о версии в названии альбома, заключенную в круглые или квадратные скобки.
O.S.T. аббревиатуру не следует использовать в качестве названия альбома или версии песни для партитур, фильмов, телепередач, мюзиклов или видеоигр.
Если дорожки составлены из разных звуковых дорожек, название каждой дорожки должно указывать на звуковую дорожку (из «Названия звуковой дорожки»).
Синглы из саундтрека должны иметь тот же альбом и название трека в формате Название трека (из «Название фильма»).
Ремиксы саундтреков не должны включать название фильма, если трек не из оригинального саундтрека.
Мюзиклы должны указывать год и место исполнения или выпуска. Не используйте слово «Оригинал», если представление не является первоначальной постановкой или выпуском постановки.
2 9010 of the Galaxy (Оригинальная партитура)
Название альбома Версия
Пример
Оригинальный саундтрек к фильму
Interstellar (Исходный саундтрек к фильму)
Музыка, вдохновленная фильмом
Dazed & Confused (Музыка, вдохновленная фильмом)
Оригинальный Off-Broadway Cast 3
Опера (Оригинальный Off-Broadway Cast)
Саундтрек из оригинальной игры
Dragon Age Inquisition (Оригинальный саундтрек к игре)
Музыка из оригинального сериала
Cosyssey: A Space Музыка из оригинального сериала), Т.1
Музыкальные видеоклипы, взятые из музыкальных фильмов, должны содержать версию названия, которая относится к фильму, например (Из «Название фильма»).
Основное название (из «Игры престолов»: сезон 7)
Основное название (из саундтрека «Волшебник из страны Оз»)
Летающая тема (из «Инопланетянина»)
Люк и Лея (из «Возвращения джедая»)
Информацию на китайском языке см. в 10.5 Формат информации о версии заголовка для китайских саундтреков и партитуры.
3.14. Информация о версии DJ-миксов. Альбомы DJ Mix должны содержать заглавную версию «DJ Mix» в информации о версии на уровне альбома. Смешанные треки, появляющиеся в DJ Mix, должны включать заглавную версию [Mixed] после всей остальной информации о версии.
Название альбома
Bargrooves Summer 2018 (DJ Mix)
Исполнитель альбома
White
Не могу насытиться! (Dr Packer Extended Remix) [Mixed]
Track Artist
Soulsearcher (Primary)
Dr Packer (Remixer)
Eric Mathews (Composer)
Pposer
Gary Turner (Composer)
Gary Turner (Composer) (Композитор)
Название трека
Caught Up (feat.Yasmeen)
[Kings of Tomorrow Remix] [Mixed]
Исполнитель трека
Sonny Fodera (Primary)
Yasmeen (с участием)
Kings of Tomorrow (Remixer) 9000 )
Ясмин Сулиман (автор песен)
3.15. Ремиксы Коллекции Информация о версии. Альбомы, представляющие собой сборник ремиксов на один и тот же трек, должны указывать это в названии альбома.Чтобы избежать одинаковых названий треков, названия должны включать достаточно информации о ремиксах, чтобы их можно было различить.
Если в исходной песне фигурирует исполнитель, ремикс должен быть отформатирован как «Название (feat. Artist) [Remix]». Если исполнитель не указан в оригинальной песне, ремикс должен быть отформатирован как «Название (Ремикс) [feat. Художник].”
. Информация о версии записи в реальном времени. Если звук из живой записи, версия заголовка должна быть обозначена как «Live». Следует использовать версии для конкретных территорий («Ao Vivo» на португальском языке и «En Vivo» или «En Directo» на испанском языке). Не используйте «Live» для Standup / Comedy альбомов.
Живые альбомы, альтернативные записи, редкие записи, ранние записи, радиопередачи, интервью и другие альбомы, обычно называемые «бутлегами», могут быть скрыты по усмотрению редакции.
Если версия включает время и место проведения, она должна быть отформатирована как «Текущее в месте», «Год / дата». Например:
One More Saturday Night (Концерт в Palladium, Нью-Йорк, 1977)
One More Saturday Night (Концерт в Red Rocks Amphitheatre, Моррисон, Колорадо, 8.07.1978)
Чтобы музыкальные клипы считались живыми, аудио и видео должны совпадать и быть из одного и того же исполнения.Предварительно записанный звук, настроенный для другого исполнения, не считается живым.
3.17. Караоке, Дань, Японский Оргел, Пародия и Рингтоны. Название альбома не должно начинаться с оригинального имени исполнителя.
Например, «Kelly Clarkson: The Bluegrass Tribute» не является приемлемым названием альбома. Вместо этого отформатируйте заголовок как «Дань памяти Блуграсс Келли Кларксон».
Название альбома
Танцы в ключе жизни (ремиксы)
Название трека
Танцы из жизниАЙК. Push Remix)
Dancing in the Key of Life (Michael Gin Remix)
Название альбома
Somebody That I Used to Know (feat. Kimbra) [Tiësto Remix10]
904
Название трека
Somebody That I Used to Know (feat. Kimbra) [Tiësto Remix]
Название альбома
Alors on danse
Название трека
Alors on danse (feat.Канье Уэст) [Remix]
Alors on danse (feat. Erik Hassle) [Remix]
Alors on danse (Solo Remix)
5 (
ary South Hollis) Primary South
(
10) South Hollis
Название альбома
Дань уважения Бобу Сегеру
Исполнители альбома
Название альбома
Here Comes the Sun: Reggae Tribute to The Beatles
Артисты альбома
Steel Burning
Названия треков или рингтонов для каверов, оргелей, пародийных песен или трибьютов не должны содержать ссылок на оригинального исполнителя.Не используйте такие фразы, как «Первоначально исполнено», «В стиле», «Дань уважения» или «Кавер-версия».
Названия треков караоке могут содержать ссылку на оригинального исполнителя. Вы должны использовать поясняющие формулировки, чтобы потребители не подумали, что эти артисты выступают. Вы должны использовать такие фразы, как «Первоначально исполнено … (исходное имя исполнителя)».
В названиях караоке-альбомов и треков должно быть указано, что они являются инструментальной или караоке-версией.
Инструментальный стоп Инструментальная версия)
Версия
Пример
Версия караоке
Граната (версия караоке)
Версия караоке
Маргарита (версия караоке)
3.18. Бесшумные, скрытые и призрачные треки. Тихие, скрытые и призрачные треки должны быть четко обозначены в названии трека.
2
4
Версия
Пример
Бесшумная гусеница
Outro (Silent Track)
. Масео Паркер) [Скрытый след]
Призрачный путь
Открой мои глаза (Призрачный след)
3.19. Исполнение, минусовка и разделение треков. Если дорожка является дорожкой исполнения, дорожкой сопровождения или разделенной дорожкой, эта информация должна быть включена в заголовок.
3.20. Название буклета. Название цифрового буклета должно иметь формат: Цифровой буклет – название альбома.
Кожух и акценты
3.21. Нестандартное использование заглавных букв. Заголовки не должны быть заглавными, строчными или случайным.
3.22. Английский заголовок корпуса. Заголовки на английском языке должны быть в формате заголовка и соответствовать правилам использования регистра, как указано ниже. Кроме того, для английского языка слова до и после тире (-), косой черты (/) или двоеточия (:) должны быть заглавными.
Этот раздел относится только к заголовкам на английском языке. Для общих случаев, не рассмотренных в этом руководстве, обратитесь к Чикагскому руководству по стилю.
Следующие слова должны быть в нижнем регистре, за некоторыми исключениями:
a, an, and, as, but, from, nor, of, or, so, the, to, and still.
Предлоги из четырех или менее букв (at, by, for, from, in, into, of, off, on, on, out, over, to, up и with), кроме случаев, когда слово является частью глагольная фраза или используется как другая часть речи (например, наречие, прилагательное, существительное или глагол).
Примеры:
В тишине ночи
(Ты заставляешь меня чувствовать себя А) Натуральная женщина
Быть или не быть
Единственная и Только
Бог хочет и ручей не поднимается
Неприятности
Любовь: и миллион других вещей
Путешествие: величайшие хиты
Мне нужен доктор
Мне нужен доктор
Как раз такой, какой вы есть
В ожидании конца
Баллада о Моне Лизе
Потерянный в глазах
Я получил любовь – Сингл5
Я ищу
Исключения для строчных слов
Всегда пишите первое и последнее слово в заголовке с заглавной буквы.Сделайте первое и последнее слово в круглых скобках с заглавной буквы. Например:
Эти правила также применяются к словам с намеренными ошибками.
In da House
Kill ‘Em n’ Grill ‘Em
It’s fo’ Realz
Заглавные слова в заглавном регистре
Являются, если, Is, It, Than, That, Это
3.23. Акценты и персонажи. Поддерживаемые языки должны включать все диакритические знаки. Список поддерживаемых языков см. В разделе «Коды языков» в музыкальной спецификации пакета iTunes.
Примеры:
Hôtel d’Angleterre
Révérence
Kärlek är ett brev skickat tusen gånger
plus belles chansons françaises
Un monstre à Paris! (du film «Un monstre à Paris»)
Vài Lần Đón Đưa
Для немецких имен и названий должны использоваться все символы, используемые в немецкой орфографии (например, Ä ä, Ö ö, Ü ü, SS).Не используйте диграфы.
55
Правильно
Неправильно
Ihre größten Erfolge
Ihre größten Erfolge

7 известных произведений русской классической музыки, которые вы должны послушать
Знаменитые произведения русской классической музыки
От национального мастерства Большой пятерки до всемирно известных балетов Прокофьева, Чайковского и Стравинского, Русская музыка и культура оказали критическое влияние Западная классическая музыка.Хотя Россия в своем искусстве имеет корни в западной культуре, многие композиторы черпали вдохновение в местных сказках, литературе и идеях.
Русская музыка конца XIX века зародилась во время националистических идеалов, охвативших Европу. Композиторы, подобные Листу и Шопену, приехавшие с родины, где доминировал Запад, стремились развивать музыкальные стили своей родины. Ниже приведены некоторые работы, которые произошли от этих стилей и которые сегодня звучат в России и во всем мире.
Знаменитые произведения русской классической музыки
1. Увертюра из балета Руслан и Людмила
Михаил Глинка

Глинка был одним из первых русских композиторов, которые начали отход от традиционного западного стиля развитие националистического «русского» звучания. Хотя работа не была хорошо принята во время своего дебюта, она стала одним из основных элементов русского музыкального канона. Артистизм Глинки лег в основу всей остальной русской классической музыки.
Как и другие русские оперы, последовавшие за ним, сюжет основан на рассказе Александра Пушкина. История также восходит к русским корням, исследуя языческую Россию, где играют роль магия и царства. Увертюра к опере – самое узнаваемое произведение из произведения.
2. «Великие ворота Киева» из Картинки с выставки
Модест Мусоргский

Мусоргский вместе с Михаилом Балакиревым, Цезарь Цуй, Александр Бородин и Николай Римский входил в состав могучей кучки , , известной на Западе как «Могучая пятерка».Эти композиторы сильно отдавали предпочтение традиционным народным влияниям перед современным поздним романтизмом Запада, опираясь на прошлые традиции (включая Глинку) для своего влияния. Мусоргский также известен тем, что написал Борис Годунов , его единственную полную, но революционную оперу
После смерти близкого друга и архитектора / художника Виктора Гартмана в 1874 году Мусоргский был перемещен, чтобы отметить свою дружбу новой композицией. Он написал сюиту для фортепиано из десяти пьес по мотивам выставки посмертного искусства Хартманна.Самые известные, «Великие Киевские ворота», представляют собой картину «Богатырские ворота».
3. Лебединое озеро
Чайковский

Чайковский был выдающимся русским композитором, написавшим много замечательных произведений классической музыки, в том числе скрипичный концерт, несколько великих симфоний и любимую рождественскую музыку . Щелкунчик. Премьера балета «Лебединое озеро» состоялась в Москве в 1877 году. Хотя во время своего дебюта балет не пользовался такой популярностью, этот балет был показан в Москве и в конце концов достиг американской сцены в 1940 году.
Длится почти два часа и разделен на четыре акта. История рассказывает о любви принца Зигфрида и принцессы-лебедя Одетты, проклятой колдуном жить как человек ночью и как лебедь днем. Через несколько сложных ситуаций, возникающих в этом конфликте между добром и злом, принцесса наконец освобождается от чар и навечно соединяется с принцем.
4. Танец рыцарей из Ромео и Джульетта
Сергей Прокофьев

Прокофьев активно сотрудничал с балетами, а также известен другими произведениями, в том числе всемирно известной детской работой Петра и Wolf . Танец рыцарей, также называется Монтекки и Капулетти, – центральный момент балета.
Прокофьев изначально изменил трагический финал пьесы Шекспира на финал, в котором оба влюбленных, скрещенных звездами, живут долго и счастливо. Однако это изменение шокировало советских чиновников, которые впоследствии закрыли проект. Сергею Прокофьеву, наряду со Стравинским и Хачатуряном, также не доверяли, и он был нацелен на композиционный стиль, выходящий за рамки современного советского идеала для искусства.
5. Le Sacre du Printemps (Весна священная)
Игорь Стравинский

Стравинский ранее работал с великим балетным импресарио Сергеем Дягилевым над двумя произведениями:
72 Петрушка. Третий балет по заказу Дягилева, Весна священная , премьера которого состоялась в 1913 году для высококлассной парижской публики. В это время другие композиторы, такие как Барток, черпали вдохновение в необработанных и животных частях души или в стиле примитивистов.Стравинский включил эти идеи в свою композицию.
Рассказывают, что на балет пришлось явиться полиции, чтобы разогнать беспорядки и явно вызвали недовольство публики. Вацлав Нижинский, очень талантливый, но неоднозначный танцор, поставил балет, который предстал перед публикой как ударный топанье и уродливая техника. Начиная с 4:36 в видео, балет рассказывает историю древней языческой общины в России, которая каждый год приносит в жертву молодую девушку. Метод жертвоприношения? Танцы до смерти.Открывая балет, «Танец юных девушек» – широко известная часть, включающая резкую синкопу и подобную хореографию, отсылающую к идее примитивизма.
6. «Ленинградская симфония», Симфония № 7
Дмитрий Шостакович

Первые три части своей седьмой симфонии Шостакович написал во время работы в Ленинградской консерватории (ныне Санкт-Петербург) . Даже столкнувшись с давлением нацистского вторжения в Россию в 1941 году, он продолжал сочинять музыку и работать с другими музыкантами.В конце концов он сбежал в Москву, а затем в Куйбышев, где закончил писать последнюю часть симфонии. Ленинградская симфония стала связующим звеном в России против сил вторжения и транслировалась по всему миру во время Второй мировой войны.
Шостакович как композитор сочинял произведения, охватывающие несколько жанров, включая неоклассику, поздний романтизм и другие музыкальные эклектики. Вся симфония длится час и воплощает в себе художественное выражение Шостаковича войны, террора, глобальной политики и сопротивления вторжению.Несмотря на то, что его музыка в свое время имела критику (даже была запрещена в Советском Союзе после подъема идеологического подъема ждановщины), он считается одним из величайших композиторов двадцатого века.
7. Поэма экстаза
Александр Скрябин

Скрябин был неоднозначным композитором, подтолкнувшим развитие музыки к современности. Рожденный с синестезией, где он ассоциировал цвета со звуками, он в конечном итоге разработал атональную систему музыки, очень похожую на систему Шенберга.Однако как пианист он находился под сильным влиянием Шопена и написал много произведений для фортепиано. Его великие оркестровые произведения, Прометей, и Поэма экстаза, демонстрируют его мистическую гармоническую композиционную технику.
Читайте также:
BBC Radio 3 – Композитор недели, Петр Ильич Чайковский (1840-1893), Русские корни
На этой неделе Дональд Маклауд размышляет о пяти аспектах Чайковского. Его исконные русские корни были для него предметом большой гордости, но насколько русским композитором он был?
В России XIX века музыка была ключевой составляющей национальной идентичности.Богом был Михаил Иванович Глинка, первый русский композитор, полностью вышедший из тени итальянцев – Арайа, Боннечи, Локателли, Галуппи, Манфредини, Паизиелло, Сарти, Чимароза и других, которые с тех пор несли свою оперную традицию в Санкт-Петербург. первая половина прошлого века. Музыка Глинки звучала по-настоящему «по-русски» и задавала стандарты, по которым более поздние композиторы либо жили, либо от них отходили. Даже при его жизни и на пике своего успеха музыка Чайковского считалась некоторыми влиятельными комиссарами по культуре, в частности, неким Владимиром Стасовым, как недостаточно русская.По словам Стасова, Чайковский «не нес в своей музыкальной натуре« национального »элемента и был с головы до ног космополитичным и эклектичным». Стравинский, писавший почти через 30 лет после смерти Чайковского, все еще чувствовал необходимость защищать свою русскость: «Музыка Чайковского, которая не всем кажется русской специфически, столь же русская, как стихи Пушкина или песня Глинки. Не взращивая специально в своем искусстве «душу русского крестьянина», Чайковский бессознательно черпал из истинных, популярных источников нашей расы.”
Шестнадцать песен для детей, соч. 54 (№ 10, «Колыбельная в бурю»)
Джоан Роджерс, сопрано
Роджер Виньоль, фортепиано
Скерцо по-русски, соч. 1 № 1
Эрл Уайлд, фортепиано
Симфония № 2 («Маленькая русская») (2-й квартал, Andantino marziale, quasi moderato)
Оркестр Новой филармонии
Клаудио Аббадо, дирижер
Струнный квартет No 1 ре мажор, соч 11 (2-й квартет, Andante cantabile)
Heath Quartet
Всенощное бдение (№ 16, Великое славословие)
Хор Латвийского радио
Сигвардс Клава, директор
Год 1812, Op 49
Миннеаполисский симфонический оркестр
Духовой оркестр Миннесоты
Бронзовая пушка, Дуэ, Франция (1775)
Колокола Лоры Спелман Рокфеллер Мемориальный карильон, Риверсайдская церковь
Антал Дорати, дирижер
Шесть романсов, соч. 6 (№ 6, «Никто, кроме одинокого сердца»)
Николай Гяуров, бас
Златина Гяуров, фортепиано
Продюсировал Крис Барстоу
Показывай меньше
Сцена коронации из оперы Модеста Мусоргского “Борис Годунов” в редакции Римского-Корсакова | Путеводитель по архивам Молденхауэра | Статьи и очерки | Архивы Молденхауэра
Группа русских композиторов, которая начала собираться после 1857 года, в которую входили Милий Балакирев, Сезар Кюи, Модест Мусоргский, Николай Римский-Корсаков и Александр Бородин, стала известна как могучая кучка (буквально «могучая маленькая»). heap, который традиционно переводится на английский как «могучая горстка» или просто «пятерка») после того, как этот термин впервые появился в русской прессе в 1867 году для описания этой разрозненной конфигурации композиторов.Объединенные эстетическими идеями, основанными на отказе от западных музыкальных форм и создании исконно русской музыки, они были вдохновлены богатым культурным наследием страны и опирались на него – эстетика, полученная непосредственно из того, что было установлено Михаилом Глинкой несколько десятилетий назад. .
Поскольку наиболее подходящий компонент этого культурного наследия для создания националистической музыки был найден в народных песнях, неудивительно, что творческий импульс каждого члена The Five нашел свое наиболее естественное и мощное выражение в вокальной среде. музыка, вокальная традиция в России особенно сильна из-за традиционного исключения музыкальных инструментов в службах Русской Православной Церкви.
Два самых независимых мыслителя «Пятерки», Мусоргский и Римский-Корсаков, первыми отошли от жестких принципов национализма в музыке, которых придерживался волевой Балакирев. Однако, помимо общей независимости мысли, жизни, личности и музыка этих двух композиторов следовали совершенно разными путями.
Пожизненное увлечение Модеста Мусоргского социальными проблемами отражено в его музыке с помощью нескольких новаторских приемов, разработанных для передачи чувства психологической глубины в его изображении обычного человека.Эти техники были наиболее полно реализованы в году «Борис Годунов », где формальные музыкальные структуры и оркестровка стали более импровизационными и менее ограничительными по своей природе, что подчеркивало нюансы мыслей, чувств и личностей персонажей оперы. Избегали посторонних музыкальных эффектов, не способных продвинуть драматическое действие сюжета или дать более полное представление о психологии персонажа. Вдохновленный примерами как Глинки (который сорок лет назад ввел русские элементы в итальянские оперные модели), так и Александра Даргомыжского (который выступал за оригинальный, но ограничительный «перевод» в музыку интонаций разговорного русского языка), Мусоргский задумал создание «художественное воспроизведение человеческой речи во всех ее тончайших оттенках, то есть звуков человеческой речи, , как внешних проявлений мысли и чувств… »Это был музыкальный идеал композитора: воспроизведение речи в том виде, в котором она говорилась крестьянином, пьяницей, старухой, ребенком, дворянином, то есть совершенное воплощение« живой прозы в музыке ». и овладение «языком человечества», поскольку он наиболее ярко отражал бы психологическое состояние персонажа. Контуры, ритм и общий характер такого музыкального материала идеально передавали бы атрибуты и личность каждого персонажа. Чтобы отразить характер произведения врожденная «русскость», этот музыкальный материал в формировании мелодии включал в себя элементы народной песни, а не прямые цитаты из фольклорного материала.
В 1868 году на собрании в доме Людмилы Шестаковой (сестры Глинки) и во время работы над экспериментальной оперой по опере Николая Гоголя Женитьба Мусоргский познакомился с Владимиром Никольским, профессором русской литературы и авторитетом. по творчеству Пушкина. Никольский предложил композитору рассматривать пушкинский Борис Годунов как возможный сюжет для оперы. Воображение Мусоргского сразу ухватилось за эту идею; он отказался от своей работы над The Marriage (завершенной только в первом акте), и на следующий год его вдохновение лихорадочно выливало материал для того, что в конечном итоге превратится в общепризнанный шедевр.
Драма Пушкина, написанная в 1824 году в период политического изгнания, испытала, как и многие произведения Пушкина, националистические, а также классические западные идеалы, причем первое влияние в данном случае было произведением русского писателя и поэта Николая Карамзина. . Его История государства Российского состоит из двенадцати томов, вышедших в период с 1816 по 1826 год. Именно здесь Пушкин нашел историю средневекового русского правителя Бориса Годунова. Мусоргский устранил сложность постановки двадцати двух отдельных сцен Пушкина, уменьшив их количество до семи.Сначала эти семь независимых сцен кажутся довольно разрозненными; Однако при более внимательном рассмотрении становится понятно, что драматический элемент, принесенный в жертву посредством сжатия, более чем компенсируется драматическим воздействием, создаваемым тонким накоплением деталей о жизни и личностях персонажей, и особенно самого царя Бориса. Сложная личность Бориса Годунова раскрывается в проблесках, в конечном итоге создавая ярко завершенную картину многогранной личности.(Техника Мусоргского по наложению слоев впечатлений, чтобы конкретизировать характеры персонажей, произвела сильное впечатление на более поздних композиторов: пример Мусоргского оказал влияние на произведения Клода Дебюсси Pelléas et Mélisande и Альбана Берга Wozzeck ).
Опера, завершенная в декабре 1869 года, была представлена Мусоргским в ревизионную комиссию Императорской оперы в Санкт-Петербурге и после годичного опоздания была отклонена, сочтя ее «слишком нетрадиционной» и «слишком современной»; это было, как выразился Ричард Энтони Леонард, «типичная реакция маленьких умов на столкновение с великим, хотя и незнакомым искусством.Неустрашимый Мусоргский начал вносить поправки в произведение. Примерно в это же время – в августе 1871 года – Мусоргский поселился у своего друга и коллеги по «Пятерке» Римского-Корсакова, который сам работал над оперой А. его собственное, Псковитянка (Псковитянка), основанное на историческом персонаже Ивана Грозного. Чтобы две такие непохожие личности, оба в процессе написания важных произведений, в конечном итоге жили в одной комнате, делили одно пианино и писали стол, а также музыкальные советы, планы и идеи – вот то, о чем слагают художественные легенды.Несмотря на разные эстетические взгляды, между двумя композиторами возникли глубокое взаимное уважение и дружба как в художественном отношении (« Псковитянка, » Римского-Корсакова демонстрирует сильное влияние Мусоргского в своей тематике и, как правило, мрачный оркестровый колорит), так и лично (Римский-Корсаков выбрал Мусоргского в качестве своего персонажа. быть шафером на своей свадьбе в 1872 году).
В то время как музыкальная подготовка Мусоргского была в лучшем случае недостаточно адекватной и всегда случайной, у Римского-Корсакова была, как и у самого человека, очень структурированная, точная и методичная.В то время как Мусоргский полагался на чистый талант и глубокую психологическую и художественную проницательность, Римский-Корсаков полагался на традиционное образование, полученное, пусть и в конце жизни, в результате почти навязчивой погони за знаниями. В 1871 году, на волне своего общественного успеха как композитора, Римский-Корсаков был назначен в штат Санкт-Петербургской консерватории, несмотря на его самопровозглашенное незнание даже элементарной музыкальной теории («Я понятия не имел контрапункта; в гармонии Я не знал даже … названий аккордов »;« Я был дилетантом и ничего не знал »;« Будучи безоговорочно принятым в Консерваторию в качестве профессора, я вскоре стал одним из ее лучших и, возможно, самым лучшим ученик »).В основе этого самообразования лежали смирение и самоотверженность, которые также побудили его использовать свои таланты для продвижения произведений своих коллег-композиторов, подготовки новых исполнительских версий опер своего почитаемого Глинки, помощи Кюи в оркестровке его оперы Вильгельм Рэтклифф , дважды выполняя задачу по оркестровке Каменного гостя Даргомыжского и завершая и реорганизуя Князь Игорь Бородина, который был оставлен в состоянии хаоса после смерти последнего в 1886 году.
Задача, за которую его критиковали, заключалась в том, что он редактировал почти все музыкальные произведения Мусоргского после ранней смерти Мусоргского. Мусоргский часто брался за сочинение одного произведения, не закончив предшествовавшего, и грандиозные труды Римского-Корсакова в интересах своего друга можно рассматривать только как знак уважения и привязанности. Однако исправления, которые Римский-Корсаков внес в Борис Годунов (не один, а дважды, в версиях 1896 и 1908 годов), имели исключительно большой объем и вызывали самую суровую критику.Он подошел к задаче с типично скрупулезным рвением, никогда не колеблясь «исправляя» каждую деталь, которая не соответствовала его строгим академическим стандартам. Точная передача интонаций речи Мусоргским, часто характеризуемая необычными интервалами, была свободно изменена для облегчения пения; и его смелое и оригинальное использование диссонирующих гармоний и нетрадиционных модуляций было смягчено, чтобы сделать их более приемлемыми для публики. Короче говоря, как пишет Ричард Тарускин, Римский-Корсаков взял «самые оригинальные идеи Мусоргского и превратил их обратно в те самые клише, которых Мусоргский, должно быть, старался избегать.Однако после его смерти в 1881 году забытый гений Мусоргского был на грани того, чтобы погрузиться в безвестность. Большая часть его музыкальной продукции осталась незавершенной, а его самая большая законченная работа, Борис Годунов , была снята с производства всего через пятнадцать лет. выступления из-за продолжающихся публичных споров по поводу предполагаемого отсутствия музыкального достоинства. более обычная музыкальная среда.По иронии судьбы, именно благодаря версиям Римского-Корсакова многие произведения Мусоргского стали известны за пределами России, что в конечном итоге привело к их признанию гениальными. Оригинальные версии произведений Мусоргского в конечном итоге были заново открыты по мере роста признания их важности. В случае Борис Годунов , в последние годы, с появлением критического издания Дэвида Ллойда Джонса 1975 года, оригинальная версия оперы Мусоргского начала вытеснять исполнительскую версию Римского-Корсакова 1908 года, которая более чем через сто лет после версии композитора. death – это версия, которая больше всего знакома публике и даже большинству музыкантов.
Рукопись, которая составляет часть архива Молденхауэра в Библиотеке Конгресса, состоит из тридцати четырех тактов (включая одну тихую и одну удаленную) на шести страницах, сделанных рукой Римского-Корсакова в его переработке второй сцены Пролога ( Сцена коронации). Согласно подтверждающей документации, Молденхауэр получил рукопись (возможно, около 1960 года) от музыкального издательства Broude Brothers в Нью-Йорке. Фирма получила его от русского дирижера Эмиля Купера (1877-1960), который, среди многих своих выдающихся достижений, дирижировал премьерой оперы Римского-Корсакова «Золотой петушок » в 1909 году, а также первым спектаклем «». Борис Годунов за пределами России, в мае 1908 года в Париже для Сергея Дягилева.В письме 1960 года Ирвинга Броуда из компании Broude Brothers, включенном в документацию, говорится, что Купер получил рукопись непосредственно от семьи Римского-Корсакова.
[Борис Годунов, «Сцена коронации», Пролог, сцена 2, Мусоргского, ок. 1907]
Эта рукопись, скорее всего, предшествует версии Римского-Корсакова 1908 года, поскольку она отличается от опубликованной партитуры второй версии, но все же сохраняет черты первой версии 1896 года. В некоторых случаях голоса и инструменты, представленные в этой рукописи, значительно отличаются от версии 1908 года.Например, в 8-м такте рукописи Молденхауэра статическая фигура триоли в нижних струнах, которая повторяется из первого такта этого раздела, внезапно начинает удваивать басовые голосовые линии припева; Однако в опубликованных партитурах 1896 и 1908 годов движение этой тройной фигуры становится контрастно хроматическим. Партии, включенные в опубликованную в 1908 году партитуру для арфы, фортепиано и расширенной секции ударных, в этой рукописи не представлены. Другие элементы (динамические обозначения, обозначения метронома, направления сцены) используются непоследовательно, если они вообще появляются.
Согласно обозначениям Римского-Корсакова, эта рукопись содержит часть партитуры, начинающуюся за два такта перед репетицией № 35. Однако в опубликованной партитуре композитора 1908 года этот раздел помечен как 35 bis («35-A» или « альтернативный номер 35 “). Римский-Корсаков не ошибся: репетиционных номеров «35» на самом деле два, так как часть партитуры, содержащаяся в рукописи, – это та, которая следует сразу за необязательной нарезкой из шестнадцати тактов (повторение материала «колокольного звона», с которым сцена начинается, добавленная к партитуре во время парижской постановки Дягилева 1908 года).Если бы разрез был сделан, этот раздел действительно соответствовал бы содержанию рукописи Молденгауэра; в современных изданиях этой работы, однако, стандартной практикой является публикация всех музыкальных вариантов, отсюда опубликованное издание 35 bis .
Редакция Римского-Корсакова Борис Годунов началась в 1892 году с переделки Сцены коронации; эти изменения в конечном итоге распространились на всю оперу, и они были завершены только несколько лет спустя, в мае 1896 года.Эта (первая) версия, премьера которой состоялась в Санкт-Петербургской консерватории 28 ноября того же года, содержала многочисленные сокращения, а также широко известную переработку исходного материала Мусоргского. Сцена коронации была расширена, добавив к первоначальным ста восьмидесяти четырем тактам пять тактов. Мусоргский изначально использовал прозрачный стиль оркестровки, чтобы выразить неискренность празднования русским народом своего нового царя Бориса Годунова; Римский-Корсаков переработал этот материал в более весомые и контрапункционально более сложные текстуры, с увеличенным оркестровым дополнением (к оригинальной инструментарии Мусоргского Римский-Корсаков добавил третий кларнет, трубу и тромбон, а также арфу и дополнительные ударные).Превратив тон сцены из смиренного признания со стороны Бориса и публики в яркое гражданское празднование, Римский-Корсаков фактически сместил акцент всей оперы с бедственного положения русского народа как на спектакль. целиком к работе судьбы над отдельным человеком. Эта процедура не только полностью противоречила тому способу, которым Мусоргский первоначально представлял себе произведение, но и служила для уменьшения нашего психологического понимания личностей и мотиваций персонажей, а также для подрыва драматического воздействия всей оперы.
В 1906 году Римский-Корсаков вернулся к этой первой редакции и восстановил сделанные им нарезки, очевидно, дошли до противоположной крайности, сочиняя новый материал, чтобы добавить к партитуре. В парижской постановке Дягилева 1908 года Римский-Корсаков добавил еще больше материала к опере, и особенно к Сцене коронации, которой, по его мнению, все еще не хватало драматизма и силы. Он вставил еще сорок тактов перед монологом Бориса в центре сцены и шестнадцать тактов после него. Этот новый материал вошел в партитуру второй версии Римского-Корсакова Борис Годунов , опубликованной В.Бесселя в 1908 году. Об этой второй версии Римский-Корсаков прокомментировал с присущей ему скромностью и ясностью: «Аранжировав новую версию Борис Годунов , я не разрушил ее первоначальный вид, не закрасил старые фрески навсегда. делается вывод, что оригинал лучше, достойнее моей доработки, тогда мой будет отброшен и Борис Годунов будет исполнен в соответствии с оригинальной партитурой ».
В оригинальной версии «Сцены коронации» Мусоргского можно найти все существенные элементы эстетических принципов композитора – элементы, сохраняющие оригинальность и яркость даже в версиях Римского-Корсакова.Новые гармонии Мусоргского представлены использованием им аккордов, основанных на увеличенной четверти, для изображения перезвона кремлевских колоколов в начале сцены. Драматический конфликт, присутствующий во всей опере, также может быть воплощен в гармонической неоднозначности и нестабильности дополненной четвертой части. Эпизод в разгаре прерывается тем, что князь Шуйский поручает толпе «прославлять» своего нового царя. Хор хора “Слава!” [«Слава!»], Прочно исполненный в тональности до мажор, прерывается в разгар празднования монологом Бориса, внезапно переходящим в тональность до минор, сдвиг, который эффективно указывает на двойственность, присутствующую в личности Бориса и которая обеспечивает нам с первым взглядом на его психику, раскрывающуюся более полно в ходе оперы.Модальность до минор в этом эпизоде в конечном итоге переходит в относительную мажорную тональность, ми-бемоль, поскольку точка зрения Бориса смещается с точки зрения человека, воплощенного в его собственных полных ужаса предчувствиях, на точку зрения его подданных, русских людей. , которому он выражает свои надежды на более счастливое будущее. Возвращение в до мажор “Слава!” Хор (рукопись Молденгауэра отражает этот момент в партитуре Римского-Корсакова) завершает сцену. Таким образом, сцена коронации, состоящая из двух эпизодов экстравертного характера, сфокусированных на людях и обрамляющих интровертный монолог отдельного человека, устанавливает основные конфликты, на которых основывается драматическое развитие всей оперы: индивидуум сталкивается с собственной моральной совестью.
– Кевин ЛаВин
Банкноты
Дневник композиторов
: NPR
9 октября 2021 г.
“Взгляд” Болкома на хоровые дела
9 октября 2021 г. • Сводка Сегодня, в 1999 году, в Лирической опере Чикаго состоялась премьера новой оперы американского композитора Уильяма Болкома, основанной на мощной пьесе Артура Миллера «Вид с моста». Не все сценические пьесы хорошо «переводятся» в оперу, о чем Болком хорошо знал: «В театре у вас есть текст, а под ним – подтекст», – сказал Болком.«В опере все наоборот, подтекст – это то, с чем вы действительно имеете дело в первую очередь: большие, грубые эмоции, которые поддерживаются текстом. часто сравнивают с греческой трагедией, театральной формой, в которой хор играет важную роль. Болком видел в этом реальную возможность: «Если вы собираетесь делать оперу из пьесы, лучше иметь такое измерение, которого нет в пьесе. т. В пьесе ваш хор не может говорить, потому что это непозволительно с финансовой точки зрения: как только хор открывает рот, цена повышается из-за справедливости актеров.Так что, естественно, одним из величайших ресурсов оперных театров является оперный хор, ресурс, который вы МОЖЕТЕ использовать гораздо легче ». Музыка, сыгранная в сегодняшней программе Уильям Болком (род. 1938) – Вид с моста (Лирическая опера Чикаго; Деннис Рассел Дэвис, конд.) Новый Свет 80558 В этот день Рождение 1585 – Дата крещения немецкого композитора Генриха Шютца в Бад-Лёстрице; 1835 – французский композитор, дирижер и пианист Камилла Сен-Санс, в Париже; 1914 – американский композитор Роджер Геб в Чероки, штат Айова; 1938 – финский композитор Эйноухани Раутаваара, в Хельсинки; 1940 – Джон Леннон (Битлз), Ливерпуль, Англия; Смерти 1999 – виртуоз джазового вибрафона, Милт Джексон, 76 лет, в Нью-Йорке; он был участником знаменитого модернистского джазового квартета; премьеры 1826 г. – Россини: опера «Осада Коринфа» в Парижской опере; 1891 г. – Дворжак: «Реквием», соч.89, в Бирмингеме, Англия; 1896 – Дворак: Струнный квартет № 13 соль мажор, соч. 106, в Праге, Богемский квартет; 1921 – Яначек: «Тарас Бульба» (по Гоголю) в Брно; 1955 – Шостакович: Концерт для скрипки № 1 Ленинградской филармонии под управлением Евгения Мравинского, солист Давид Ойстрах; 1963 – Хенце: Симфония № 4 в Берлине, дирижирует композитор; 1980 – Джон Дик: Концерт для гобоя д’амур с оркестром Нью-Йоркской филармонии под управлением Зубина Мехты с Томасом Стейси в качестве солиста; 1985 – Энтони Дэвис: опера «Икс: Жизнь и времена Малкольма Икс» в Филадельфии; Премьера оперы в Нью-Йорке состоялась 28 сентября 1986 года; 1986 – Эндрю Ллойд-Уэббер: мюзикл «Призрак оперы» в Театре Ее Величества в Лондоне; Мюзикл открылся на Бродвее в театре Маджестик 26 января 1988 года; 1987 – Корильяно: “Campane di Ravello” (Колокола Равелло) для оркестра (дань уважения ко дню рождения сэра Георга Шолти) в Чикаго, дирижирует Кеннет Джин; 1992 – Дэвид Отт: Симфония No.3 – Симфонический оркестр Гранд-Рапидс (Мичиган), дирижирует Кэтрин Комет; 1997 – Роберт X. Родригес: “Il Lamento di Tristano” флейтистки Сьюзан Моррис Де Йонг и гитариста Джеффри Ван, Миннесотский университет в Миннеаполисе; 1999 – Болком: опера «Вид с моста» Лирической оперы Чикаго, Деннис Рассел Дэвис, конд. 1999 – Майкл Торке: симфоническая оратория «Времена года» в Эйвери Фишер Холл в Нью-Йорке в исполнении солистов, хора и Нью-Йоркской филармонии, дирижирует Курт Мазур; Другие 1973 г. – Леонард Бернстайн читает первую из шести лекций под названием «Вопрос без ответа» в роли профессора поэзии Чарльза Элиота Нортона в Гарвардском университете.Ссылки и ресурсы о Уильяме Болкоме
“Взгляд” Болкома на хоровые дела
9 известных русских композиторов – Центральный оркестр
Богатая музыкальная история России была создана композиторами, решившими отличаться от немецких и других западных стилей. Использование октатонических гамм и других ладов, традиционные восточные народные мелодии и повторяющиеся фразы, которые упорно отказывались развиваться, были объединены, чтобы создать особый национальный стиль.В результате получилась музыка, которая является совершенно уникальной и по сей день обожается людьми во всем мире.
Если вы впервые изучаете музыкальную культуру России на протяжении веков, будет полезно узнать, кто есть кто. Вот некоторые из ключевых российских композиторов, которых вам нужно знать.
Чайковский Петр Ильич
Петр Ильич Чайковский, наиболее известный своей взрывной увертюрой 1812 года и незабываемыми тематическими балетами, такими как «Щелкунчик», многие считают самым известным композитором в истории России.Его музыка эпохи романтизма характеризуется мелодиями, которые легко улавливаются слухом – что делает его широко привлекательным – и богатым тоном, вдохновляющим оркестровкой с гармониями, которые захватывают глубокий диапазон эмоциональности.
Чайковский родился в 1840 году в Воткинске, Россия, и был вторым из шести выживших детей Ильи Чайковского и Александры Ассиер. В то время как некоторые композиторы кажутся рожденными с природным даром к музыке, талант, мастерство и признание Чайковского для обоих развивались постепенно.Во многом это было связано с эпизодическим характером его музыкальной опеки во время простого и скромного воспитания.
Эти скромные начинания не помешали ему так зациклиться на совершенстве в своей работе, что, как сообщается, он разорвал ноты в клочья, если они не соответствовали его стандартам. Он также был ярым другом, поддерживая многие отношения на протяжении всей своей жизни. К 1893 году, когда он умер в Петербурге, Чайковский написал всего 169 произведений.
Сергей Рахманинов
В списке великих русских композиторов Рахманинов – еще один, которого нельзя упускать из виду.Композитор эпохи позднего романтизма, он наиболее известен своими симфоническими танцами, вокализом, а также обширным каталогом сонат и фортепианных концертов. Его виртуозный стиль игры и амбициозные композиции сделали его легендарным композитором и пианистом, который считается одним из самых влиятельных в 20-м веке.
Сергей Рахманинов родился в 1873 году в семье, которая уже была достаточно активной и успешной в музыкальном сообществе, что возлагало на его плечи большие надежды.Можно с уверенностью сказать, что он более чем оправдал свое имя, начав заниматься фортепиано в четыре года. К 1892 году, когда он окончил Московскую консерваторию, у него уже было несколько произведений для оркестра и фортепиано. На ранней стадии его композиторской карьеры произведения Чайковского и многих других выдающихся русских композиторов того времени, таких как Балакирево и Мусоргский, оказали очевидное влияние.
Все это не означает, что он был композитором без личной борьбы.Критики плохо отреагировали на его Симфонию № 1, что привело к периоду депрессии, из которой Рахманинов не выходил в течение четырех лет. Именно с помощью терапии этот великий композитор снова встал на ноги и, наконец, сочинил гораздо более принятую Симфонию № 2. Он эмигрировал со своей семьей в Соединенные Штаты, чтобы избежать коммунизма, и умер в 1943 году в Беверли-Хиллз как высококлассный музыкальный мастер.
Модест Мусоргский
Модест Мусоргский родился в 1839 году и наиболее известен своими песнями и операми.Он был известным участником «Пятерки», также известной как «Могучая кучка», группы русских композиторов XIX века, оказавших сильное влияние на формирование особого стиля классической музыки в своей стране. Другими членами этой уважаемой группы были Милий Балакирев, который был лидером, Сезар Кюи, Николай Римский-Корсаков и Александр Бородин.
Что делает Мусоргского уникальным, так это то, как он был пионером в создании вокальных композиций, сосредоточив внимание на мелодичных мелодиях, которые раскрывают лучшее в русском языке.Среди наиболее популярных его произведений – «Картинки с выставки», «Песни и пляски смерти», «Сорочинская ярмарка». Мусоргский умер в Санкт-Петербурге в 1881 году после того, как вместе с остальными участниками The Five активно продвигал русскую музыку.
Сергей Прокофьев
Выдача Прокофьева как великого композитора в немалой степени проистекает из его гибкости стиля. Его работы охватывают впечатляющее количество динамически различных жанров, многие из которых считаются шедеврами.Родился в Сонцевке в 1891 году, получил образование в Санкт-Петербургской консерватории.
Прокофьев сочинил балет «Ромео и Джульетта», породивший известный «Танец рыцарей», а также чрезвычайно популярный «Петр и волк». В 1948 году, всего за пять лет до своей смерти в 1953 году, он написал свою самую грандиозную композицию в оперной адаптации русского писателя Льва Толстого «Война и мир». Хотя этот смелый шаг был встречен критикой и нападками, Прокофьева поддержало новое поколение русских художников.
Михаил Глинка
Для многих композиторов в России, которые пришли после него, Гинка считается отцом современной русской музыки. Однако его жизнь и музыкальный путь были совсем не обычными. Родившийся в 1804 году в семье аристократии, интересовавшейся искусством, но не имеющей реальных знаний или приверженности этому предмету, в ретроспективе удивительно, что он продолжал служить таким центральным источником для российского музыкального сообщества. Его работа в конечном итоге послужит фундаментом, на котором The Five будут строить, чтобы укрепить согласованный на национальном уровне стиль русской музыки.Глинка неожиданно скончался в 1857 году после тяжелой простуды.
Игорь Стравинский
Игорь Стравинский родился в 1882 году в богатой семье с музыкальными талантами. Детство сделало его одним из величайших русских композиторов всех времен. В школе Стравинский изучил внушительное количество 6 языков.
Его юная музыкальная карьера началась в 9 лет с уроков игры на фортепиано. Позже он начал изучать теорию музыки и композицию. Во время неудачной карьеры в колледже он быстро стал учеником Римского-Корсакова, другого известного русского композитора.Под неусыпным оком Римского-Корсакова Стравинский завершил свое первое сочинение Симфонии ми-бемоль.
Стравинский наиболее известен своими балетами, завершенными в первые годы его жизни, в том числе Русские балеты: Жар-птица , завершенными в 1910 году, Петрушка , завершенными в 1911 году, и Весна священная , завершенными в 1910 году. 1913. Говорят, что его сочинения раздвинули границы музыкального дизайна того времени. До своей смерти в 1971 году Стравинский написал более 100 произведений, в том числе симфонии, балеты, концерты.
Николай Римский-Корсаков
Известный предшественник и наставник Стравинского, Николай Римский-Корсаков родился в Тихове, в России, в 1844 году. Он происходил из дворянской семьи, богатство которой позволяло ему заниматься музыкой в молодые годы.
Считается, что в молодые годы Римский-Корсаков предпочитал литературу музыке. Это привело к карьере с шатким музыкальным фундаментом, но предназначенной для музыкальной композиции. Музыкальный талант Римского-Корсакова продолжил его карьеру.Хотя его учитель отменил уроки игры на фортепиано в 17 лет, так как они считались непрактичными, Римский-Корсаков вскоре начал сочинять и нашел свое увлечение.
Римский-Корсаков – один из известных российских композиторов, известный как член пятерки. Эти 5 выдающихся и знаменитых композиторов вместе создали новый для страны стиль музыки, основанный на национальном стиле с элементами классики, вплетенными в его мелодию.
Перед смертью в 1908 году Римский-Корсаков написал несколько опер, симфоний и хоровых произведений.К наиболее известным из них относятся его оркестровые сочинения Испанское каприччио и Увертюра Русского пасхального фестиваля.
Скрябин Александр
Александр Скрябин родился в 1872 году в столице России Москве. Его семья также принадлежала к знатному роду с долгой историей военной карьеры. Его мать была пианисткой в молодые годы.
Скрябин известен своими маленькими руками и маленьким ростом, за что его часто дразнили в школе.Тем не менее, он быстро стал известен среди своих сверстников как в учебе, так и в музыкальном плане. Его руки еле доходили до девятого антракта.
Музыкальная карьера Скрябина началась с работы пианиста в Санкт-Петербурге. Он часто исполнял свои собственные сочинения и сочинения, которые любили слушатели. Композиционная карьера Скрябина началась в начале 1900-х годов, когда он начал писать оперы и симфонии.
Скрябин известен своими фортепианными сонатами и концертами.Он написал более 100 оркестровых и фортепианных произведений до своей смерти в 1915 году в возрасте 43 лет.
Дмитрий Шостакович
Шостакович прославился как композитор и пианист. Родившийся в 1906 году в семье польского происхождения, Шостакович рано пообещал музыкальный талант. В 9 лет, когда он начал уроки игры на фортепиано, он часто играл музыку из предыдущих уроков вместо того, чтобы играть музыку перед собой.
В 13 лет продолжил обучение игре на фортепиано у Александра Глазунова.Только в 1927 году он сосредоточился на композиции, написав Вторую и Третью симфонии.
За свою карьеру Шостакович написал 15 симфоний, а также множество других произведений, включая струнные квартеты и пьесы для фортепиано. Его самые известные произведения включают его 1-ю симфонию «Вальс № 2 из сюиты для эстрадного оркестра » и отрывки из его произведения «Овод ». Он скончался в августе 1975 года от сердечной недостаточности.
Добавить комментарий Отменить ответ
Ваш адрес email не будет опубликован. Обязательные поля помечены *
Комментарий *
Имя *
Email *
Сайт

Навигация по записям
Previous post: Правда и ложь классный час: Классный час ” Правда и ложь”
Next post: Лепим осень из пластилина: Лепим из пластилина осень с детьми. Осенняя композиция из пластилина для начальной школы. Мастер-класс с пошаговыми фото. Поэтапный фото урок

Рубрики
1 класс
10 класс
10 лет
11 лет
12 лет
2 класс
3 класс
4 класс
5 класс
5 лет
6 класс
6 лет
7 класс
7 лет
8 класс
8 лет
9 класс
9 лет
Задания 1 класс
Задания 2 класс
Задания 3 класс
Задания 4 класс
Задания 5 класс
Задания 6 класс
Задания 7 класс
Задания 8 класс
Задания 9 класс
Обучение 10 класс
Разное
Ребёнку 10 лет
Ребёнку 11 лет
Ребёнку 12 лет
Ребёнку 5 лет
Ребёнку 6 лет
Ребёнку 7 лет
Ребёнку 8 лет
Своими руками
2024 © Все права защищены.

92 Правильно 95 Неправильно	Причина
New York Eye & Ear Control	New York Eye & Ear Control (1964)	Включает дату выпуска 10 9040ns Клуб (feat.Ricky J)	Dawns Welcome to the Club – Альбом (с участием Рики Дж.)	Включает «Альбом»
Я буду гулять один в толпе	12. ‘ll Be Walking Alone in a Crowd	Включает номер трека
Campus Girl – Сингл	Campus Girl (Продюсер TJ Douglas) – Сингл	альбом Включает дополнительную информацию на уровне
Shadow	Shadow – Rock Top 40 Инди-поп	Включает поисковые запросы
Draw the Line	Aerosmith 904 – Информация об исполнителе