Знойным дачным летом или в затяжную вьюгу. Не выходя из дома, можно найти вдохновение в обычных фруктах или необычных цветах. Объект не пытается повернуть голову, как на портрете, и не меняет ежесекундно тени на свет, как на пейзаже. Тем и хорош жанр натюрморта. И «мертвая природа» в переводе с французского, или «тихая жизнь вещей» в голландской версии, очень даже оживляет интерьер. Наталья Летникова представляет топ-7 натюрмортов русских художников.
Лесные фиалки и незабудки
Картина Исаака Левитана словно синее небо и белое облако — от певца русской природы. Только на полотне не родные просторы, а букет полевых цветов. Одуванчики, сирень, васильки, бессмертник, папоротник и азалия… Мастерская художника после леса превращалась «не то в оранжерею, не то в цветочный магазин». Левитан любил цветочные натюрморты и учил своих учеников видеть и цвет, и соцветия: «Надо, чтобы от них пахло не краской, а цветами».
Яблоки и листья
Работы Ильи Репина органично оттеняют блестящую обстановку Русского музея. Художник-передвижник составил композицию для своего ученика — Валентина Серова. Вышло столь живописно, что учитель и сам взялся за кисть. Шесть яблок из обычного сада — помятые и с «бочками», и ворох листьев, подернутых осенними красками, в качестве источника для вдохновения.
Букет цветов. Флоксы
Картина Ивана Крамского. «Не станет же талантливый человек тратить время на изображение, положим, тазов, рыб и пр. Это хорошо делать людям, имеющим уже всё, а у нас дела непочатый угол», — писал Крамской Васнецову. И все же жанр натюрморта в конце жизни известный портретист вниманием не обошел. Букет флоксов в стеклянной вазе был представлен на XII передвижной выставке. Картину купили еще до открытия вернисажа.
Казимир Малевич на пути к «Черному квадрату» через импрессионизм и кубизм, минуя реализм. Ваза с фруктами — плод творческих исканий, даже в рамках одной картины: густые черные линии французской техники «клуазоне», плоская посуда и объемные фрукты. Все составляющие картины объединяет только цвет. Свойственный художнику — яркий и насыщенный. Словно вызов пастельным тонам реальной жизни.
Селедка и лимон
Четверо детей и живопись. Такое сочетание в жизни художника безошибочно диктует жанр. Так вышло у Зинаиды Серебряковой. Многочисленные семейные портреты и натюрморты, по которым можно составлять меню: «Корзина с фруктами», «Спаржа и земляника», «Виноград», «Рыба на зелени»… В руках настоящего мастера и «селедка и лимон» станут произведением искусства. Поэзия и простота: спиралью кожица лимона и лишенная изысков рыба.
Натюрморт с самоваром
Ученик Серова, Коровина и Васнецова, «Бубновый валет» — Илья Машков любил изобразить окружающий мир, да поярче. Фарфоровые фигурки и бегонии, тыквы… Мясо, дичь — в духе старых мастеров, и хлебы московские — зарисовки со Смоленского рынка столицы. И по русской традиции — куда ж без самовара. Натюрморт из области праздничного бытия с фруктами и яркой посудой дополняет череп — напоминание о бренности жизни.
Этюд с медалями
Натюрморт по-советски. Художник ХХ века Анатолий Никич-Криличевский на одной картине показал целую жизнь первой советской чемпионки мира в конькобежном спорте — Марии Исаковой. С кубками, за каждым из которых — годы тренировок; медалями, которые доставались в упорной борьбе; письмами и огромными букетами. Красивая картинка для художника и художественная летопись спортивных успехов. Натюрморт-история.
www.culture.ru
Все, кто рисует с натуры, обязательно проходят через разные этапы усложнения работы. Процесс обучения рисунку на определенном этапе связан с рисованием натюрморта (от франц. nature morte — мертвая натура).
Мир природы и вещей, окружающих человека в повседневной жизни, — неисчерпаемая сокровищница форм и цветовых оттенков. Простота и пластическое совершенство бытовых предметов, утонченность и нежность цветов, своеобразное строение и сочность фруктов и овощей и многое другое всегда были объектами внимания художников. Рисунки и произведения живописи, в которых воплощаются в образную форму бытовые предметы, орудия труда, овощи, фрукты, снедь, дичь, букеты цветов и т.п., называются натюрмортами.
Натюрморты могут быть «увиденными» прямо в жизни и «поставленными» специально для решения разных изобразительных задач. И те, и другие привлекают внимание, поэтому натюрморту уделяют столь много места в изобразительном творчестве, что он стал по праву самостоятельным жанром. «Увиденный» натюрморт — это изображенное художником природное группирование предметов, а «поставленный» — составленное из сознательно подобранных предметов, необходимых для воплощения определенного замысла автора.
Изображение натюрморта имеет свою определенную закономерность и методическую последовательность. Совершенно непозволительно, например, лишь начав рисунок, заняться детальной проработкой незначительных мелочей, если не определена еще основная форма, не решена тональная идея постановки. Это сразу же приводит к дробности рисунка, которую потом неопытному рисовальщику исправить невероятно трудно и подчас невозможно. Кроме того, подобная спешка ведет к ошибкам в пропорциональных отношениях, а отсюда — к неудаче, неверию в свои силы и разочарованию.
Помните, что в изобразительной практике существует проверенный метод последовательной работы над рисунками, основанный на принципе: от общего к частному и от частного вновь к обогащенному деталями общему.
Рис. 21
Работа над натюрмортом начинается с отбора и размещения определенных предметов: в нашем задании — гипсовая модель призмы и деревянная ваза для карандашей, кистей и т.п. (рис. 21). Отбор компонентов натурной постановки должен быть логически оправданным, наполненным смысловой связью. Вещи желательно выбирать выразительные по форме и объему.
После того как натюрморт поставлен, вы выбираете определенное место, откуда постановка хорошо видна (мы уже говорили о наиболее оптимальном расстоянии от рисующего до натурного объекта: оно должно составлять примерно три размера самой натуры).
Выразительность и правдивость изображения натюрморта зависят от вашей способности наблюдать, компоновать, строить рисунок, моделировать его тоном и т.д.
Перед непосредственной работой над рисунком целесообразно выполнить одну-две зарисовки постановки для поиска рациональной и эффектной компоновки изображения на бумаге. Зарисовки желательно выполнять быстро, основываясь на первом, еще очень свежем впечатлении от постановки, стремясь передать в них характерные особенности натуры, взаимосвязь и пропорции формы каждого предмета, отношение площади изображения к площади формата листа.
После того как в зарисовке вы определили композицию изображения, можно перейти к непосредственной работе на формате. Учитывая характер постановки, вы уже выбрали формат — горизонтальный или вертикальный.
Рис. 22
Теперь перед вами стоит задача пройти несколько этапов рисования натюрморта. Таких этапов, т.е. отдельных моментов — стадий или ступеней в развитии чего-либо, в работе над рисунком обычно не более четырех.
Безусловно, начальным этапом любого изображения является композиционное размещение его на листе бумаги. У вас уже есть зарисовка, используйте которую отнюдь не механически.
Здесь главное место уделяется определению всей ширины и всей высоты предметов сразу для ограничения поля изображения, тут же намечаются легкими линиями позиции каждого из тел относительно друг друга и плоскость, на которой они поставлены.
На следующем этапе рисования натюрморта вы должны уточнить место каждого из двух предметов в изображении и определить их пропорциональные отношения. В этом промежутке работы выявляйте также конструктивную основу формы. Здесь решение всех задач данного этапа изображения основывайте на внимательном анализе постановки. Форму стройте пока одними линиями, видя свой рисунок «каркасным», но соблюдайте известную меру, чтобы они у вас не выглядели всюду одинаковой толщины (рис. 22).
Третий по счету этап работы проведите как дальнейшее уточнение формы тел, имеющих объемность и рельефность. Эти признаки предметов воспринимаются только при условии светотени. Поэтому вам надлежит не только наметить большой свет и большую тень, но и определить легкими штрихами все основные градации (постепенные расположения) светотени. Об этих закономерностях распределения света, полутонов, собственной и падающей теней говорилось в учебнике не один раз, и вы о них знаете. Нужно только внимательно следить в натуре и сравнивать на бумаге, насколько один предмет темнее или светлее другого. Помимо этого не забывайте также о различии в рисунке технических приемов работы карандашом, чтобы уже на этой стадии рисования выявить различие фактур предметов. Все вместе взятое и рассмотренное с позиций перспективного построения, объемности и рельефности форм, тонового решения, материальности ведет вас к последнему этапу работы над рисунком натюрморта (рис. 23).
Рис. 23
Заключительный этап предусматривает процесс завершения работы — обобщение всего линейного и тонального строя изображения. Если передний и дальний планы прорисованы подробно, оба тела постановки разрушают цельное восприятие рисунка, нет мягкости переходов в моделировке формы тоном, то такое изображение нуждается в доработке, которая и является обобщением. В таком случае необходимо смягчить дальний план, разрушить в нем четкие границы (создать впечатление глубины), «приблизить» к переднему плану один предмет и «отдалить» другой, где-то в нужном месте высветлить, в ином, наоборот, уплотнить тон и таким образом добиться цельности рисунка (рис. 24).
Все этапы работы над рисунком натюрморта не являются оторванными друг от друга стадиями изображения. Здесь проходит последовательный, логически обусловленный единством и неделимостью процесс, следствием которого должен быть правильно скомпонованный, верно построенный, в меру проработанный тоном, выразительный учебный рисунок натюрморта.
А теперь очень подробно рассмотрим, как протекает процесс создания рисунка натюрморта, составленного из гипсового геометрического тела — шестигранной призмы и деревянной вазы для хранения рисовальных инструментов.
После того как формат выбран, определяют, какого размера будет нанесено на бумагу изображение, тем более, что в предварительных зарисовках вы ищете пропорциональные соотношения изображения и формата. Пропорции вплетаются в -зрительное восприятие в соответствии со строением глаза и принципами его работы. Каждый рисующий определяет отношения величин и, не удивляйтесь, отличает среди них отношение «золотого – сечения». Вы видите в постановке, что стоящая вертикально ваза смотрится более предпочтительно, нежели лежащая под углом к ней призма. Значит, в своем рисунке вазе вы уделите особое внимание, и размещение изображения на бумаге станете связывать с ней. Она-то и расположится в рисунке не иначе, как в отношении пропорций «золотого сечения».
Такой характер зрительного восприятия подтверждается многочисленными опытами, проводившимися в разное время в ряде стран мира.
Немецкий психолог Густав Фехнер в 1876 г. провел ряд экспериментов, показывая мужчинам и женщинам, юношам и девушкам, а также детям нарисованные на бумаге фигуры различных прямоугольников, предлагая выбрать из них только один, но производящий на каждого испытуемого самое приятное впечатление. Все выбрали прямоугольник, показывающий отношение двух его сторон в пропорции «золотого сечения» (рис. 25). Опыты иного рода продемонстрировал перед студентами нейрофизиолог из США Уоррен Мак-Каллок в 40-х годах нашего века, когда попросил нескольких добровольцев из числа будущих специалистов привести продолговатый предмет к предпочтительной форме. Студенты некоторое время работали, а затем вернули профессору предметы. Почти на всех из них отметки были нанесены точно в районе отношения «золотого сечения», хотя молодым людям совершенно не было ничего известно об этой «божественной пропорции». Мак-Каллок потратил два года на подтверждение этого феномена, так как сам лично не верил, что все люди выбирают эту пропорцию или устанавливают ее в любительской работе по изготовлению всевозможных поделок.
Рис. 24
Для вас композиционные основы построения рисунка натюрморта не должны быть камнем преткновения, ибо человек наделен способностью хорошо видеть окружающую обстановку в пределах поля ясного зрения (под углом 36°). Именно пропорциональные величины в пределах поля ясного зрения хорошо различаются глазами, и ваша задача распознать их, чтобы правильно построить рисунок. Дело в том, что рисующий человек видит предметный мир так же, как и не рисующий. Однако, если вы возьмете произвольную точку зрения для построения рисунка, произойдет искажение. Вам надо помнить, что в построении изображения все взаимообусловлено: точка зрения, поле ясного зрения и расстояние до предметов изображения. Значит, в процессе компоновки изображения нужно выделить такую часть замкнутого пространства (листка бумаги), которое включало бы предметы натюрморта и часть окружающей среды (фона). Объекты изображения не должны быть ни слишком большими, ни маленькими. Иначе крупное изображение «выходит» из формата, а маленькое «тонет» в нем. Чтобы подобного не произошло, старайтесь рассматривать лист бумаги и размеры изображения как единое целое композиционного решения рисунка натюрморта.
После организации плоскости бумаги предметы нужно нарисовать так, как их видит глаз и как они существуют в действительности. Для этого вы уточняете перспективные изменения формы вазы и призмы и одновременно пытаетесь сразу понять их объективное устройство, конструкцию, анализируете условия освещения. Светотень на предметах распределяется по тем же законам, с которыми вы познакомились при рисовании гипсовых моделей геометрических тел.
Каждый рисунок является одновременно новым познанием предметного мира, которое сопровождается овладением знаниями, приобретением опыта, новых навыков и моторикой движений руки. Разместив рисунок на плоскости и передав пока в легких линиях границы формы каждого из двух предметов и такими же легкими штрихами наметив объемность вазы и призмы, вы продолжаете работу, переходя к следующему этапу. Теперь вы продолжаете дальше уточнять характерные особенности формы, все время сравнивая рисунок с натурой. Затем приступаете к работе отношениями, предусматривающими определение правильных пропорций, соотношение пространственных планов, деталей и целого.
Рис. 25
Метод работы отношениями дает возможность рисовальщику овладеть знаниями и умениями в той степени, в какой они влияют на развитие человека как художника-профессионала.
Итак, первые стадии вашего рисунка: решить задачи компоновки, наметить общий силуэт натюрморта, выделить оба предмета и показать пропорции, одновременно почувствовать связь форм, соответствие их общему строю изображения. При работе отношениями уточняют рисунок, сравнивая и сопоставляя, т.е. соизмеряя изображение с целым и частей друг с другом. На этом же этапе ведения рисунка вы должны приступить и к выявлению объемности и рельефности форм объектов изображения, прорабатывая их по принципу — от общего к частному. Только так вы будете все время видеть целое — ив строении, и в пропорциях, и в тоне.
Когда у вас появилась убежденность в верности рисунка и правильности намеченных светотональных отношений, можете смело переходить к моделировке формы постепенно насыщаемым плотностью тоном.
На этом важном этапе работы — передача правдивого изображения натюрморта, каким его видит наш глаз и как он существует в пространстве, — нужно все время видеть натуру цельно, т.е., прикасаясь карандашом к тому или иному месту в рисунке, не терять из виду всю постановку и весь рисунок в целом. Все время помните, что вы накапливаете знания, умения и навыки постепенно и последовательно и соответственно ведете работу над натюрмортом. Тональные отношения в натуре не могут быть в точности переданы в рисунке из-за несоответствия подлинного света и белизны бумаги друг другу. Передать их можно только путем следования пропорциональным натуре отношениям светотени, и вы знаете, что от такой передачи зависит качество тонального рисунка.
Во время моделирования рисунка тоном, когда вы всю работу ведете от общего к частному, непременно наступает момент, связанный с большим желанием взяться за окончательную проработку того или иного места изображения, которое очень привлекательно в постановке. Вот здесь и переходите к частному, соблюдая принципы рисования.
В практике как учебного, так и творческого рисования встречаются два часто соприкасающихся друг с другом технических способа прокладки карандашом тона на бумаге — штриховка и тушевка.
Штриховка в отличие от тушевки имеет свои ярко выраженные особенности. Опытный рисовальщик может достичь только ею передачи всех тональных и материальных свойств натуры. При этом он пользуется разнообразными по следу карандаша на бумаге штрихами — прямыми и изогнутыми, короткими и длинными, накладывающимися друг на друга в несколько слоев. Следовательно, под штриховкой следует понимать приемы нанесения тона штрихами. Направление штриховки в рисунке очень существенно. Направленными по форме предмета штрихами можно добиться объемности и, наоборот, бессистемно накладываемыми форма разрушается, изображение покрывается бесформенными пятнами.
Мастера рисунка часто пользовались тушевкой — приемом растирания карандашного слоя, плашмя нанесенного грифелем, по поверхности бумаги для получения мягкого сплошного тона с помощью либо растушевки, либо тампонов из бумаги и очень часто ваты. Таким приемом весьма часто и эффектно пользовался Илья Ефимович Репин.
В процессе работы, связанной с передачей светотеневых отношений, определяют самое светлое и самое темное места в натурной постановке и, придерживаясь их как тональных ориентиров, постепенно набирают необходимую светосилу. И все время нужно сравнивать и еще раз сравнивать рисунок с натурой. Для этого можно даже отойти от рисунка на небольшое расстояние, чтобы с несколько отдаленной точки зрения видеть свою работу. Есть еще один прием для сравнения — посмотреть на рисунок в зеркало, находясь вполоборота к изображению. В зеркале должен отражаться также натурный объект. Такое сравнение может помочь увидеть допущенные ошибки в тоне и устранить их. Прием с зеркалом эффективен еще и потому, что он позволяет увидеть свою работу с неожиданной стороны. Каждый рисующий не только привыкает к своему изображению, но и часто, в силу неопытности и еще неумелости, перестает замечать серьезные просчеты в рисунке, не говоря уже о тоне. Такой неожиданный взгляд поможет сразу увидеть тот или иной недостаток, на который оказалось трудно обратить внимание из-за неумения критически отнестись к собственному рисунку.
Последняя стадия работы над рисунком натюрморта связана с умением рисовальщика завершить изображение, т.е. привести изображение в соответствие с общим зрительным впечатлением при цельном восприятии натурной постановки.
Контрольные вопросыhudozhnikam.ru
Какая это странная живопись — натюрморт: она заставляет любоваться копией тех вещей, оригиналами которых не любуешься.
Блез Паскаль
И правда, задерживал ли Ты когда-нибудь взгляд на фруктах из кухонного стола? Ну… разве что, когда был голоден, правда? А вот картиной с фруктовой композицией или роскошным букетом цветов можно любоваться часами. Именно в этом — особая магия натюрморта.
В переводе с французского языка натюрморт означает «мертвая природа» (nature morte). Однако это лишь дословный перевод.
На самом деле натюрморт — это изображение неподвижных, застывших предметов (цветов, овощей, фруктов, мебели, ковров и т. д.). Первые натюрморты встречаются на фресках Древней Греции и Древнего Рима.
Натюрморт (фреска из Помпей) 63-79 г., Неаполь, Национальная галерея Каподимонте. Автор неизвестен.
Когда в гости к римлянину приходил друг, правила хорошего тона требовали, чтобы хозяин дома показал лучшее из своей серебряной посуды. Эту традицию ярко отражает натюрморт из гробницы Вестория Приска в Помпеях.
В центре композиции — сосуд для смешивания вина и воды, воплощение бога плодородия Диониса-Либера. По обе стороны на золотом столе симметрично расставлены кувшины, черпаки, рога для вина.
Однако натюрморт — это не только фрукты, овощи и цветы, но и… человеческий череп, призванный отразить быстротечность человеческой жизни. Именно так представляли натюрморт сторонники жанра «Ванитас», представители ранней стадии развития натюрморта.
Выдающийся пример — аллегорический натюрморт голландского художника Виллема Класа Хеды, где рядом с черепом изображена трубка — символ неуловимости земных наслаждений, стеклянный сосуд — отражение хрупкости жизни, ключи — символ власти домашней хозяйки, управляющей запасами. Нож символизирует уязвимость жизни, а жаровня, в которой едва теплятся угли, значит ее угасание.
Суета сует. Ванитас, 1628, Виллем Клас Хеда.
Виллема Хеду по праву называют «мастером завтраков». С помощью интересной расстановки пищи, посуды и кухонных принадлежностей художник удивительно точно передавал настроение картин. А его мастерство изображать блики света на идеально гладких поверхностях серебряных чаш и стеклянных кубков поражала даже именитых современников художника.
Невероятно, насколько точно и деликатно Хеда умел передавать каждую мелочь: игру света, особенности формы, цвета предметов. Во всех картинах голландца — таинственность, поэтичность, искреннее восхищение миром предметов.
Натюрмортом часто увлекались знаменитые художники. Именно о мастерах кисти и об их восхитительных произведениях я расскажу Тебе дальше.
Уникальный и неподражаемый — именно так называют выдающегося испанского художника ХХ в. Пабло Пикассо. Каждая работа автора — тандем оригинального замысла и гениальности.
Натюрморт с букетом цветов, 1908 г.
Натюрморт с луковицами, 1908 г.
Кроме традиционно совершенных реалистичных, наполненных света и ярких красок, или же мрачных, выполненных в голубовато-серых тонах натюрмортов, Пикассо увлекался кубизмом. Художник раскладывал предметы или героев своих картин на мелкие геометрические фигуры.
И хотя искусствоведы не признали кубизм Пикассо, сейчас его работы прекрасно продаются и принадлежат самым богатым коллекционерам мира.
Гитара и ноты, 1918 г.
Наряду со знаменитой «Звездной ночью» серия картин с подсолнухами стала уникальным символом творчества Ван Гога. Художник планировал украсить подсолнухами свой дом в Арле к приезду друга Поля Гогена.
«Небеса — восхитительного голубого цвета. Солнечные лучи — бледно-желтые. Это мягкое, волшебное сочетание небесной лазури и желтых тонов из картин Вермеера Делфтского… Я не могу написать что-то столь прекрасное…» — обреченно говорил Ван Гог. Возможно, именно поэтому художник рисовал подсолнухи бесчисленное количество раз.
Ваза с 12 подсолнухами, 1889 г.
Несчастная любовь, бедность и непринятие его творчества побуждают художника к безумным поступкам и изрядно подрывают здоровье. Но о живописи талантливый художник упорно писал: «Даже если я упаду девяносто девять раз, я все равно поднимусь в сотый раз».
Натюрморт с красными маками и ромашками. Овер, июнь 1890 г.
Ирисы. Сен-Реми, май 1890 г.
«Я хочу вернуть природе вечность», — любил повторять великий французский художник Поль Сезанн. Художник изображал не случайную игру света и тени, не меняющиеся, а постоянные характеристики предметов.
Стремясь показать предметы со всех сторон, он описывает их так, что зритель любуется натюрмортом, словно под разными углами. Мы видим стол сверху, скатерть и фрукты — сбоку, ящик в столе — снизу, а кувшин — с разных сторон одновременно.
Персики и груши, 1895 г.
Натюрморт с вишнями и персиками, 1883-1887 гг.
Палитра цветов и самых разнообразных оттенков позволяет нынешним мастерам натюрморта достичь невероятной реалистичности и красоты. Хочешь полюбоваться впечатляющими картинами талантливых современников?
От картин этого художника невозможно оторвать взгляд — настолько чарует его разнотравье! М-м-м… Кажется, я уже чувствую запах этих удивительно красивых цветов. А Ты?
Сесила Кеннеди по праву считают самым выдающимся британским художником современности. Обладатель нескольких престижных премий и любимец многих «сильных мира сего», Кеннеди все же стал известным, только когда ему исполнилось далеко за 40.
Сведения о жизни бельгийского художника Джулиана Стапперса скудны, чего не скажешь о его картинах. Жизнерадостные натюрморты художника — в коллекциях самых богатых людей мира.
Современный американский художник Грегори Ван Раальте особое внимание обращает на игру света и тени. Художник убежден, что свет должен падать не прямо, а через лес, листья деревьев, лепестки цветов, или отображаться от поверхности воды.
Талантливый художник живет в Нью-Йорке. Увлекается рисованием натюрмортов в технике акварель.
Ali Akbar Sadeghi — один из самых успешных иранских художников. В своих работах он искусно сочетает композиции традиционных иранских картин, персидские культурные мифы с иконописью и искусством витража.
Что ни говори, а в украинских мастеров кисти — свое, уникальное видение его величества натюрморта. И сейчас я Тебе это докажу.
Картины Сергея Шаповалова пестрят солнечными зайчиками. Каждый его шедевр наполнен светом, добром и любовью к родной земле. А родился художник в селе Ингуло-Каменка Новгородковского района Кировоградской области.
Сергей Шаповалов – заслуженный художник Украины, член Национального союза художников.
Украинский художник Игорь Деркачев родился в 1945 году в Днепропетровске, где проживает и сейчас. Двадцать пять лет посещал художественную студию Дома культуры студентов им. Ю. Гагарина, сначала как студиец, а потом в качестве преподавателя.
Картины художника пронзены теплом,любовью к родным традициям и дарам природы. Эта особая теплота через картины автора передается и всем поклонникам его творчества.
По словам автора, его натюрморты — зеркало собственных чувств и настроений. В букетах роз, в россыпях васильков, астр и георгинов, в «душистых» лесных картинах — неповторимый летний аромат и бесценные дары богатющей природы Украины.
Читай также:
Заметили орфографическую ошибку? Выделите её мышкой и нажмите Ctrl+Enter
pustunchik.ua
Учебный рисунок натюрморта средней сложности
Рассмотрим стадии рисунка натюрморта из нескольких предметов с драпировками.
Одно из важных качеств, которые хорошо развивать, рисуя натюрморты – это умение передавать общую тональную ситуацию.
Изначально, нам относительно легко сравнивать отношения в тоне (что темнее, а что светлее) внутри отдельно взятых кусочков. Нужно же развивать умение абстрагироваться от деталей (временно не обращать на них внимания) и видеть общую ситуацию в тоне.
Этому сильно помогает расфокусированный взгляд.
Если посмотреть на натуру расфокусированно, мелкие детали нам становятся просто не видны.
Зато мы приобретаем способность видеть общие тональные массы – массы светлых и темных пятен.
Итак, подобный способ смотреть на натуру очень помогает видеть главные тональные отношения. Для того, чтобы увидеть натуру таким способом, нужно направить взгляд далеко-далеко – глаза сфокусируются для дали и натура станет нечеткой.
Интересно: в фехтовальных школах Дальнего Востока, существует термин “взгляд как на далекие горы”. Таким способом рекомендуется смотреть на противника во время поединка, для того, чтобы видеть одновременно всю ситуацию целиком. Подобный же способ зрения рекомендуют опытные водители – глядя вдаль, мы одновременно видим все происходящее перед нами. Мы можем констатировать, что в столь разных на первый взгляд областях, ошибкой является одно и то же – привязанность взгляда к деталям, не видение ситуации в целом. И если в поединке или за рулем ценой ошибки может стать жизнь, то в учебном рисунке – дробный, рассыпающийся на куски рисунок и запутанные, неадекватно (где темнее, а где – светлее) переданные тональные отношения.
Перед началом работы сделаем эскиз композиции. Обратите внимание – эскиз делается в тоне, ведь готовая работа у нас будет в тоне. Иначе, даже самая идеальная композиция, если она только в линиях, может оказаться неудачной и неуравновешенной к концу создания большой работы.
Желательно, чтобы наша работа над композицией будущего рисунка не ограничилась просто перерисовыванием того, что мы видим и обведением рамочкой. Желательно также, чтобы работа не ограничилась только поиском равновесия (чтобы не перевешивал ни левый, ни правый край). Это было бы задачей минимум, но по-хорошему, этого мало.
Более осознанная работа над композицией предусматривает поиск ритмического решения, какого-либо композиционного хода, “музыки” пятен и линий в рамках нашего листа.
Попросту говоря, объекты, попадающие в лист взаимодействуют, “разговаривают” друг с другом, при помощи своего расположения, при помощи ритмов, образованных их краями, линиями, направлениями и формой своих пятен, все вместе, они выстраиваются в более крупные линии и направления, и от нас зависит, увидеть это взаимодействие и подчеркнуть в своей работе или не увидеть.
На основе эскиза размечаем композицию на листе. При этом следует остерегаться “уплывания” композиции – когда мы невнимательно смотрим на эскиз и в итоге переносим композицию весьма приблизительно, теряя найденные тонкости, не говоря уже о равновесии. При этом часто происходит как бы “приближение камеры к объекту”, когда все предметы в листе оказываются крупнее, а свободного пространства вокруг остается наоборот, меньше.
Начинающий художник в эти моменты часто не осознает, что хорошо найденная на эскизе (в маленьком размере, где все легче оценить) композиция, намного ценнее, чем кое-как накиданное на большом листе, зачастую не отходя на расстояние, то есть не имея возможности увидеть лист в целом.
Поэтому на первых порах разумнее внимательно переносить композицию с эскиза. Потом, когда художник приобретает больший опыт, ему становится легче охватить своим вниманием весь лист целиком и переносить с эскиза уже не механически, а стараясь перенести и приумножить ценные качества, заложенные в эскизе.
При переносе композиции с эскиза удобнее вначале перенести заметные, “опорные” точки по всему листу (наиболее выдающиеся края предметов, драпировок, стола и т.д.). Лучше всего, намечать их на глаз, и затем проверять себя измерениями. Сначала можно найти расположение 1-2 точек расположенных ближе к центру, затем еще несколько между центром и периферией. Можно сказать, что верно взяв эти точки мы сразу же делаемся хозяевами ситуации – общая композиция уже у нас под контролем.
Принципиально, что мы накидываем их расположение сразу по всему листу, это дает нам возможность сразу видеть как происходит перенос композиции в целом.
На основании таких заметных точек, мы накидываем общие очертания всех предметов.
Принципиально, что мы ничего не прорисовываем, а только накидываем, размечаем по всему листу.
Затем сравниваем с эскизом, насколько верно мы перенесли композицию. При необходимости что-то двигаем, переносим, снова сравниваем.
Такой порядок работы наиболее удобен для переноса композиции с эскиза.
Бывает, что начинающий рисовальщик начинает перенос композиции с эскиза “от куска” – вначале рисуя один предмет, затем пририсовывая к нему другой и т.д. пока весь лист не заполняется. Такой подход наименее разумен, т.к. практически полностью исключает видение художником композиции в целом – того качества, которое как раз и помогает развивать данный этап работы. Ценен ведь не столько сам учебный рисунок, сколько те качества, которые мы развиваем, работая над заданием. И, конечно при таком способе работы композиция всегда переносится неверно.
Вывод: начинаем одновременно по всему листу!
Убедившись, что композиция на листе нас устраивает, начинаем уточнять наиболее основные пропорции и характер формы предметов и драпировок. Затем вводим элементы построения.
При этом мы также стараемся действовать по всей работе, не зависая надолго ни на одном участке.
Категорически не желательно на данном этапе заниматься точным исполнением и отделкой каких-либо деталей, кусочков и т.д. – для этого еще не созданы условия.
Эскиз желательно держать рядом, периодически охватывая взглядом работу целиком и спрашивая себя – нравится ли общая композиция, как смотрится работа в целом?
По мере того, как с пропорциями, характером формы и построением основных предметов мы более-менее разобрались, полезно вводить легкую светотень по всей работе.
Но вводя светотень нужно не забывать окончательно уточнять рисунок отдельных элементов.
То есть, это этап – не просто работа тоном, когда об уточнении рисунка можно забыть, а именно, дальнейшее уточнение рисунка одновременнос раскрытием листа в легкой светотени.
Почему такой подход удобен – потому, что в жизни мы видим натуру не столько в линиях, сколько в пятнах – натура не состоит из набора линий, мы видим ее в тоне. Соответственно, пока мы строим работу в линиях, несмотря на все наши усилия схватить рисунок точно, мы не имеем возможности удобно сравнить – картину, состоящую из пятен мы мысленно переводим в линии и так стараемся взять расположение этих линий наиболее точно.
Раскрывая же в тоне, мы можем наконец сравнить пятна с пятнами и как правило на этом этапе могут стать видны ошибки о которых мы не подозревали. Править же намного удобнее пока светотень легкая – она легко стирается, правится ластиком. Поэтому не стоит сильно темнить отдельно взятые кусочки, лучше вначале раскрывать в легких тонах весь натюрморт, продолжая сравнивать общую картину и уточнять абрис отдельных элементов.
Раскрывая в легком тоне весь лист, мы и на натуру “смотрим” как бы в легком тоне – представляя себе на этом этапе все тональные соотношения в натуре (что темнее/что светлее) равномерно высветленными.
Этому также способствует расфокусированный взгляд – ведь конкретные детали только мешают сравнивать общую тональную ситуацию.
На основе увиденного, мы понемногу набираем тональность по всей работе, постоянно сравнивая, что темней, а что – светлей.
И на саму работу также периодически глядя расфокусированно.
Беря общую тональную ситуацию из жизни, желательно передний план делать немного контрастнее, а дальний план наоборот – немного легче, мягче. Таким образом мы вводим в нашу работу воздушную перспективу.
Воздушная перспектива дает нам возможность убедительнее передать пространство. В реальной жизни мы видим двумя глазами две немного отличные картинки, которые совмещаются в сознании, давая нам представлении об объеме и пространстве. Это называется “бинокулярным зрением”. Но наш лист – плоский и у нас нет возможности смотреть на предметы в листе одним глазом немного слева, другим – немного справа. Поэтому мы привносим в наши рисунки то, что в обычной жизни мы можем видеть на больших расстояниях, там где бинокулярное зрение как раз уже и не действует. Ведь в повседневной жизни мы предметы, которые находятся далеко от нас, действительно видим более мягко, менее резко, вследствие ограниченности нашего зрения, а также за счет толщины воздуха.
Воздушная перспектива проявляется также и в деталях – прорабатывая детали на дальнем плане, мы не позволяем им быть слишком резкими, чтобы они не вылезли вперед и не разрушили нам пространство. детали же на переднем плане делаем чуть порезче, чтобы они и воспринимались ближе.
В целом же, лучше слишком детализацией не увлекаться, лучше еще раз сравнить тональные отношения и на этом закончить работу.
Если у Вас возникают вопросы или пожелания, наш электронный адрес – Этот адрес электронной почты защищён от спам-ботов. У вас должен быть включен JavaScript для просмотра.’;document.getElementById(‘cloak43bc20e614b98d8b002b49c61546c649’).innerHTML += ”+addy_text43bc20e614b98d8b002b49c61546c649+”;
Олег Торопыгин
www.artstudying.com
Почувствовать дома настоящий комфорт получится только с хорошим кондиционером. Сплит-системы Suzuki как-раз созданы для этого. Свежий воздух, стабильная температура, генерация ионов — это все кондиционеры Suzuki. Купить такой кондиционер может каждый, ведь это техника, которая долго служит хозяину и дарит комфорт.
Дагер Л. Ж. М. «Натюрморт в студии художника»
Павел Древницкий «Морской натюрморт»
Ранее я уже писал о жанре натюрморт несколько статей: о свете, о композиции и об общих принципах при фотографировании натюрмортов. А эту статью можно назвать «Прологом» или «Историческими сведениями» ко всем предыдущим статьям о натюрморте. Поговорим же о зарождении жанра «тихой жизни».
В общем-то, под обозначение «натюрморт» попадают все изображение предметов, неодушевленных объектов, но эту унификацию используют только с 19-го столетия. Голландские живописцы эпохи возрождения четко разделяли изображения цветов, еды, или письменных столов – тогда еще не было общего названия «натюрморт» для таких картин. Французы в 19-м веке ввели обозначение «nature morte», но даже оно отличалось от того, что подразумевали англичане под своим «still life» и немцы под «stilleben» (у последних двух народов оно означало не мертвую жизнь, а тихую).
Считается, что первые натюрморты рисовали обитатели Земли еще в эпоху палеолита. Следует отметить, что изображать невоодушевлённые предметы стало модно только после 16-го века, до этого момента такие предметы отыгрывали второстепенную роль в композициях (зачастую в портретах).
Так сложилось, что натюрморт и фотография – спутники почти с самого рождения последней, но считается, что натюрморт снимается фотографами реже любого другого жанра (если говорить об основных, а не суб-жанрах). С 1839 года натюрморты снимали одни из создателей фотографического искусства – Дагер, Байяр, Толбот. Последний говорил, что голландская школа живописи непревзойдённая в своей манере изображения предметов повседневной жизни. Поэтому фотографы и по сей день не брезгуют снимать от цветочков до черепов, что было присуще и художникам.
Читать дальше >
intpicture.com